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Mujeres fotógrafas de Colombia y el mundo nos enseñan su fotografia

Incentivar la expresión creadora en la fotografía: Annemarie Heinrich

Annemarie Heinrich, fue una consagrada artista Argentina, nacida en  Alemania, pero radicada desde la adolescencia en este país latinoamericano, destacada por su singular manera de fotografiar, entre sus trabajos se destacan los retratos y desnudos, e igualmente su mirada critica frente al arte y a la fotografía que expresaba a través de sus escritos. Fundadora del Foto Club Argentino.

El siguiente texto fue escrito en 1951 para el Boletín de Foto Cine Clube Bandeirante de San Pablo y tomado de la antología 1925-1970 “Escribiendo sobre fotografía en America Latina” de José Antonio Navarrete. 

El arte fotográfico vive hoy un momento que es denominado, por algunos, de espera y, por otros, de transición, no pudiendo ocultar que sea, en realidad, de crisis. Al intenso y extenso progreso de la expresión creadora alcanzada por la fotografía, entre la primera y la Segunda Guerra Mundial, en virtud, principalmente, de los numerosos aportes de los que se podría llamar el genio o espíritu europeo, se incorporó seguidamente consecuente y complementariamente un rápido y notable desarrollo de aportes técnicos obtenidos también, y sin duda, por la activa requisición de las industrias y las ciencias que veían en el nuevo proceso un complemento de valor inapreciable. Esta superación en la eficiencia del “service” fotográfico se extendió, en mayor escala, en los Estados Unidos y no fue ajeno a esta la “época de oro” de su cine.

De forma contraria, en todas partes se percibe hoy un notorio estancamiento o retroceso en el nivel de expresión, en las investigaciones y en la creación, por mucho que se le disimule bajo una técnica brillante, y una desorientación general sobre las posibles salidas, más allá de lo que las investigaciones técnicas permanezcan paralizadas en todo aquello que ya se conocía. De nuestra parte, podríamos decir que se perciben en el mundo dos líneas de producción en las cuales los adeptos a la fotografía han trabajado pacientemente y laboriosamente, sin sobresalir mucho. Una de ellas es el sector llamado americano, volcado predominantemente al exterior, a la nota pintoresca o curiosa, a lo espectacular a lo decorativo, a la sensación y a lo vistoso; la otra es la del  campo europeo especialmente, esperándose en las gamas, la riqueza de la materia, en el enfoque más preciso y definido y en el encuadre más perfecto, geométrico, de lo que fuera fotografiado. El espíritu creador, salvo muy raramente, ¡se encuentra ausente en ambas tendencias!

Photo-Notes, órgano oficial de Photo League americana, en su edición de 1950 denunciando los diferentes aspectos del fenómeno en su país, entre los cuales se encuentra la “falta de fantasía”, “pereza de imaginar”, “exceso de comercialismo”, expresa que no hay un significado, que hay una ausencia “en la búsqueda de un contenido consciente, manifestado por el fotógrafo a través de una visión del propio mundo interior”. La revista Fotografía (Milán septiembre- octubre de 1950) intenta ampliar la investigación cuando al señalar “la decadencia de una forma que quiere definirse convencionalmente como en impersona” atribuye el hecho al “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte”. Un excelente álbum suizo (Photo 49), a su vez, destaca en sus palabras de presentación lo que las fotografías incluidas después confirman la “nueva fotografía” se valora por “su objetividad, el sentido de las cosas materiales más que los valores de las humanos, el gusto por la técnica y precisión de los dentalles, la riqueza de la sustancia, la luz modelando los objetos”, etcétera. (Quiere esto decir que además de volver un mérito una desviación  fundamental como la que significa la subestimación o el desinterés de los valores humanos, la “nueva fotografía” se transporta con su producción hacia un pasado lejano en la historia, cuando el proceso fotográfico se esforzaba por mejorar su etapa inicial de copiado y reproducción. Y esto, precisamente en un momento en que, más que nunca antes, podemos contar con un riquísimo patrimonio artístico heredado de nuestros precursores y cuando más y mejores son la cantidad y la cualidad de los recursos, conocimientos, complementos, escuelas y posibilidades logradas por nuestra especialidad y su prodigiosa técnica.

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* Desnudo – © Annemarie Heinrich

Se debería indagar, de forma natural, a qué debe esto; si realmente existe ese “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte” expresado por la fotografía de Milán y cuáles fueron o son esos actores que según Photo Notes, llevaron y llevan a los eruditos de la fotografía en Estados Unidos a huir de sí mismo, a dejar de lado la búsqueda de los significados, etcétera. Conocer las causas de un mal constituyente, sin duda, una mejor posición, crítica o terapéutica, que hablar y registrar sus síntomas.

Sin embargo, es posible encontrar mucha similitud entre ese momento de la fotografía y aquel que sufrió, en su época, el viejo impresionismo pictórico. Y por semejantes, sobre todo por la experiencia que nos transmite y porque nos permite la obtención de elementos constructivos, me parece oportuno dar unos de los ejemplos: los primeros rebeldes del impresionismo, que se quejaban por este “era una parte pasivos, en el  cual el artista reflejaba únicamente las vibraciones de su impresión”, deseaba librarse de él por medio de un “arte activo, transmisor en vez de receptor, que creara dinámica y a priori”( haunsenstein, “Un siglo de evolución artistica,”). El impresionismo, regido hasta ese momento por el objeto, debía ser reemplazado por un trabajo de fondo y forma en el cual reinará completamente el tema. El que estaba conectado predominantemente con el paisaje y la naturaleza muerta no destacaba ningún detalle, huía de las grandes acciones, prefería los juegos de luz a los valores humanos, todas las partes, inclusive las figuras y los fondos, aparecieron en el conjunto nivelados por la “impresión” global, por un estilo que era anterior y obligaba a una sistémica factura de escuela; mientras que el nuevo arte que se proponían los rebeldes y que con el pasar del tiempo nos daría el expresionismo, inclusive con sus excesos, iba a subrayar los detalles y caracteres, exasperando las formas, el sentido y el color para proyectarlos en un significado cien por ciento sobresaliente en el conjunto, hasta alcanzar una aguda e hiperestesiada expresión.  El espíritu creador en suma debía tomar su lugar en la obra enfrente del copismo, de la reproducción y la repetición formal y sensual al infinito.

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*Annemarie Heinrich

La fotografía también debe hacerlo y, por supuesto, va a lograrlo.

Se entiende que el primer concepto que se debe revisar es el de los valores humanos: ningún arte será jamas importante si no los tiene en primer plano y desde sus fundamentos. Leyes históricas, también, nos afirman que, tarde o temprano, los infelices factores que perturban el progreso serán eliminados, entre los cuales se debe contar aquel que produce lo que parece “desinterés de los jóvenes por todo lo que es arte”. Por lo tanto, se deberán buscar todos los significados de las cosas, de los seres, de la vida, sin limitaciones, sin temblores: los medios estéticos, además de difundir sus conocimiento y su satisfacción en cada individuo, enriquecerán la sensibilidad y el desarrollo general. Y, al final, se deberán usar todos los recursos técnicos para expresar, sugerir, hacer, intuir, aún para aquello que no haya posibilidad de lenguaje, no digo solo fotográfico, sino también verbal. El fotomontaje, las sobreimpresiones, la solarización, los objetos especiales, los filtros y la ampliadora, usados con sabiduría, audacia, y modificados, serán también eficaces complementos. Sin embargo, cabe señalar que lo más importante es,  evidentemente, la conciencia siempre alerta de la vida.

Se puede percibir que incluso las fotografías menos maleables, para los fines de la creación, como son las de actualidad, las notas para reportajes, las experiencias científicas, investigaciones en sectores inesperados pueden gozar de ese “activismo” (una muestra de ello también en el campo de la creación nos ha sido dada por algunos nuevos italianos, a los que podríamos llamar, por extensión de su cine, neorrealistas). Es posible, al fin,  que el propio paisaje y la naturaleza muerta pueden ser tratados especulativamente, dinamización y llevados a una expresividad superior, mediante la combinación de recursos técnicos y la voluntad interesada del espíritu investigador.

Junto a estas líneas hay cinco fotografías obtenidas mediante el simple uso de un fácil recurso, el de la sobreimpresión sobre una misma lámina. A través de ellas sin sobreestimar su valor, naturalmente, podemos vislumbrar el inmenso campo abierto a nuestras posibilidades de producción, solamente agregándole, el riquísimo artesanal de medios y materiales con los que cuenta hoy la  fotografía, las ganas de expresar “algo más”. 

Annemarie Heinrich

* Las fotografías aquí expuestas no hicieron parte de la publicación original.
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Viviana Peretti en entrevista con Fotógrafo No fotógrafo

Nuestra tarea por seguir conociendo historias de fotógrafos y fotógrafas no se detiene, en esta ocasión entramos a la casa de Viviana Peretti, fotógrafa y antropóloga italiana que durante más de 10 años ha vivido y recorrido Colombia para desarrollar sus trabajos.

“Ser fotógrafo es desnudarse uno y a menudo no es un trabajo que tiene que ver con el cerebro, sino que tiene que ver con otro tipo de emociones que están ubicadas en otro lugar del cuerpo”

En la primera parte de este diálogo conoceremos cómo llega Viviana a la fotografía, una historia que inicia con un poco de suerte y mucha pasión por aprender e ir mejorando la técnica y el concepto en su fotografía.

Colombia Diversa
©Dancing like a woman -Viviana Peretti
Desde sus primeros años como fotógrafa hasta hoy, Viviana Peretti,  ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos el 1er puesto en la categoría Arte y Cultura del “Sony World Photography Awards“, el “American Photography 30″; y ha sido seleccionada en el “Taylor Wessing Photographic Portrait Prize”. Al tiempo que su nombre resuena en estos importantes espacios internacionales, Viviana se ha desempeñado como docente en varias universidades en Colombia. Asimismo, sus trabajos han sido expuestos en Nueva York, Roma, México y Colombia entre otros lugares.
 
“Me estoy contando, llevo años en tratar de descubrirme… Hay mucho intento de descubrir los demonios que tenemos” Viviana Peretti
Hands
Hands – Viviana Peretti

En esta nueva entrega de #EntrevistasFNF, tendremos una  encantadora charla en la que nos conoceremos el sentido de los trabajos de Peretti y la opinión que tiene sobre diversos temas como el papel de las fotógrafas en la actualidad y la critica que mantiene sobre la fotografía en los medios impresos en Colombia. Y al final nos dejará un excelente mensaje para seguir cultivando nuestra pasión por la fotografía.

No escribimos más y te invitamos a dar play y dejar tus comentarios sobre esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

Web:  vivianaperetti.com

Instagram: Viviana Peretti 

Síguenos en Twitter: @nofotografo  y Facebook: FotografoNoFotografo 

Joana Biarnés, enfrentó el machismo para convertirse en la primera fotoperiodista española

Durante muchos años la fotografía estuvo marcada como un trabajo para hombres, sin embargo, esto no detuvo a las mujeres para entrar en esta profesión. Muchas iniciaron como ayudantes de sus padres o esposos, pero no se quedaron allí y marcaron su carrera por su forma de ver y su profesionalismo.

Una de las mujeres que tuvo que enfrentarse al machismo fue Joana Biarnés, fotógrafa catalana nacida en Tarrassa, en el año de 1935. Ella inició su pasión por la fotografía de la mano de su padre del que aprendió y quien confió en ella. Estamos hablando de los años 50 y 60 cuando ver a una mujer con una cámara cubriendo un evento era todo un suceso criticado por la sociedad, así lo cuenta Biarnés, en este documental realizado por RTVE con guión y dirección de  Oscar Moreno y Jordí Rovira.

(¡Ya viste?: 10 fotógrafas famosas que tienes que ver)

Joana Biarnés. Una entre todos“, Un documental  que narra la vida de la primera fotoperiodista española, quien se ganó el puesto de fotógrafa con su trabajo y su empatía con las personas. Un filme lleno de historias curiosas en la lucha por conseguir una buena fotografía y por no dejarse vencer del machismo.

Biarnés fotografió a The Beatles, fue fotógrafa oficial del cantante Raphael, retrató a Joan Manuel Serrat, Rocío Durcal, y a un gran número de personalidades de la farándula y el espectáculo español. Pero su trabajo no se quedó allí, también realizó denuncia social a través de sus imágenes y diversos reportajes que le costaron su salida de país.

No hablamos más y te invitamos a ver el documental “Joana Biarnés, una entre todos”, si tienes una recomendación, déjala en  los comentarios de este post y en nuestras redes sociales FotografoNoFotografo en Facebook, @NoFotografo en Twitter y en Instagram como @FotografoNoFotografo. 

 

Frases de fotógrafas -Gisèle Freund

Gisèle Freund, socióloga y fotógrafa,  huyó de la Alemania Nazi hacia París, allí se instaló y conoció a al escritor Adrieenne Monnier, con la ayuda de él conocería a intelectuales franceses y europeos los cuales fotografiaría. Su trabajo en la fotografía estaría inclinado hacia  el retrato.  Hizo parte de la agencia Magnum y  ha escrito libros reconocidos como “la fotografía como documento social

gisele freund

“Family” un bello trabajo de la fotógrafa Sally Mann

Durante 10 años Sally Mann, la reconocida fotógrafa estadounidense elaboró un bello trabajo documental llamado “Family” en él retrata el día a día de la vida de sus hijos en casa. Un trabajo que fue criticado por varias personas al presentar en imágenes la desnudes de sus hijos, critica que no resulto significativa para esta fotógrafa que a través de su larga trayectoria a presentado la desnudes y la sexualidad con total naturalidad y amor.

Sally Mann es reconocida por su trabajo análogo en gran formato y por su estilo único en blanco y negro, reconocida en el año 2001 como la mejor fotógrafa norteamericana por la revista Time.

Web de Sally Mann http://bit.ly/1crvxVG

Fotógrafa documenta la enfermedad psiquiátrica de su mamá

Melissa Spitz, fotografío durante 6 años la enfermedad mental de su madre, ella fue la compañera luego que su familia abandonará el hogar al no soportar la enfermedad que sufría Deborah.

Para Spitz el trabajo documental fue un puente emocional entre madre e hija que sirvió a las dos para generar nuevamente la cercanía que habían perdido y fue la oportunidad para enseñar a través de la fotografía las dificultades que vive una persona con transtornos psicológicos.

“Mi esperanza para desarrollar este trabajo es mostrar que estos problemas pueden ocurrir a cualquiera, desde cualquier ámbito de la vida y que no hay nada de qué avergonzarse” Spitz

Fotógrafo No Fotógrafo  los invita a conocer este bello y humano trabajo http://bit.ly/1E1gckG

Entrevista con Melissa Spitz: http://ti.me/1FeCxma

La misteriosa historia de la fotógrafa Vivian Maier, Nominada al Óscar

En los premios Óscar 2015 llamó la atención de los fotógrafos y fotógrafas un audiovisual nominado en categoría de “Mejor Documental”: En busca de Vivian Maier (Finding Vivian Maier). Hoy en Fotógrafo No Fotógrafo te contamos la enigmática historia que se desarrolla en este documental y en la vida de Vivian Maier.

Todo inició en el año 2013 cuando ocurrió un increíble descubrimiento para la historia de la fotografía: John Malloof, un historiador aficionado compró un archivo fotográfico en una subasta en Chicago que resultó ser el espectacular trabajo de una fotógrafa anónima. Esta es la historia que cuenta el documental dirigido por Charlie Siskel y el propio John Maloof, quienes reconstruyen su búsqueda de Vivian Maier, una mujer anónima que dejó un legado fotográfico que ha impresionado al mundo entero.

Vivian Maier

El increíble talento fotográfico de Vivian Maier sólo fue reconocido muchos años después de morir cuando Maloof descubrió los negativos de su obra. Desde entonces las fotografías de Maier han cautivado y su obra ha sido expuesta en prestigiosas galerías por todo el mundo. Ahora, después de estos sucesos, Vivian Maier es reconocida como una de las fotógrafas más importantes del siglo XX.

Luego de contarte la historia que desarrolla el documental te invitamos a navegar durante 1 hora y 20 minutos por la historia de esta fotógrafa que seguro que te asombrará de principio a fin: