¿Cuántos tipos de fotógrafos hay? no tenemos la respuesta, pero hemos hecho nuestro listado con 10 tipos de fotógrafos que nos hemos encontrado en diferentes lugares y que seguro tú también has conocido en tu carrera como fotógrafo o no fotógrafo.
Una lista que podría crecer con tú participación, por eso te pedimos que dejes en este post o en nuestras redes sociales esos tipos de fotógrafos que crees que nos hacen falta. Una lista colaborativa con una dosis de ironía que nos cuenta esos estereotipos que asumimos como fotógrafos o fotógrafas. (Ver: 10 Fotógrafas famosas que tienes que conocer)
10 tipos de fotógrafos según Fotógrafo No fotógrafo
Durante 10 años el fotógrafo Michael O’Neil ha hecho una inmersión completa en el mundo del yoga. Su trabajo y su pasión por esta forma de vida lo han llevado a recorrer países como la India y Estados Unidos en la búsqueda de esta disciplina ancestral.
Un proyecto que surgió luego de largos años de trabajo como retratista, consolidándose como uno de los fotógrafos más reconocidos en los años 60, a la altura Avedon, Irving Penn y Yousuf Karsh. Así mismo, sus imágenes llegaron a reconocidas publicaciones y fueron portadas de Life, The New Yorker, Esquire y Vanity Fair.
Michael O’Neill Double Bow 2007 TASCHEN
Pero esto cambió en 2005 cuando, debido a un problema en su cuerpo, empezó su inmersión en el universo del yoga, tema que se convirtió en una pasión y en una búsqueda en su forma de ver y entender la fotografía. Este trabajo fue publicado en el año 2015 de la mano de la editorial Taschen, en el libro “Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz“
Al iniciar este proyecto O’neil manifestó que se “concentraría en fabricar fotografía, en lugar de hacerlas“. Esto cambió totalmente su trabajo y desde ese momento incrementó su búsqueda por fotografías que documentaran la meditación y conexión de hombres y mujeres que practican yoga. Las fotografías se destacan por la composición, la luz y la destreza de los cuerpos de los yoguis. También el trabajo que se centra en cinco elementos: aire, fuego, tierra, agua y espíritu. (Ver: Los 5 programas en Netflix que ningún fotógrafo puede perderse)
“Buscar una conexión emocional y espiritual con todos mis temas”
Esta es una de las frases que encontraremos en este documental emitido por Netflix, con la dirección del cineasta brasileño Heitor Dhalia y basado en el libro”Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz” de Michael O’Neil. Una historia que nos sumerge a través de la música y los diálogos en un viaje de relajación en el que aprenderemos mucho más que fotografía.
Te invitamos a ver el documental y no olvides dejar tus comentarios y ayudarnos a divulgar esta entrada.
Stefan Draschan, fotógrafo radicado en Francia, tomó su cámara y se fue a los museos más visitados en París, Viena y Berlín, ¿su trabajo? esperar pacientemente durante largas horas para capturar el momento perfecto. Y lo logró. Así lo podemos ver en su reciente proyecto titulado “People Matching Artworks”.
By Stefan Draschan
El resultado de este proyecto es un encuentro entre grandes obras de arte de la humanidad con sus visitantes. Allí quien mira la obra también parece ser observado por ella. El visitante se hace parte del cuadro que admira.La gran paciencia de Draschan es recompensada con una serie de imágenes cargadas de humor, sorpresa y complicidad.
By Stefan Draschan
Además de este proyecto, en la página web de Draschan se encuentran otros dos proyectos realizados en los mismos museos, el primero “People Slepping in Museums” y el segundo “The Three Graces”. Ambos con un tono divertido y con situaciones que nos han ocurrido o hemos visto decenas de veces. Estamos seguros que estas fotografías te inspirarán para tus próximos proyectos y las recordarás en tu próxima visita a un museo. (Ver 70 años de Bod Gruen, el fotógrafo de las estrellas del Rock )
Desde Fotógrafo No Fotógrafo compartimos las fotografías de “People Matching Artworks” y te invitamos a conocer su trabajo en su página web https://stefandraschan.com/
Hace pocas semanas circula a través de las redes sociales la infografía realizada por Parrot Print donde analiza a través de la aplicación Sightsmap los veinte lugares turísticos del mundo más fotografiados, en la gráfica vemos una descripción del sitio y las veces que ha sido usado el hashtag de la atracción turística en Instagram.
El lugar más fotografiado según el mapa de calor es el museo Guggenheim en Nueva York, seguido de la iglesia Trinità dei Monti, ubicada en Roma y en tercer lugar El Park Güell, en la ciudad de Barcelona, declarado Patrimonio Mundial de la Unesco.
Celebramos el Natalicio de Julio Cortázar con uno de sus pensamientos sobre la fotografía.
“La novela y el cuento se dejan comparar analógicamente con el cine y la fotografía, en la medida en que una película es en principio un “orden abierto”, novelesco, mientras que una fotografía lograda presupone una ceñida limitación previa, impuesta en parte por el reducido campo que abarca la cámara y por la forma en que el fotógrafo utiliza estéticamente esa limitación. No sé si ustedes han oído hablar de su arte a un fotógrafo profesional; a mí siempre me ha sorprendido el que se exprese tal como podría hacerlo un cuentista en muchos aspectos. Fotógrafos de la calidad de un Cartier-Bresson o de un Brasai definen su arte como una aparente paradoja: la de recortar un fragmento de la realidad, fijándole determinados límites, pero de manera tal que ese recorte actúe como una explosión que abre de par en par una realidad mucho más amplia, como una visión dinámica que trasciende espiritualmente el campo abarcado por la cámara. Mientras en el cine, como en la novela, la captación de esa realidad más amplia y multiforme se logra mediante el desarrollo de elementos parciales, acumulativos, que no excluyen, por supuesto, una síntesis que dé el “clímax” de la obra, en una fotografía o en un cuento de gran calidad se procede inversamente, es decir que el fotógrafo o el cuentista se ven precisados a escoger y limitar una imagen o un acaecimiento que sean significativos, que no solamente valgan por sí mismos, sino que sean capaces de actuar en el espectador o en el lector como una especie de apertura, de fermento que proyecta la inteligencia y la sensibilidad hacia algo que va mucha más allá de la anécdota visual o literaria contenidas en la foto o en el cuento. Un escritor argentino, muy amigo del boxeo, me decía que en ese combate que se entabla entre un texto apasionante y su lector, la novela gana siempre por puntos, mientras que el cuento debe ganar por knock-out.”
Julio Cortazar
“Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es sacar fotografías, actividad que debería enseñarse tempranamente a los niños pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros.” .Cortazar
David Alan Harvey, es uno de los fotógrafos más destacados en la fotografía documental en el mundo, su trabajo de más de 30 años recorriendo países y recogiendo historias lo ha llevado a ser un referente para todo fotógrafo que inicia en el oficio de la imagen.
“Tienes que sentir, tienes que enamorarte para fotografiar“, éste es uno de los consejos que nos da Harvey, fotógrafo de la Agencia Magnum y quien ha trabajado por varios años con la revista National Geographic.
David Alan Harvey
Para el fotógrafo estadounidense, la pintura de los impresionistas franceses, Carter Bresson y Robert Franck han sido fuente de inspiración para su trabajo, y esto se observa en sus fotografías que tienen gran cuidado por la composición, el color y el mensaje que quieren transmitir.
David Alan Harvey
Hoy en Fotógrafo No Fotógrafo queremos compartir una entrevista del año 2013 de Galería 64, en la que este maestro de la fotografía da grandes consejos para que nos enamoremos más de la fotografía.
Algunas frases David Alan Harvey:
“Toma la foto y enfoca después”. David Alan Harvey
“No fotografies lo que se ve, fotografia lo que se siente” David Alan Harvey
Tenia 14 años de edad cuando observó al ingeniero de la mina deslizarse por las piedras con una cámara fotografiando los yacimientos de oro en las minas de Carabaya -Perú; ese fue el primer acercamiento de Martín Chambicon la fotografía, luego de ese momento inició su trabajo para ser él quien en un futuro llevara la cámara.
Martín Chambi, campesino e indígena peruano comenzó ahorrando algunas pepitas de oro para iniciar su camino hacia la fotografía, y fue gracias a este ahorro y al apoyo de su padre que hizo sus estudios en fotografía en Arequipa con el fotógrafo Max T. Vargas, reconocido en la ciudad por su estudio fotográfico. Junto a él, Martín, aprendió las técnicas de la fotografía y dio sus primeros pasos en la que seria su pasión de por vida.
Por Martín Chambi
Luego de varios años de practica con Vargas, Martín decidió iniciar su camino por las calles empedradas de Perú, retratando y vendiendo sus imágenes a 20 pesos en la ciudad de Sicuani, con este pago seguiría caminando y andando a lomo de mula, conociendo las comunidades indígenas del Perú.
Viviendo en Cusco su nombre empezó a ser conocido y algunos intelectuales empezaron a apreciarlo por la fotografía que estaba realizando, entre ellos el poeta Luis Nieto, que consideró a Chambí como el “poeta de la luz“. Por su parte, algunos diarios lo calificaban como el mejor fotógrafo andino.
Chambi trabajó con cámaras de gran formato con las que no podía pasar desapercibido por las poblaciones que visitaba, pero esto no fue un impedimento para hacer fotografías, pues según cuentan, él era un hombre que generaba gran empatía con sus retratados y eso se observa en cada una de imágenes.
Por Martín Chambi
Un hombre que sabia utilizar muy bien la luz, amante de la obra de Rembrandty con una manera única para encuadrar y sacar el máximo provecho al sujeto o a la situación que estuviera frente a su cámara.
Martín Chambi, tuvo un lugar en la fotografía comercial en Cusco, pero el trabajo que le apasionaba era su obra sobre la cultura indígena en Perú. Algunas personas se referían al fotógrafo así: “Chambi utilizó su cámara para dejar constancia de un mundo, el Perú andino, indígena y rural”.
Chambi fue un fotógrafo que con su cámara y su fotografía documentó la cultura indígena peruana hacia 1900. A través de su trabajo abrió los ojos de aquellos que querían invisibilizar a esta gran población de Perú.
La obra de Chambi ha sido expuesta en diferentes museos del mundo, entre ellos el MoMa en Nueva York en el año 1979. A la edad de 82 años el primer fotógrafo indígena de Latinoamérica muere junto a sus cámaras, junto a sus imágenes, muere en su estudio, en la ciudad de Cusco.
Por Martín Chambi
Fotógrafo No Fotógrafo despide esta entrada con las palabras de Martín Chambi: “He leído que en Chile se piensa que los Indios no tienen cultura, que son intelectual y artísticamente inferiores en comparación a los blancos y los europeos. Más elocuente que mi opinión, en todo caso, son los testimonios gráficos. Es mi esperanza que un atestado imparcial y objetivo examinará esta evidencia. Siento que soy un representativo de mi raza; mi gente habla a través de mis fotografías.”
