“Hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados” Pedro Valtierra en #EntrevistaFNF

¡Seguimos conociendo la historia de fotógrafos y fotógrafas en el mundo! En esta ocasión llegamos hasta México para hablar con un maestro de la fotografía documental y de la reportería gráfica: Pedro Valtierra. Un hombre reconocido en Latinoamerica y el mundo por sus reportajes y por ser el fundador y director de la agencia y Revista Cuarto Oscuro.

Por más de 43 años este fotógrafo, nacido en Fresnillo, Zacatecas, ha visto a través de su lente los cambios sociales que han marcado la historia de los países centroamericanos, ha trabajado como director de fotografía en medios como La Jornada, y a través de su experiencia se ha convertido en un referente de la fotografía en México. También ha sido ganador del Premio Internacional de Periodismo Rey de España a la mejor fotografía del año. Con él tuvimos la oportunidad de hablar en esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

¿Qué es la fotografía para Pedro Valtierra?

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Pedro Valtierra, fotógrafo, director Revista Cuarto Oscuro – Foto: Gregorio Cortes

La fotografía para mí es un acto de comunicar, es una manera de informar. En mi caso particular como periodista informar de la vida, de los temas que aquejan, de los temas de la sociedad que le interesan a la sociedad, de todos los temas. El acto de fotografiar es guardar nuestros momentos para la posteridad: congelar parte de la vida. La fotografía tiene mucha significación porque forma parte de nuestra vida cotidiana como personas, como familia, pero también como sociedad, que es donde más estamos nosotros en el periodismo.

Manuel Madrigal, decía “El día que pierde el miedo a la luz ese día Pedrito va a ser fotógrafo” ¿ya perdió el miedo a la luz?

No, todavía no, ando en esas. Hay que darle el contexto a lo que Manuel Madrigal decía, y lo decía en el sentido de que uno tiene que estar aprendiendo constantemente y mientras tengas una cámara hay que aprender, en la foto a lo que más le tienes miedo a la luz, porque sin luz no hay foto.

Su trabajo durante más de 40 años se ha centrado en temas sociales, ¿cómo nace ese sentido por estas historias?

Surge de mi formación, de mi vida. Yo soy un fotógrafo que nació en Zacatecas, al norte del país, en el municipio de Fresnillo, en la sierra. Soy campesino y aprendí allí de la vida. Éramos muy acomodados, teníamos unas tierras en el norte del país y ese contacto con la naturaleza, con la gente, con los problemas, hace que uno tenga ese compromiso.

Siempre tuve interés por la política, por los temas sociales y trabajé desde muy niño. Desde los 12 años vendía periódicos en Fresnillo y pienso que eso hizo que yo tuviera interés en los temas sociales. Desde niño me dolía el tema de la marginación y de la pobreza porque en un tiempo determinado nosotros, cuando abandonamos el campo, quedamos en la miseria: nos quitaron el rancho y nos quedamos sin nada. Ocho hermanos somos, yo soy el tercero de la familia pero el primer hombre que tenía que trabajar. Pienso que de ahí puede venir el sentido.

Mujeres de X´oyep
Mujeres exigen a los soldados abandonar el campamento de X´oyep, donde se habían refugiado después de la matanza de Acteal /Ene-1998 ©Pedro Valtierra

¿Qué debe tener una foto para que Pedro Valtierra diga: “es una buena foto”?

En primer lugar que sea clara, precisa en el mensaje que está dando. Eso para mí es lo más importante, que técnicamente esté precisa y estar en el momento justo de lo que el fotógrafo quiere mostrar.

¿Qué busca Pedro Valtierra cuando hace una fotografía?

Yo siempre busco que la foto tenga los elementos que quiero transmitir, que cuente, que diga, que resulte una foto, no bonita, sino que nos cuente. Eso es lo que busco.

“Busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver”

Yo camino mucho, que esa es una de las necesidades de los fotógrafos: tienen que caminar, estar viendo por todos lado. Busco eso, busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver la foto, eso es lo que quiero. Pero no se logra fácil. Yo pienso que es muy complicado, sufre uno mucho como fotógrafo, además yo suelo ser duro conmigo, no siempre me gusta lo que hago.

Mineros desnudos
Huelga de minero – año 1985 ©Pedro Valtierra

¿Hay alguna foto que haya sufrido para hacerla y luego que la hizo, dijo: “esta es la foto”?

Sí, hay varias fotos. Por ejemplo hay unas fotos de unos mineros en Pachuca, en 1985, es una fotografía de una huelga, bueno, son varias fotos. Nosotros llegamos tarde con la reportera al evento: el evento empezaba a las 7:00 a.m y a la huelga llegamos a las 7:15 porque no conocíamos muy bien la ciudad. Llegamos tarde y entonces con la presión de que eran 3.000 mineros desnudos antes de entrar a la mina estaba muy preocupado de conseguir la foto que sintetizara el tema, y en aquellos años pues no la veías en la pantalla, tenías que regresar a revelar y todo ese tiempo se sufre mucho porque no sabes cómo va a salir la foto. Ya cuando ves el revelado y la foto que está bien, hay una enorme satisfacción.

La cotidianidad es un tema recurrente en la revista Cuarto Oscuro y en su fotografía, ¿por qué el interés?

A mí me encanta la calle, soy un hombre de la calle. Mi amigo Héctor García, maestro, decía que él era un “pata de perro”, era mi maestro para andar de un lado para el otro.

Me gusta ver a la gente en la calle, la expresión. No es fácil ahora hacer fotos en la calle, es complicado por la onda de la inseguridad y toda la violencia, pero me apasiona. Para mí, la vida está en la calle.

“Es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo”

¿De qué alimenta su cultura visual?

Una de las cosas que hago siempre es leer los periódicos, todavía soy de la vieja escuela que compra un periódico y lo lee todo hasta que se acaba, eso es muy importante. Otra de las maneras de alimentarte es leyendo, leyendo poesía, novela, temas de actualidad, la plática y la conversación con los amigos. Siempre estoy pensando en foto y casi todo cuando hablas con la gente lo traduces a qué foto puedes hacer. Yo me alimento de esa manera, pero también es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo.

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Portada Cuarto Oscuro – Dic 2018

Cuarto Oscuro: agencia y revista

¿Cómo nace Cuarto Oscuro? ¿De dónde surge la idea de crear la agencia y posteriormente la revista?

Primero tuve otro proyecto que fracasó, una agencia que se llamó Imagen Latina en 1984, la fundé el día que salí de 1+1, como una cosa simbólica. Esa agencia funcionó poco tiempo.

La idea de hacer una agencia nace en mis viajes a Centroamerica:  Nicaragua, El Salvador, Guatemala ,Honduras, Costa Rica, Panamá. Allí me tocó conocer a muchos periodistas, hoy famosos, como Susan Meiselas, James Nachtwey, Christopher Morris; muchos personajes que me tocó conocer jóvenes en esa época, eso ya hace 40 años. Empecé a conocer cómo trabajan ellos, casi todos eran de agencias independientes como Magnum, Sipa y otras agencias, y de ahí me surgió la idea de hacer una agencia. Aquí en México estaba la agencia de los hermanos Mayo y Héctor García tenía su propia agencia, él estaba sólo con su mujer, María.

Entonces a mí me surgió desde ahí la idea de hacerlo, un poco antes de que se fundara el diario La Jornada, así nace la idea de hacer una agencia con la finalidad de ser fotógrafo independiente. Osea, tú sabes que uno como fotógrafo siempre aspira a hacer sus reportajes, a tener toda la libertad de trabajar en temas que te interesen y así fue como surgió la idea de hacer Cuarto Oscuro. Primero fue la agencia, que no había en ese entonces mercado, era muy complicado. En ese momento los periódicos de México no tenían la cultura de comprarle fotos a una agencia. Empezamos con esta idea en 1984 con Imagen Latina y luego en 1986 con Cuarto Oscuro y afortunadamente se dieron condiciones políticas importantes: estaba la protesta aquella del ingeniero Cárdenas, el movimiento democrático, iniciaba un país distinto y eso dio pie a que nosotros tuviéramos fotografías importantes para los periódicos de los estados. Así fue como empezó, la idea original es haber convivido con los fotógrafos en Centroamérica, pero también tener relación con los Mayo y con el maestro Manuel Madrigal.

Han pasado 25 años del nacimiento de Cuarto Oscuro, ¿ha cambiado su objetivo o se ha transformado con el tiempo?

La agencia tiene 32 años y la Revista 25 años, ¿cómo ha cambiado?, primero, la revista nació con 24 páginas hoy tenemos 88 páginas; cuesta mucho trabajo hacerla, pero ya tenemos tantos años que, aunque estamos preocupados, no la podemos cerrar o no podemos hacer otra cosa. Tenemos que mantenernos ahí siempre y está saliendo bimestral, a cada dos meses.

Ciudad de México, septiembre de 1985.- Terremoto en la Ciudad de México.
Terremoto  México – Año 1985 / ©Pedro Valtierra

“Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares. “

La fotografía y los medios de comunicación

Los fotógrafos anteriormente tenían una posición política, algunos eran militantes de partidos o movimientos políticos, hoy se dice que el fotógrafo que entra a un medio tiene que ser objetivo o neutral, ¿qué piensa de eso en la reportería gráfica?

Yo creo que eso de ser objetivo es complicado, tienes que intentar ser objetivo y ser imparcial. Creo que no tienes que ser militante de ninguna organización, no puedes ser periodista militante, o bien lo haces en un periódico del partido o de la organización. Pero yo soy de los que creen que los periodistas tienen que estar absolutamente libres de estar en una organización política o social porque sino, de esa manera, tu trabajo se contamina. Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares.

La objetividad es un tema complicado, un tema difícil, pero yo sí creo, en principio, que tienes que ser lo más imparcial que puedas, sobre todo en el caso de los periodistas y nuestro trabajo tiene que estar libre de esa contaminación.

¿Qué lectura tiene de la fotografía de prensa al día de hoy? ¿ha mejorado, ha empeorado o sigue igual?

Yo pienso que ha mejorado para los medios mexicanos. Hay una un avance significativo en cuanto a la producción, se ha abierto un poco más el espacio, los mismos tiempos se lo piden; pero los medios mexicanos ponen poco interés en la calidad, están mucho sobre la nota del día, pero no trabajan con los fotógrafos en cuanto a la orientación, a la forma de retratar. Yo pienso que hay un avance importante en la calidad de los fotógrafos y un ligero retroceso en cuanto a la utilización de esas buenas fotografías de los fotógrafos mexicanos.

“El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto”

Durante varios años de su vida ha estado cercano a los diarios de prensa como editor y ahora en la revista, cuéntenos ¿qué hace a un buen editor? y ¿cuál es su tarea más allá de ver las fotografías?

El trabajo del editor es un trabajo de mucho sufrimiento. El trabajo es ver las mejores fotos, editar, tratar de contar con las fotos la historia, pero al mismo tiempo el trabajo del editor va más allá de hacer esta primera selección. Consiste en darle seguimiento a la publicación de las imágenes, al espacio donde van a ir en la página y todo eso.

Nosotros en La Jornada pusimos un nuevo criterio, una nueva forma de trabajar en la que el editor no solamente proponía las fotos sino que también le daba, en la medida de lo posible, el espacio y el lugar a la fotografía. Ahí tuvimos enormes problemas con los diseñadores porque tenemos puntos de vista diferentes. Yo creo que el editor debe estar sujeto a la calidad de la foto y hacerla lucir, y siento que muchos editores y muchos diseñadores en el caso de México no lucen las fotos, siempre las dañan porque el diseñador piensa de otra manera.

El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto.

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Idalia. Primer aniversario del triunfo de la Revolución Sandinista. Estelí, Nicaragua, Año 1980 / ©Pedro Valtierra

“La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón…”

Hace 40 años el único medio para mostrar el trabajo eran los periódicos o las revistas, hoy con las redes sociales y el internet eso ha cambiado ¿esto ha significado un avance o un retroceso para la fotografía?

Hay de las dos, un avance en el sentido de que la foto hoy está en más lugares, la ven más personas. Hoy es mucho más fácil mandar la fotografía, es mucho más fácil hacer la fotografía técnicamente, pero eso no significa que sean mejores imágenes. Sí hay que tener claro que la tecnología es una herramienta que nos ayuda a mejorar ciertas cosas, pero no es garantía de hacer buenas fotos.

La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón, la sigues haciendo con lo que traes en la cabeza, con tus ideas, con tus conceptos y la herramienta es un aparato solamente. Yo le puedo dar a un reportero un Montblanc y eso no significa que va hacer buenos reportajes. No debemos perder de rumbo que la tecnología es algo que no podemos despreciar, que tiene muchos avances importantes, pero aquí lo más importante para los que estamos más involucrados con la fotografía es procurar usar las herramientas para hacer buenas fotografías.

Hay ventajas que nos trae la tecnología, también muchas desventajas, una de las enormes desventajas y que a mí me duele, no porque quiera al pasado y añore el pasado, sino porque la historia se está perdiendo, la historia se va a perder. Nosotros en Cuarto Oscuro tenemos muchos negativos, los archivos del pasado fotográfico, y ahora con la foto digital los archivos de pronto desaparecen, no es fácil guardar las fotos o si se van a guardar con el tiempo no hay seguridad de que vayan a perdurar.

Para concluir, lo más importante de la foto, de la creación en general, es que lo hagas con el corazón, como lo dijo Bresson y como lo han dicho otras personas: hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados.

El balazo

Para finalizar…

La educación ha sido un espacio en el que Pedro Valtierra ha estado durante años. Hoy, por su trabajo y por su vida en la fotografía, se ha ganado el título de Maestro. ¿cuáles son los consejos o mensajes que quiere transmitir a través de la enseñanza de la fotografía?

En primer lugar que se autocritiquen. En segundo lugar que piensen ¿cuántos zapatos se acabó Cartier Bresson antes de ver las fotos? Tomar pocas fotos, caminar, no limitarse en cuanto a la creación, tener seguridad, ir al cine, sentirse los directores de cine en cada película que vean, ver la composición y ver las reglas. Pensar que nosotros somos los que estamos armando en la calle esos escenarios.

También invitarlos a la lectura, no solamente de los periódicos, hay necesidad de que lean otro tipo de cosas. Que trabajen con un lente 50mm., nosotros teníamos eso como una norma en Cuarto Oscuro: les pedimos que trabajen con un lente 50mm, eso los obliga a moverse mucho, porque si le das un gran angular facilitas el aprendizaje. Con un lente 50mm te va obligar a alejarte, a volverte más creativo.

Para finalizar, para las personas que no están en México, ¿cuáles son los tres fotógrafos o fotógrafas del país que nos recomiende ver?

Una de ellas es Graciela Iturbide, una de las fotógrafas más importantes mexicanas; Nacho López, un fotógrafo que para mí es fundamental en la historia del país; y el maestro Enrique Metinides, un fotógrafo que trabajó 50 años en la policía y hoy es muy famoso en Europa.

República Árabe Saharahuí Democrática

¿Cuál es su consejo para los Fotógrafos No Fotógrafos?

Que salgan a la calle, que observen, que hagan pocas fotos. Sí es necesario, tomar algunas clases de fotografía, pero básicamente trabajar mucho. En cualquier oficio si se quiere ser bueno hay que dedicar mucho tiempo, mucha dedicación para poder destacar, se requiere de un trabajo y de una autocrítica permanente.

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Entrevista por Gabriel Galindo/fundador FNF

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Carta de Sergio Larraín para quienes inician en la fotografía

En 1982 Sergio Larraín, fotógrafo chileno, escribió esta carta a su sobrino, en ella le daba algunos consejos para iniciar en la fotografía. Con el pasar de los años el escrito se ha convertido en un manifiesto, un documento que goza de la poesía, la sencillez y la pasión que solo un maestro como Larraín podría escribir.💥 #VideoFNF 

Viviana Peretti en entrevista con Fotógrafo No fotógrafo

Nuestra tarea por seguir conociendo historias de fotógrafos y fotógrafas no se detiene, en esta ocasión entramos a la casa de Viviana Peretti, fotógrafa y antropóloga italiana que durante más de 10 años ha vivido y recorrido Colombia para desarrollar sus trabajos.

“Ser fotógrafo es desnudarse uno y a menudo no es un trabajo que tiene que ver con el cerebro, sino que tiene que ver con otro tipo de emociones que están ubicadas en otro lugar del cuerpo”

En la primera parte de este diálogo conoceremos cómo llega Viviana a la fotografía, una historia que inicia con un poco de suerte y mucha pasión por aprender e ir mejorando la técnica y el concepto en su fotografía.

Colombia Diversa
©Dancing like a woman -Viviana Peretti
Desde sus primeros años como fotógrafa hasta hoy, Viviana Peretti,  ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos el 1er puesto en la categoría Arte y Cultura del “Sony World Photography Awards“, el “American Photography 30″; y ha sido seleccionada en el “Taylor Wessing Photographic Portrait Prize”. Al tiempo que su nombre resuena en estos importantes espacios internacionales, Viviana se ha desempeñado como docente en varias universidades en Colombia. Asimismo, sus trabajos han sido expuestos en Nueva York, Roma, México y Colombia entre otros lugares.
 
“Me estoy contando, llevo años en tratar de descubrirme… Hay mucho intento de descubrir los demonios que tenemos” Viviana Peretti
Hands
Hands – Viviana Peretti

En esta nueva entrega de #EntrevistasFNF, tendremos una  encantadora charla en la que nos conoceremos el sentido de los trabajos de Peretti y la opinión que tiene sobre diversos temas como el papel de las fotógrafas en la actualidad y la critica que mantiene sobre la fotografía en los medios impresos en Colombia. Y al final nos dejará un excelente mensaje para seguir cultivando nuestra pasión por la fotografía.

No escribimos más y te invitamos a dar play y dejar tus comentarios sobre esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

Web:  vivianaperetti.com

Instagram: Viviana Peretti 

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“El testigo” documental sobre el reportero gráfico Jesús Abad Colorado

Llega al cine la historia de Jesús Abad Colorado, fotógrafo antioqueño que se ha convertido en testigo del conflicto armado colombiano a través de sus fotografías e historias.

Las imágenes en blanco y negro del reportero gráfico, que ha recorrido el país por más de 25 años retratando la Colombia rural, campesina, negra e indígena y que ha dado protagonismo a las víctimas, estará en las salas desde el próximo 25 de octubre, gracias al trabajo de la directora británica Kate Horne.

El testigo (Cain y Abel) es el nombre del documental que narra en voz del mismo Abad, de personas que han sido capturadas por su lente y de su archivo fotográfico, su vida, obra y compromiso con la memoria, las víctimas y el país.

Para Horne,  el mensaje Abad es más que una mirada de país. “El suyo es un mensaje universal de la necesidad de perdonar como individuo y como sociedad”.

Sinopsis: Los asesinatos de su familia en la zona rural de Colombia podrían haber inspirado a un joven Jesús Abad Colorado a tomar las armas; en su lugar, compró una cámara fotográfica. Jesús dedicó los siguientes 25 años de su vida a documentar la guerra en Colombia y se convirtió en un fotoperiodista aclamado.  Un año después de la firma de la paz en Colombia, Jesús va en busca de los protagonistas de sus fotografías más icónicas para explorar lo que significa perdonar los horrores del pasado. Durante este viaje, una reunión inesperada lo obligará a revivir sus pesadillas, pero también le dará un motivo para creer en una paz duradera.

El documental de 76 minutos es producido entre el Reino Unido, Perú y Colombia (Caracol Televisión) será proyectado en Cine Colombia los días 25, 26, 27 y 28 de octubre en Bogotá, Medellín, Cali, Bucaramanga, Barranquilla y Villavicencio.  Manizales, Ibague, Montería, Pereira, Armenía y Cartagena.

El Placer y el Dolor, obra y exposición de Eduardo Segura

Eduardo Segura, fotógrafo argentino, ha trabajado durante más de dos décadas en Paraná, provincia de Entre Ríos, donde dirige el Festival Internacional de Fotografía de esta ciudad. Su trabajo es una constante búsqueda a través de la fotografía por expresar sus sueños, pasiones y miedos. Días antes de que inauguré su exposición El Placer y el Dolor, tuvimos la oportunidad de hacerle esta entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo:

Fotógrafo No Fotógrafo: Cómo nace tu interés por la fotografía?

Eduardo Segura (E.S): Desde los años 80 cuando comencé a visualizar, entre otras artes, mi gusto y necesidad de observar al mundo, me formé como músico, como realizador de cine, como amante de la literatura y todas las artes. Estudié formalmente la carrera de fotografía en Córdoba con pocos recursos aunque con mucho interés. La fotografía para mí es un arte como otros; y como ya traía en mis células el arte, fue un recurso más en mi proceso de integrar todas las artes.

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© Cianotipias – Eduardo Segura

F.N.F: ¿Qué significa la fotografía para Eduardo Segura?

E.S: La fotografía es poner todos los días el ojo en algo nuevo. Es una práctica diaria como método de registro personal. Dirijo mi propia escuela y sigo constantemente produciendo obras para exponer, para revisarme, para mirarme profundamente de dónde vengo, dónde estoy y hacia dónde voy.

F.N.F ¿Cómo haces para elegir el tema que vas a desarrollar en cada serie?

E.S: Son procesos largos, como de cinco años cada uno. Comienzo con un shooting de prueba, algo así como un ensayo, y de allí trabajo arduamente unos años solo mirando ello. Los voy probando, voy poniendo y sacando cosas hasta que el tema se concluye, se diluye en otro más importante y allí me doy cuenta que ya está cerrado.

Comienzo como si fuera un disco a terminar, como un proyecto que debe ser concluido y en el mismo momento de no poder dar más me retiro y lo dejo solo.

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Las hojas que se lleva el viento – Fitogramas – ©Eduardo Segura

F.N.F: La estética de tus series se diferencia una a otra, ¿cómo llegas a esa decisión (b&n, color, intervenciones)?

E.S: Por la misma relación con el tema. Hay cosas que en un momento me interesaban, muchos otros dejaron de ser míos y los dejo cerrados como temas, sin necesidad de volver a ellos. Durante un tiempo estoy disponible para el tema hasta que me salgo de allí. En algunos temas puedo intervenir más y en otros no. En algunas de mis obras hay mucha intervención y en otras dejo que el ojo decida el momento. Por necesidad o por carencia siempre miro a la fotografía como un hacer, como algo que uno siempre está construyendo con más o menos herramientas, según sea el caso.

F.N.F: ¿Cómo describes el trabajo que desarrollas?

E.S: Divulgar, comprender, intentar y lograr objetivos personales y de quienes deciden comenzar el estudio de sus intenciones. Trabajo para mí y para otros que están cerca mío. Digamos que puedo con la misma intención hacer mi propio camino y también darles la oportunidad a otros que crucen el charco, que se animen a exponer y a divulgar. Esto lo hago como gestor.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F: ¿Cómo surge la idea de desarrollar la serie El Placer y el Dolor?

E.S: Un proceso que se inició luego de mi trabajo anterior que se llamó Mom. Comencé a mirar el tatuaje como una elección de algo permanente en el cuerpo que luego desaparece con la muerte. Fue un tema muy fuerte porque yo no estoy tatuado ni tengo intenciones de hacerlo, fue un homenaje a quienes toman esa decisión.

F.N.F ¿Por qué el nombre El Placer y el Dolor?

E.S: Principalmente es eso, decidir el paso entre el placer de tatuarse y el dolor que requiere hacerlo. Muchas cosas que uno decide hacer en la vida primero son placenteras y luego dolorosas: un paso entre el juego y el músculo dolido; el paso entre el amor, el miedo y la muerte. De allí el significado del placer al dolor. Quizás el dolor es más permanente, quizás el placer es mas momentáneo. Un equilibrio entre las dos polaridades del tema.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F: ¿Buscabas algún elemento particular en los tatuajes o en las personas que fotografiabas?

E.S: Solo buscaba personas tatuadas, no tanto el tatuaje como método sino como excusa. Trabajé haciendo muchas sesiones que quedaron fuera de esta serie. Fueron muchas fotografías y me quede con unas 50 o 60 que fui observando para elegir qué hacer con ellas y en qué formatos trabajarlas. Unas fueron a cianotipias, otras a lonas, otras a papel y otras a hojas de plantas expuestas a la luz del sol.

F.N.F: ¿Durante cuánto tiempo has estado desarrollando esta serie?

E.S: Aproximadamente 5 años desde una base inicial hasta hoy. Ha sido un tiempo en donde sucedieron muchas cosas, muchos temas, viajes, exposiciones, clases, etc. Desde el año pasado ya sentía que debía soltarla y decidí hacerlo con formatos muy grandes y otros muy pequeños, así como ecléctica. Aun así la expo es móvil y está en varios formatos diferentes para ser expuesta en otros sitios, también fuera de Argentina.

La obra siempre la pienso como un compilado para llevar en maleta. Trabajo con formatos flexibles, con formatos mini y otros que me ayudan a continuar mi investigación, sobre todos los procesos antiguos y todo aquello que traiga la tecnología.

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Sobre El Placer Y El Dolor – ©Eduardo Segura

F.N.F  ¿Dónde y durante cuánto tiempo va a estar la obra?

E.S: La expo estará en Paraná hasta el 5 de noviembre en la Casa de la Cultura de Entre Ríos y esperando que salga a las rutas del mundo muy pronto.

Si te interesa conocer más del trabajo de Eduardo Segura te dejamos su página web: eduardosegura.com.ar

Y si tú también quieres presentar tu trabajo en nuestro blog escríbenos a través de nuestras redes:  FotografoNoFotografo en Facebook, @NoFotografo en Twitter y en Instagram como @FotografoNoFotografo.

7 recomendados que nos dejó el evento #Jornadas12 en Uruguay

Fotógrafo No Fotógrafo estuvo en #Jornadas12, en Montevideo, Uruguay, que este año tuvo como título “Fotografía Latinoamericana. Confluencias y derivaciones 1978-2018”. Luego de asistir a tres días de charlas que pueden ver en el canal de YouTube del Centro de fotografía – CdF, te compartimos siete recomendaciones que surgieron durante el evento y creemos te van a cautivar.

Tres charlas imperdibles de #Jornadas12

Los asistentes a las jornadas tuvimos la oportunidad de participar en tres conferencias, ocho presentaciones, siete ponencias, dos entrevistas y una mesa larga. Todos los espacios fueron de gran nivel y los contenidos abordaron un amplio abanico temático: desde las propuestas más teóricas hasta los proyectos más intuitivos. De esta gran variedad les recomendamos tres imperdibles:

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Foto: Andrés Cribari / CdF

  • “Liberar la visualización de las ataduras del lenguaje y reactualizar la memoria de la experiencia como un todo indisoluble: eso es la descolonización de la mirada”. Esta fue una de las afirmaciones en la conferencia “Imágenes indígenas y dominación colonial en Los Andes” de la socióloga Silvia Rivera Cusicanqui. Una reflexión acerca de la necesidad de resignificar las prácticas fotográficas y la mirada para contrarrestar la colonización, también en el arte.

Dos libros para leer pronto:

Entre tantos autores, citas y referencias que fueron mencionados en estas Jornadas, te recomendamos dos que seguro te resultarán interesantes para conocer más sobre la fotografía en América Latina.

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  • El investigador y curador cultura José Antonio Navarrete presentó el libro “Escribiendo sobre fotografía en América Latina : Antología de textos 1925-1970”. Una antología de textos sobre fotografía que fueron escritos en todos los países de América Latina en un periodo de 45 años. Cada texto está acompañado por una nota introductoria que reseña los aspectos del contexto en que se produjo y divulgó.

Dos proyectos fotográficos que inspiran:

Decenas de proyectos fotográficos fueron expuestos durante las Jornadas, te recomendamos ver estas dos historias de Perú y Argentina y que nos invitan a construir, re-construir y deconstruir. 

  • 97 empleadas domésticas” Daniela Ortiz (Perú). Esta fotógrafa descargó de Facebook 97 imágenes públicas que fueron compartidas por personas de la clase alta peruana. ¿Qué tienen en común? Las personas que “aparecen” sin “aparecer”, las 97 mujeres que están en el segundo plano o sólo por partes en la imagen. El proyecto controversial debido al uso de las imágenes obtenidas de esa red social.
  • La ruta de Cortés” RES (Argentina). “El presente como historia”, así se define este proyecto en el que el fotógrafo recorrió la misma ruta que recorrió hace cinco siglos Hernán Cortés. “La cámara de RES retoma ese intinerario para narrar la impiedad de aquella conquista desde la ferocidad del presente.”, dice Dardo Castro en el intro de esta selección de imágenes.

¿Te gustaron nuestros recomendados de #Jornadas12? Cuéntanos tus impresiones y no olvides compartir esta publicación con más amantes de la fotografía.

lo-foto-gráfico, una exposición que reúne a 30 artistas latinoamericanos en Bogotá

lo-foto-gráfico, exposición colectiva que reúne en  La Galería El Museo, 30 artistas latinoamericanos que experimentan diversos procesos digitales para desarrollar su obra. Ademas de esto, una sala de exhibición del trabajo del fotógrafo Jesús Abad Colorado,  todo bajo la curaduría de Juanita Carrasco.

Para la curadora este espacio es una reflexión sobre el papel del fotógrafo en la actualidad, una exposición que explora en los cambios profundos que se han producido en el ámbito de la fotografía tanto en su lenguaje como en su conceptualización, técnicas y procesos de producción.

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Flora, de la serie Renacimiento/ ©Adriana Duque

Fotografías intervenidas, propuestas que exploran nuevos significados, nuevos mundos, que escapan del precepto de fotografía clásica donde lo único que importa es la composición, la luz y el momento, una exposición que te pondrá a pensar y posiblemente te sacará de tu lugar de comodidad.

Carrasco señala que el  título de la exposición “no tiene mayor intención que  una simple fragmentación de la palabra que juega dentro de la idea de la foto misma y su componente gráfico”. 

Muestra lo-foto-gráfico/ El Museo
Muestra lo-foto-gráfico/ El Museo

Entre los artistas y fotógrafos se encuentran:  Jesús Abad Colorado, Ana Adarve, William Aparicio, Mario Arroyave, Felipe Bedoya, Jonathan Chaparro, Juan Cristóbal Cobo, Alirio Cruz, Luciano Denver, Adriana Duque, Clemencia Echeverri, María Elvira Escallón, Santiago.

La exposición estará abierta al público hasta el próximo 30 de agosto en la Calle 81 # 11- 41 en Bogotá.

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