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fotógrafos de Colombia y el mundo presentan su trabajo

“Cada una de mis fotografías está filtrada por la emoción” Augusto De Luca

Augusto De Luca, fotógrafo italiano, inició su incursión en la fotografía a mitad de los años sesenta, influenciado por fotógrafos como Bill Brandt, Irving Penn, Richard Avedon y Annie Leibovitz.

“La gran fotografía está realizada en el momento justo, pero necesita también de un corte justo que valorice ese momento… La fotografía tiene que vivir del contenido y de la forma, la que vive solo de uno de los dos no permanece… Yo tengo muchas almas, que salen fuera en ciertos meses o en años alternos. Soy fotógrafo, artista-interprete, abogado, coleccionista, músico. Todo esto forma parte de mí, no elimino nada, simplemente permito a mis diferentes almas de alternarse… Si fotografías para los demás, no vendrá fuera tu esencia, terminaras por hacer cosas que han hecho todos, solo porque sabes que gustan… A través de mis fotografías salen mis ideas, mis pasiones, mis monstruos, qué soy y qué pienso.”

De Luca, de formación en estudios clásicos y licenciado en jurisprudencia, no se ha quedado fijo en un tipo de fotografía, su trabajo se mezcla entre la fotografía tradicional y experimental, en la incursión de diversos procesos y materiales para conseguir sus fotografías que se destacan por las formas y trazos, que el describe como un proceso de uniones inspirado en la metafísica.

Enzo Avitabile - photo Augusto De Luca
Enzo Avitabile – Augusto De Luca

“La geometría me sirve como gramática de lenguaje expresivo en la imagen. El esqueleto estructural, la composición y el corte geométrico sirven para dar una llave de lectura a la imagen; si no se hace como los dadaístas, que ponían las palabras en un saco y después las sacaban fuera una por una para componer una poesía.”

Sus retratos en formato cuadrado y un proceso en blanco y negro con un pequeño virado hacia el sepia destaca a las fotografías de Augusto De Luca, que tienen gran fuerza en la composición y la expresión del retratado. 

Ha expuesto en galerías italianas y extranjeras, además en Museos y sedes institucionales como la Cámara de Diputados (Italia) en Roma, en diferentes Institutos de Cultura Italiana y en Sedes Universitarias en el extranjero.

James Senese - photo by Augusto De Luca
James Senese –  por Augusto De Luca

 ”Cada una de mis fotografías está filtrada por la EMOCIÓN, de la relación que se crea entre el lugar a retratar y mi mismo. Cuando veo algo que me atrae, empiezo a darle vuelta para encontrar mi encuadre. Es un trabajo sobre mí y sobre la ciudad al mismo tiempo.”

Sus fotografías aparecen en diferentes colecciones públicas y privadas como las de la Biblioteca Nacional de París, las del Archivo Fotográfico del Ayuntamiento de Roma, las de Internacional Polaroid Collection (EUA), las de la Galería Nacional de Artes Estéticas de China (Pekín) y las del Museo de la Fotografía de Charleroi (Bélgica). 

Compartimos el trabajo de Augusto De Luca, quien quiso compartir con Fotógrafo No Fotógrafo una parte de su obra de más de 45 años de trabajo. 

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Michael O’Neil “La búsqueda del espíritu en una imagen bidimensional” 

Durante 10 años el fotógrafo Michael O’Neil ha hecho una inmersión completa en el mundo del yoga. Su trabajo y su pasión por esta forma de vida lo han llevado a recorrer  países como la India y Estados Unidos en la búsqueda de esta disciplina ancestral.

Un proyecto que surgió luego de largos años de trabajo como retratista, consolidándose como uno de los fotógrafos más reconocidos en los años 60, a la altura Avedon, Irving Penn y Yousuf Karsh. Así mismo, sus imágenes llegaron a reconocidas publicaciones y fueron portadas de Life, The New Yorker, Esquire y Vanity Fair.

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Michael O’Neill Double Bow 2007 TASCHEN

Pero esto cambió en 2005 cuando, debido a un problema en su cuerpo, empezó su inmersión en el universo del yoga, tema que se convirtió en una pasión y en una búsqueda en su forma de ver y entender la fotografía. Este trabajo fue publicado en el año 2015 de la mano de la editorial Taschen, en el libro “Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz

Al iniciar este proyecto O’neil  manifestó que se “concentraría en fabricar fotografía, en lugar de hacerlas“. Esto cambió totalmente su trabajo y desde ese momento incrementó su búsqueda por fotografías que documentaran la meditación y conexión de hombres y mujeres que practican yoga. Las fotografías se destacan por la composición, la luz y la destreza de los cuerpos de los yoguis. También el trabajo que se centra en cinco elementos: aire, fuego, tierra, agua y espíritu. (Ver: Los 5 programas en Netflix que ningún fotógrafo puede perderse)

“Buscar una conexión emocional y espiritual con todos mis temas”

Esta es una de las frases que encontraremos en este documental emitido por Netflix, con la dirección del cineasta brasileño Heitor Dhalia y basado en el libro”Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz” de Michael O’Neil. Una historia que nos sumerge a través de la música y los diálogos en un viaje de relajación en el que aprenderemos mucho más que fotografía.

Te invitamos a ver el documental  y no olvides dejar tus comentarios y ayudarnos a divulgar esta entrada.

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Andrés Serrano el fotógrafo hereje y vulgar

Cuando alguien se encuentra frente a una fotografía de Andrés Serrano no sabe muy bien cómo apreciarlas, cómo entenderlas. Algunos críticos lo han considerado el artista que ve lo hermoso en todo aquello que pareciera ya no lo es, otros lo definen como irreverente, otros no le hayan sentido, muchos dicen que es un transgersor de lo establecido, de las normas, del discurso. De familia hondureña y puertorriqueña, pero criado en Estados unidos, este hombre ha realizado producciones fotográficas que van desde integrantes del Ki Klux Klan, pasando por imágenes de víctimas quemadas y personas fallecidas.

Adicionalmente, las fotografías de Serrano cuentan con la presencia de otros elementos que las hace más “intensas”. Sangre, leche materna, semen, entre otras, hacen que para muchos espectadores, este fotógrafo transgrede las normas de producción fotográfica y en algunos casos, ha sido denunciado por producir “arte ofensivo”.

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© Andrés Serrano
Las fotos de Andrés, también han recogido otros elementos como instrumentos de tortura medievales que parecieran nada atractivas para muchos, así como retratos de víctimas de violaciones a los derechos humanos.

Serrano es famoso por capturar temas perturbadores con una reverencia sorprendente. Andrés hace que sus exposiciones estén cargadas de desafío y a su vez que quienes ven estas imágenes se sientan por un lado atraídos, por otro alterados y disgustados, pues toca temas sensibles, llenos de contenido político, religioso y social.

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© Andrés Serrano
Aunque muchas personas lo han considerado un antireligioso, el personaje detrás de estas producciones se ha catalogado como un cristiano “a veces incomprendido”, pero que al final también es artista.
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©Andres Serrano
Este hombre detrás del lente que ha sido acusado de hereje y catalogado como vulgar y pervertido, ha logrado hacer exposiciones en diversos lugares del mundo, que han abierto la posibilidad a varios espectadores de encontrarse con sus fotografías de frente, en una cruda realidad plasmada sin modificaciones ni manipulación digital alguna.
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©Andres Serrano

Como dato final, dos de sus producciones han sido usadas en las portadas de discos de la banda Metallica. Una de ellas fue “Blood and Semen III” que está en el disco llamado Load y la segunda es la obra “Piss and Blood” se usó en ReLoad.

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©Andres Serrano
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Celebramos 177 años de la fotografía con imágenes icónicas

El 19 de agosto de 1839 en la academia de ciencias en París se presentaba y se hacía de dominio público la fotografía con el nombre de daguerrotipo, en homenaje a su inventor Louis Daguerre. (  Ver un día como hoy para la fotografía), Esta fecha de vital importancia para la historia fue base para que los integrantes de la  Sociedad Fotográfica Internacional de la India  instauraran  el 19 de agosto de 1991  como el  Día Internacional de la FotografíaWorld Photo Day

Hoy desde Fotógrafo No Fotógrafo queremos celebrar esta fecha con algunas fotografías icónicas que nos han dejado estos 176 años de dominio público de la fotografía.

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“La niña y el buitre” – Kevin Carter
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11 de Septiembre – Richard Drew
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“La niña del Napalm” – Nick Ut
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Omaira, tragedia de armero – Frank Fournier
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Caida muro de Berlín Foto: Gerard Malie
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El rebelde de la revuelta de Tian’anmen – Jeff Widener
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Madre Migrante” – Dorothea Lange
General Nguyen Ngọc Loan, ejecutó de un disparo a Nguyen Van Lem - Eddie Adams
General Nguyen Ngọc Loan, ejecutó de un disparo a Nguyen Van Lem – Eddie Adams
Jan Rose Kasmir entrega una rosa a soldado estadounidense en protesta contra la Guerra de Vietnam - Marc Riboud
Jan Rose Kasmir entrega una rosa a soldado estadounidense en protesta contra la Guerra de Vietnam – Marc Riboud
Daniel Berehulak - The New York Times
Ebola en Sierra Leona, África Occidental –  Daniel Berehulak
NIña afgana - Steve Mccurry
NIña afgana – Steve Mccurry
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Beatles en la calle Abbey Road – Iain Mcmillan
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El beso Times Square – Alfred Eisenstaedt
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Knock-out de Sonny Liston por Muhammad Ali – Neil Leifer
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Foto: © Warren Richardson – dos adultos pasan un recién nacido por una la alambrada que separa Serbia y Hungría

 


70 años de Bod Gruen, el fotógrafo de las estrellas del Rock

Si le preguntan por el fotógrafo del momento decisivo, usted respondería;  Cartier Bresson; ahora,  si le preguntaran por el fotógrafo del Rock and Roll, qué respondería?

Led Zappelin - Bod Gruen
Led Zappelin – Bod Gruen

La respuesta a esa pregunta, hoy en Fotógrafo No Fotógrafo.

Para ello nos tenemos que trasladar a Estados Unidos, cuna de reconocidos  fotógrafos, entre ellos Bod Gruen, hombre que desde los años 60 hasta el día de hoy, cuando cumple 70 años, ha estado fotografiando la escena musical y en especial el Rock and Roll.

Aeroesmith - Bod Gruen
Aeroesmith – Bod Gruen

Bod Gruen, nació en 1945 y con tan sólo 8 años de edad inició, de la mano de su mamá, los primeros pasos en la fotografía, en casa aprendió las tareas del cuarto oscuro; revelar, ampliar y todos los oficios que allí se tienen que hacer, en éste lugar pasaba grande parte del día y algunas horas de la noche, este sería el inicio de su largo camino en la fotografía.

Keith Richards, Tina Turner y David Bowie - Bod G
Keith Richards, Tina Turner y David Bowie – Bod Gruen

Sus primera fotos de conciertos las realizó en los años 60 en el Newport Folk Festival, un reconocido evento de jazz, allí fotografió a Bod Dylan, y según cuenta Gruen, una de las fotos que realizó ese día al  guitarrista Richie Havens, sería pagada 6 meses después por una suma de 35 dólares. Más adelante asistiría a un concierto que  le daría totalmente el paso a las grandes ligas. Esto lo logró con una fotografía de larga exposición a Tina Turner, donde capta la escencia del momento, ésta fotografía que pudo enseñar a la cantante representaría un tiquete para acompaña a Turner en sus conciertos.  Más adelante  sus fotografías serían  portada del diferentes  álbumes de la cantante, entre ellos “Nuff Said” de  Ike & Tina Turner en 1971 .

Tina Turner - Bod gruen
Tina Turner – Bod Gruen

Fotografiar la vida cotidiana de los artistas es uno de los intereses de Bod Gruen, fotografiar fuera del concierto, mostrar que los artistas son humanos, que sonríen, se enamoran, se emborrachan y que tienen una vida más allá del simple hecho de subir al escenario. Esto lo llevó a que  artistas lo empezaran a conocer y lo dejaran entrar en sus vidas y en sus conciertos, algunos de ellos son Rollings Stones, AC-DC, Led Zeppelin, Steven Tyler,  Elvis, Bob Dylan, John Lennon, Kiss, Los Ramones, entre muchos otros.

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John Lennon y Yoko Ono camina por las calles de New York – Bod Gruen

Bod Gruen, fotógrafo oficial de John Lennon  y Yoko

Gruen, fue elegido por Yoko y Lennon como fotógrafo oficial luego que éste dejara las fotografías que había hecho días antes bajo  la puerta, para que ellos eligieran la mejor, acción que causó gran empatía en la pareja. Desde ese momento iniciaría una amistad entre los artistas y el fotógrafo,  relación que llevó  a Gruen a realizar imágenes icónicas, una de ellas es el  retrato de Lennon en 1974  con una camiseta que tiene la  leyenda “New York city”, también la instantánea del nacimiento de Sean,  y una fotografía memorable en la estatua de la libertad, de la que Bod Gruen expresa lo siguiente: “Esta imagen para mí es muy especial porque es uno de mis fotos que realmente tiene mucho significado. Me siento como una gran cantidad de personas que se refieren a John Lennon en términos de la libertad personal. El tipo de representación de la meta de la libertad personal. Similar a lo que representa la Estatua de la Libertad, la idea de la libertad y la libertad

Hoja de contactos de John Lenon en Nueva York - Bod Gruen
Hoja de contactos de John Lenon en Nueva York – Bod Gruen

Del trabajo de cerca de 10 años junto el ex Beatle existe el libro y la exposición “John Lennon. The New York years” donde relata anécdotas y fotografías del tiempo que compartió junto a su amigo.

John Lennon en la estatua de la libertad
John Lennon en la estatua de la libertad

En 1989 visita Rusia para cubrir el “Moscow Music Peace Festival” al que asiste Ozzy Osbourne y Bon Jovi, en 1999 acompañó a The Clash en su gira, ha realizado diferentes portadas para discos,  entre ellos  “Dressed To Kill’ de Kiss y recientemente acompañó a Green Day en su gira.

“Dressed To Kill’ de Kiss

Algunos de los fotógrafos que inspiran el trabajo de Bod Gruen son Man Ray,  Cartier Bresson, Weegee y Arthur Fellig.

Chuck Berry . Bod Gruen
Chuck Berry . Bod Gruen

Bob Gruen vive en New York y desde allí sigue activo trabajando siempre muy cercano a la música.

Esperamos que este pequeño recuento en Fotógrafo No Fotógrafo les dé algunas ideas para la  respuesta.

Ramones - Bod Grean
Ramones – Bod Grean

Algunos libros de Bob Gruen: “John Lennon, the New York Years” – “Rock Seen” – “New York Dolls, – “Rockers”

Green Day - Bod Gruen
Green Day – Bod Gruen

Webhttp://bobgruen.com/

Con info de : Viral Fashion – Between The Covers

La fotografía surrealista de Paul Biddle

El fotógrafo recomendado el día de hoy  es Paul Biddle, artista visual que inicio estudiando pintura pero con el tiempo daría  un salto a la fotografía y en especial a la fotografía surrealista.

Paul Biddle

Biddle, lleva más de 22 años trabajando y creando un estilo que viene inspirado del arte renacentista, el  dadaismo y el surrealismo; sobre la forma de realizar su trabajado expresa lo siguiente: “Muchas de las fotos surgen en mi cabeza inicialmente de forma simple y concreta. Pero en su mayoría, la imagen acaba por desarrollarse a partir de la inspiración que me generan los mismos objetos. Estos suelen ser cosas que descubro en negocios de segunda mano, o algo que encuentro casualmente en la playa junto a mi casa, o recuerdos de mi pasado como partes de juguetes o la paleta que usaba en la época en que estaba en la escuela de arte. Normalmente combino y ensamblo estos objetos, experimentando hasta encontrar una composición perfecta, la armonía entre las formas y los colores” .

Paul Biddle

Cuidar minuciosamente los objetos ,  la composición y la luz a la hora de fotografiar es vital  para el fotógrafo ingles quien busca en cada imagen la perfección.  El trabajo de Biddle se caracteriza por  una alta saturación de colores,   la combinación de formas  y un estilo que se acerca a reconocidas obras de pintores destacados, entre ellos Piccaso y Dalí.

Paul BiddleHa ganado más de 15 premios internacionales y ha expuesto en diferentes galerías de mundo entre ellas la Asociación de Fotógrafos de Inglaterra,  en El Banco de Imágenes (Getty Images), en el museo  Leonardo da Vinci, entre otros.

Paul Biddle

Sus trabajos más destacados han sido “The archipelago of fantasy islands”, “The Cabinet of curiosities”, “The paranoia of fruit and vegetables”.

Paul Biddle

Desde Fotógrafo No Fotógrafo los invitamos a conocer más de la obra de este fotógrafo en paulbiddle.com.

“Una pintura es una fotografía hecha a mano.” Dalí

Alberto Schommer, un maestro del retrato que nos abandona

Hoy recordamos al fotógrafo Alberto Schommer, quien murió a sus 87 años en la ciudad de San Sebastián al norte de España, Schommer fue reconocido en el mundo por su trabajo de retratos psicológicos de grandes personajes de la política, literatura y artistas.

El amor por la fotografía inicio a los 17 años, con su padre como primer tutor, pero del que se fue alejando y no influiría en su obra. Fue uno de los fotógrafos independentistas que surgían en el movimiento AFAL a mediados del siglo XX, los cuales innovaron en el modo de ver la fotografía, fue un colectivo que realizaba la revista AFAL, en ella se destacaba su línea editorial dirigida a la fotografía documental y humanista en la que existía una preocupación por la imagen como instrumento de cultura y comunicación.

Alberto Schommer Monseñor Tarancón, cardenal - By Alberto Schommer
Monseñor Tarancón, cardenal – By Alberto Schommer

Una de las fotografías más conocidas realizadas por Schommer, fue el retrato al arista estadounidense Andy Warhol en el año 1982, igualmente se destacaron los retratos que realizó para el periódico El País en España.

Andy Warhol - By Alberto Schommer
Andy Warhol – By Alberto Schommer

No se intereso por la fotografía digital, su trabajo lo realizó con sus eternas compañeras; una Leica y una Rolleiflex, las que trajeron al Schommer el Premio Nacional de Fotografía en el año 2013. En una entrevista del año 2014 con la periodista Ángela García de El País opinaba lo siguiente sobre las  las cámaras digitales: “No me interesan nada. Cualquiera con buen ojo y pulso puede hacer una buena foto. O una utilizable. Pero yo trabajo con sensibilidad, garra y fuerza. Otra cosa es que todavía tenga buen ojo y pulso….

José Luis López Aranguren - By Alberto Schommer
José Luis López Aranguren – By Alberto Schommer

Su trabajo fotográfico tuvo como uno de sus objetivos,  hacer ver a la sociedad que la fotografía es igual de importante que la pintura o la escultura, esto lo dijo un año después de haber expuesto una de sus obras en uno de los museos más importantes del mundo, El Prado en Madrid, España.

Alberto Schommer: “La fotografía no es un hecho ligero ni banal que se pueda hacer fácilmente”

Hoy desde Fotógrafo No Fotógrafo los invitamos a conocer la obra de Alberto Schommer, quien fue un maestro del retrato y del que podemos aprender bastante al momento de realizar este tipo de fotografías.

Web Alberto Schommer

Ver la serie: No oculto Nada.

 Antonio Girón - By Alberto Schommer
Antonio Girón – By Alberto Schommer
Con información Fundación Alberto Schommer y El País

Foto destacada: Gorka Lejarcegi