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“Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz” entrevista con Malcolm Linton

En el año 2016 Colombia firmaba el Acuerdo Final entre la guerrilla de las FARC y el Gobierno nacional, un hecho histórico para el país y el mundo. Miles de hombres y mujeres pasaban de la lucha armada a lucha con la palabra y los argumentos. En ese escenario, Malcolm Linton, fotógrafo británico-estadounidense, decide adentrarse a los campamentos donde los integrantes de la guerrilla esperaban el final de los diálogos y el cumplimiento de este Acuerdo.

Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, es el título que Malcom dio a su libro. Un nombre que nace del relato de Franz Kafka y de la búsqueda de una palabra que se escribiera y tuviera un significado similar en inglés y en español. Esta publicación busca presentar a los excombatientes como lo que son: personas con sentimientos y emociones, que aman, que lloran, que tienen un anhelo de paz. Sus imágenes cuentan la cotidianidad en los campamentos y ese tránsito hacia la vida civil.

Sin fotos posadas y con gran respeto por la persona fotografiada, Malcom logró ganarse la confianza de estos hombres y mujeres. Se trata de un trabajo sincero que revela la cercanía con los sujetos y que solo se consigue con el tiempo y el diálogo constante.

Formación - © Malcolm Linton
Formación – © Malcolm Linton

Es un trabajo que pretende modificar las preconcepciones de los opositores de la paz” señala el autor en la introducción que acompaña el libro y que busca mostrar que los “únicos monstruos son criaturas de la retórica y no de la realidad“.

La esperanza de la paz y el optimismo porque el Acuerdo de Paz se cumpliera, lograron contagiar al autor del libro. Sin embargo, hoy estos sentimientos se desmoronan debido a las situaciones que han venido viviendo los excombatientes: en menos de tres años, 130 de estos hombres y mujeres que entregaron las armas y buscaban la reconciliación, han sido asesinados.

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Portada Metamorfosis: Guerrilleros en busca de paz

En esta entrevista de Fotógrafo No Fotógrafo recorremos fragmentos de la vida de Malcom Linton como fotógrafo, sus búsquedas, su apuesta por los temas sociales en sus historias y cómo realizó el libro Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, publicación editada e impresa por Villegas y Editores.

Le damos la bienvenida a una nueva historia en FNF

Incentivar la expresión creadora en la fotografía: Annemarie Heinrich

Annemarie Heinrich, fue una consagrada artista Argentina, nacida en  Alemania, pero radicada desde la adolescencia en este país latinoamericano, destacada por su singular manera de fotografiar, entre sus trabajos se destacan los retratos y desnudos, e igualmente su mirada critica frente al arte y a la fotografía que expresaba a través de sus escritos. Fundadora del Foto Club Argentino.

El siguiente texto fue escrito en 1951 para el Boletín de Foto Cine Clube Bandeirante de San Pablo y tomado de la antología 1925-1970 “Escribiendo sobre fotografía en America Latina” de José Antonio Navarrete. 

El arte fotográfico vive hoy un momento que es denominado, por algunos, de espera y, por otros, de transición, no pudiendo ocultar que sea, en realidad, de crisis. Al intenso y extenso progreso de la expresión creadora alcanzada por la fotografía, entre la primera y la Segunda Guerra Mundial, en virtud, principalmente, de los numerosos aportes de los que se podría llamar el genio o espíritu europeo, se incorporó seguidamente consecuente y complementariamente un rápido y notable desarrollo de aportes técnicos obtenidos también, y sin duda, por la activa requisición de las industrias y las ciencias que veían en el nuevo proceso un complemento de valor inapreciable. Esta superación en la eficiencia del “service” fotográfico se extendió, en mayor escala, en los Estados Unidos y no fue ajeno a esta la “época de oro” de su cine.

De forma contraria, en todas partes se percibe hoy un notorio estancamiento o retroceso en el nivel de expresión, en las investigaciones y en la creación, por mucho que se le disimule bajo una técnica brillante, y una desorientación general sobre las posibles salidas, más allá de lo que las investigaciones técnicas permanezcan paralizadas en todo aquello que ya se conocía. De nuestra parte, podríamos decir que se perciben en el mundo dos líneas de producción en las cuales los adeptos a la fotografía han trabajado pacientemente y laboriosamente, sin sobresalir mucho. Una de ellas es el sector llamado americano, volcado predominantemente al exterior, a la nota pintoresca o curiosa, a lo espectacular a lo decorativo, a la sensación y a lo vistoso; la otra es la del  campo europeo especialmente, esperándose en las gamas, la riqueza de la materia, en el enfoque más preciso y definido y en el encuadre más perfecto, geométrico, de lo que fuera fotografiado. El espíritu creador, salvo muy raramente, ¡se encuentra ausente en ambas tendencias!

Photo-Notes, órgano oficial de Photo League americana, en su edición de 1950 denunciando los diferentes aspectos del fenómeno en su país, entre los cuales se encuentra la “falta de fantasía”, “pereza de imaginar”, “exceso de comercialismo”, expresa que no hay un significado, que hay una ausencia “en la búsqueda de un contenido consciente, manifestado por el fotógrafo a través de una visión del propio mundo interior”. La revista Fotografía (Milán septiembre- octubre de 1950) intenta ampliar la investigación cuando al señalar “la decadencia de una forma que quiere definirse convencionalmente como en impersona” atribuye el hecho al “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte”. Un excelente álbum suizo (Photo 49), a su vez, destaca en sus palabras de presentación lo que las fotografías incluidas después confirman la “nueva fotografía” se valora por “su objetividad, el sentido de las cosas materiales más que los valores de las humanos, el gusto por la técnica y precisión de los dentalles, la riqueza de la sustancia, la luz modelando los objetos”, etcétera. (Quiere esto decir que además de volver un mérito una desviación  fundamental como la que significa la subestimación o el desinterés de los valores humanos, la “nueva fotografía” se transporta con su producción hacia un pasado lejano en la historia, cuando el proceso fotográfico se esforzaba por mejorar su etapa inicial de copiado y reproducción. Y esto, precisamente en un momento en que, más que nunca antes, podemos contar con un riquísimo patrimonio artístico heredado de nuestros precursores y cuando más y mejores son la cantidad y la cualidad de los recursos, conocimientos, complementos, escuelas y posibilidades logradas por nuestra especialidad y su prodigiosa técnica.

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* Desnudo – © Annemarie Heinrich

Se debería indagar, de forma natural, a qué debe esto; si realmente existe ese “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte” expresado por la fotografía de Milán y cuáles fueron o son esos actores que según Photo Notes, llevaron y llevan a los eruditos de la fotografía en Estados Unidos a huir de sí mismo, a dejar de lado la búsqueda de los significados, etcétera. Conocer las causas de un mal constituyente, sin duda, una mejor posición, crítica o terapéutica, que hablar y registrar sus síntomas.

Sin embargo, es posible encontrar mucha similitud entre ese momento de la fotografía y aquel que sufrió, en su época, el viejo impresionismo pictórico. Y por semejantes, sobre todo por la experiencia que nos transmite y porque nos permite la obtención de elementos constructivos, me parece oportuno dar unos de los ejemplos: los primeros rebeldes del impresionismo, que se quejaban por este “era una parte pasivos, en el  cual el artista reflejaba únicamente las vibraciones de su impresión”, deseaba librarse de él por medio de un “arte activo, transmisor en vez de receptor, que creara dinámica y a priori”( haunsenstein, “Un siglo de evolución artistica,”). El impresionismo, regido hasta ese momento por el objeto, debía ser reemplazado por un trabajo de fondo y forma en el cual reinará completamente el tema. El que estaba conectado predominantemente con el paisaje y la naturaleza muerta no destacaba ningún detalle, huía de las grandes acciones, prefería los juegos de luz a los valores humanos, todas las partes, inclusive las figuras y los fondos, aparecieron en el conjunto nivelados por la “impresión” global, por un estilo que era anterior y obligaba a una sistémica factura de escuela; mientras que el nuevo arte que se proponían los rebeldes y que con el pasar del tiempo nos daría el expresionismo, inclusive con sus excesos, iba a subrayar los detalles y caracteres, exasperando las formas, el sentido y el color para proyectarlos en un significado cien por ciento sobresaliente en el conjunto, hasta alcanzar una aguda e hiperestesiada expresión.  El espíritu creador en suma debía tomar su lugar en la obra enfrente del copismo, de la reproducción y la repetición formal y sensual al infinito.

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*Annemarie Heinrich

La fotografía también debe hacerlo y, por supuesto, va a lograrlo.

Se entiende que el primer concepto que se debe revisar es el de los valores humanos: ningún arte será jamas importante si no los tiene en primer plano y desde sus fundamentos. Leyes históricas, también, nos afirman que, tarde o temprano, los infelices factores que perturban el progreso serán eliminados, entre los cuales se debe contar aquel que produce lo que parece “desinterés de los jóvenes por todo lo que es arte”. Por lo tanto, se deberán buscar todos los significados de las cosas, de los seres, de la vida, sin limitaciones, sin temblores: los medios estéticos, además de difundir sus conocimiento y su satisfacción en cada individuo, enriquecerán la sensibilidad y el desarrollo general. Y, al final, se deberán usar todos los recursos técnicos para expresar, sugerir, hacer, intuir, aún para aquello que no haya posibilidad de lenguaje, no digo solo fotográfico, sino también verbal. El fotomontaje, las sobreimpresiones, la solarización, los objetos especiales, los filtros y la ampliadora, usados con sabiduría, audacia, y modificados, serán también eficaces complementos. Sin embargo, cabe señalar que lo más importante es,  evidentemente, la conciencia siempre alerta de la vida.

Se puede percibir que incluso las fotografías menos maleables, para los fines de la creación, como son las de actualidad, las notas para reportajes, las experiencias científicas, investigaciones en sectores inesperados pueden gozar de ese “activismo” (una muestra de ello también en el campo de la creación nos ha sido dada por algunos nuevos italianos, a los que podríamos llamar, por extensión de su cine, neorrealistas). Es posible, al fin,  que el propio paisaje y la naturaleza muerta pueden ser tratados especulativamente, dinamización y llevados a una expresividad superior, mediante la combinación de recursos técnicos y la voluntad interesada del espíritu investigador.

Junto a estas líneas hay cinco fotografías obtenidas mediante el simple uso de un fácil recurso, el de la sobreimpresión sobre una misma lámina. A través de ellas sin sobreestimar su valor, naturalmente, podemos vislumbrar el inmenso campo abierto a nuestras posibilidades de producción, solamente agregándole, el riquísimo artesanal de medios y materiales con los que cuenta hoy la  fotografía, las ganas de expresar “algo más”. 

Annemarie Heinrich

* Las fotografías aquí expuestas no hicieron parte de la publicación original.

Carta de Sergio Larraín para quienes inician en la fotografía

En 1982 Sergio Larraín, fotógrafo chileno, escribió esta carta a su sobrino, en ella le daba algunos consejos para iniciar en la fotografía. Con el pasar de los años el escrito se ha convertido en un manifiesto, un documento que goza de la poesía, la sencillez y la pasión que solo un maestro como Larraín podría escribir.💥 #VideoFNF 

10 tipos de fotógrafos con los que te sentirás o no identificado

¿Cuántos tipos de fotógrafos hay? no tenemos la respuesta, pero hemos hecho nuestro listado con 10 tipos de fotógrafos que nos hemos encontrado en diferentes lugares y que seguro tú también has conocido en tu carrera como fotógrafo o no fotógrafo.

Una lista que podría crecer con tú participación, por eso te pedimos que dejes en este post o en nuestras redes sociales esos tipos de fotógrafos que crees que nos hacen falta. Una lista colaborativa con una dosis de ironía que nos cuenta esos estereotipos que asumimos como fotógrafos o fotógrafas.  (Ver: 10 Fotógrafas famosas que tienes que conocer)

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Michael O’Neil “La búsqueda del espíritu en una imagen bidimensional” 

Durante 10 años el fotógrafo Michael O’Neil ha hecho una inmersión completa en el mundo del yoga. Su trabajo y su pasión por esta forma de vida lo han llevado a recorrer  países como la India y Estados Unidos en la búsqueda de esta disciplina ancestral.

Un proyecto que surgió luego de largos años de trabajo como retratista, consolidándose como uno de los fotógrafos más reconocidos en los años 60, a la altura Avedon, Irving Penn y Yousuf Karsh. Así mismo, sus imágenes llegaron a reconocidas publicaciones y fueron portadas de Life, The New Yorker, Esquire y Vanity Fair.

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Michael O’Neill Double Bow 2007 TASCHEN

Pero esto cambió en 2005 cuando, debido a un problema en su cuerpo, empezó su inmersión en el universo del yoga, tema que se convirtió en una pasión y en una búsqueda en su forma de ver y entender la fotografía. Este trabajo fue publicado en el año 2015 de la mano de la editorial Taschen, en el libro “Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz

Al iniciar este proyecto O’neil  manifestó que se “concentraría en fabricar fotografía, en lugar de hacerlas“. Esto cambió totalmente su trabajo y desde ese momento incrementó su búsqueda por fotografías que documentaran la meditación y conexión de hombres y mujeres que practican yoga. Las fotografías se destacan por la composición, la luz y la destreza de los cuerpos de los yoguis. También el trabajo que se centra en cinco elementos: aire, fuego, tierra, agua y espíritu. (Ver: Los 5 programas en Netflix que ningún fotógrafo puede perderse)

“Buscar una conexión emocional y espiritual con todos mis temas”

Esta es una de las frases que encontraremos en este documental emitido por Netflix, con la dirección del cineasta brasileño Heitor Dhalia y basado en el libro”Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz” de Michael O’Neil. Una historia que nos sumerge a través de la música y los diálogos en un viaje de relajación en el que aprenderemos mucho más que fotografía.

Te invitamos a ver el documental  y no olvides dejar tus comentarios y ayudarnos a divulgar esta entrada.

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Draschan, el fotógrafo que retrata las más curiosas escenas en los museos

Stefan Draschan, fotógrafo radicado en Francia, tomó su cámara y se fue a los museos más visitados en París, Viena y Berlín, ¿su trabajo? esperar pacientemente durante largas horas para capturar el momento perfecto. Y lo logró. Así lo podemos ver en su reciente proyecto titulado “People Matching Artworks”.

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El resultado de este proyecto es un encuentro entre grandes obras de arte de la humanidad con sus visitantes. Allí quien mira la obra también parece ser observado por ella. El visitante se hace parte del cuadro que admira. La gran paciencia de Draschan es recompensada con una serie de imágenes cargadas de humor, sorpresa y complicidad.

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By Stefan Draschan

Además de este proyecto, en la página web de Draschan se encuentran otros dos proyectos realizados en los mismos museos, el primero “People Slepping in Museums” y el segundo “The Three Graces”. Ambos con un tono divertido y con situaciones que nos han ocurrido o hemos visto decenas de veces. Estamos seguros que estas fotografías te inspirarán para tus próximos proyectos y las recordarás en tu próxima visita a un museo. (Ver 70 años de Bod Gruen, el fotógrafo de las estrellas del Rock ) 

Desde Fotógrafo No Fotógrafo compartimos las fotografías de “People Matching Artworks” y te invitamos a conocer su trabajo en su página web https://stefandraschan.com/ 

Instagram: @Stefandraschan

 

Los 20 lugares turísticos más fotografiados en el mundo

Hace pocas semanas circula a través de las redes sociales la infografía realizada por Parrot Print donde analiza a través de la aplicación  Sightsmap  los veinte lugares turísticos del mundo más fotografiados, en la gráfica vemos una descripción del sitio y las veces que ha sido usado el hashtag de la atracción turística  en Instagram.

El lugar más fotografiado según el mapa de calor es  el museo Guggenheim en Nueva York, seguido de  la iglesia Trinità dei Monti, ubicada en Roma  y en tercer lugar El Park Güell, en   la ciudad de Barcelona, declarado Patrimonio Mundial de la Unesco.

¿Cuál de estos lugares has fotografiado?

los lugares mas fotografiados