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“Balseada” en Tiwanaku por Carlos Héctor Sánchez

En septiembre la capital del estado de Tiwanacota, ubicada a 15 km al sudeste del lago Titicaca en Bolivia, se viste de fiesta con la famosa Balseada”  actividad que se desarrolla sobre las ancestrales balsas de Totora en la Laguna Verde. 

“Balseada” en Tiwanaku

Esta festividad que reúne a pobladores y visitantes, se realiza en honor al Señor de la Exaltación, patrono de “Preste Mayor” en  Tiwanacu. En este día los “pasantes”, es decir, los encargados de la fiesta, realizan el paseo por la laguna al son de la “morenada”, una danza folclórica representativa de la cultura boliviana.

“Balseada” en TiwanakuMiles de creyentes, como es el caso de don René “Cuchillo” Ríos, quien a sus 85 años sigue siendo participante de esta celebración, llega para mantener viva esta tradición.

“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez

“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
Preste en Tiahuanaco
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez
“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez

 

“Balseada” en Tiwanaku
Balseada en Timanaku / ©Carlos Héctor Sánchez

Biografía:

Carlos Héctor Sánchez Navas, nacido en Chuquisaca, Bolivia, fotógrafo y Comunicador Social, dedicado al área del fotoperiodismo. Es graduado de la carrera de Comunicación Social de la Universidad Católica Boliviana (UCB). Hizo especializaciones en “Fotografía de autor” con una beca de la escuela SubCooperativa (Argentina) y en “Fotoperiodismo y reportaje” en la escuela EFTI (España). Ha ganado premios organizados por el Goethe institut “Valor de la imagen” (2012), Freddy Alborta (2013, 2014) y la Embajada Francesa (2016).

Ha trabajado siete años en medios nacionales. Inicialmente en los matutinos La Prensa, Alarma y El Alteño. Posteriormente forma parte de la Agencia AFKA publicando su trabajo a nivel nacional. Colaboraciones en agencias APG (local) y Reuters (Internacional). Y apariciones en Revistas: Jiwaki, Bolivian Express, BEX Magazine, Demotix, VICE Colombia, Ampolleta Roja, LacraZine, Phmuseum. 

Miembro de la Agencia Prismo (Bolivia), integra el Colectivo Fotográfico “SinMotivo” y el movimiento fotográfico “Que Rato Me Hayan Sacado Foto”. 

Actualmente enfocado a encargos fotoperiodísticos y a proyectos personales con interés en la fotografía social.

Instagram: @hectorvicuy

Quieres presentar tus trabajos en FNF escríbenos a fotografonofotografo@gmail.com

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“Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz” entrevista con Malcolm Linton

En el año 2016 Colombia firmaba el Acuerdo Final entre la guerrilla de las FARC y el Gobierno nacional, un hecho histórico para el país y el mundo. Miles de hombres y mujeres pasaban de la lucha armada a lucha con la palabra y los argumentos. En ese escenario, Malcolm Linton, fotógrafo británico-estadounidense, decide adentrarse a los campamentos donde los integrantes de la guerrilla esperaban el final de los diálogos y el cumplimiento de este Acuerdo.

Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, es el título que Malcom dio a su libro. Un nombre que nace del relato de Franz Kafka y de la búsqueda de una palabra que se escribiera y tuviera un significado similar en inglés y en español. Esta publicación busca presentar a los excombatientes como lo que son: personas con sentimientos y emociones, que aman, que lloran, que tienen un anhelo de paz. Sus imágenes cuentan la cotidianidad en los campamentos y ese tránsito hacia la vida civil.

Sin fotos posadas y con gran respeto por la persona fotografiada, Malcom logró ganarse la confianza de estos hombres y mujeres. Se trata de un trabajo sincero que revela la cercanía con los sujetos y que solo se consigue con el tiempo y el diálogo constante.

Formación - © Malcolm Linton
Formación – © Malcolm Linton

Es un trabajo que pretende modificar las preconcepciones de los opositores de la paz” señala el autor en la introducción que acompaña el libro y que busca mostrar que los “únicos monstruos son criaturas de la retórica y no de la realidad“.

La esperanza de la paz y el optimismo porque el Acuerdo de Paz se cumpliera, lograron contagiar al autor del libro. Sin embargo, hoy estos sentimientos se desmoronan debido a las situaciones que han venido viviendo los excombatientes: en menos de tres años, 130 de estos hombres y mujeres que entregaron las armas y buscaban la reconciliación, han sido asesinados.

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Portada Metamorfosis: Guerrilleros en busca de paz

En esta entrevista de Fotógrafo No Fotógrafo recorremos fragmentos de la vida de Malcom Linton como fotógrafo, sus búsquedas, su apuesta por los temas sociales en sus historias y cómo realizó el libro Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, publicación editada e impresa por Villegas y Editores.

Le damos la bienvenida a una nueva historia en FNF

Incentivar la expresión creadora en la fotografía: Annemarie Heinrich

Annemarie Heinrich, fue una consagrada artista Argentina, nacida en  Alemania, pero radicada desde la adolescencia en este país latinoamericano, destacada por su singular manera de fotografiar, entre sus trabajos se destacan los retratos y desnudos, e igualmente su mirada critica frente al arte y a la fotografía que expresaba a través de sus escritos. Fundadora del Foto Club Argentino.

El siguiente texto fue escrito en 1951 para el Boletín de Foto Cine Clube Bandeirante de San Pablo y tomado de la antología 1925-1970 “Escribiendo sobre fotografía en America Latina” de José Antonio Navarrete. 

El arte fotográfico vive hoy un momento que es denominado, por algunos, de espera y, por otros, de transición, no pudiendo ocultar que sea, en realidad, de crisis. Al intenso y extenso progreso de la expresión creadora alcanzada por la fotografía, entre la primera y la Segunda Guerra Mundial, en virtud, principalmente, de los numerosos aportes de los que se podría llamar el genio o espíritu europeo, se incorporó seguidamente consecuente y complementariamente un rápido y notable desarrollo de aportes técnicos obtenidos también, y sin duda, por la activa requisición de las industrias y las ciencias que veían en el nuevo proceso un complemento de valor inapreciable. Esta superación en la eficiencia del “service” fotográfico se extendió, en mayor escala, en los Estados Unidos y no fue ajeno a esta la “época de oro” de su cine.

De forma contraria, en todas partes se percibe hoy un notorio estancamiento o retroceso en el nivel de expresión, en las investigaciones y en la creación, por mucho que se le disimule bajo una técnica brillante, y una desorientación general sobre las posibles salidas, más allá de lo que las investigaciones técnicas permanezcan paralizadas en todo aquello que ya se conocía. De nuestra parte, podríamos decir que se perciben en el mundo dos líneas de producción en las cuales los adeptos a la fotografía han trabajado pacientemente y laboriosamente, sin sobresalir mucho. Una de ellas es el sector llamado americano, volcado predominantemente al exterior, a la nota pintoresca o curiosa, a lo espectacular a lo decorativo, a la sensación y a lo vistoso; la otra es la del  campo europeo especialmente, esperándose en las gamas, la riqueza de la materia, en el enfoque más preciso y definido y en el encuadre más perfecto, geométrico, de lo que fuera fotografiado. El espíritu creador, salvo muy raramente, ¡se encuentra ausente en ambas tendencias!

Photo-Notes, órgano oficial de Photo League americana, en su edición de 1950 denunciando los diferentes aspectos del fenómeno en su país, entre los cuales se encuentra la “falta de fantasía”, “pereza de imaginar”, “exceso de comercialismo”, expresa que no hay un significado, que hay una ausencia “en la búsqueda de un contenido consciente, manifestado por el fotógrafo a través de una visión del propio mundo interior”. La revista Fotografía (Milán septiembre- octubre de 1950) intenta ampliar la investigación cuando al señalar “la decadencia de una forma que quiere definirse convencionalmente como en impersona” atribuye el hecho al “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte”. Un excelente álbum suizo (Photo 49), a su vez, destaca en sus palabras de presentación lo que las fotografías incluidas después confirman la “nueva fotografía” se valora por “su objetividad, el sentido de las cosas materiales más que los valores de las humanos, el gusto por la técnica y precisión de los dentalles, la riqueza de la sustancia, la luz modelando los objetos”, etcétera. (Quiere esto decir que además de volver un mérito una desviación  fundamental como la que significa la subestimación o el desinterés de los valores humanos, la “nueva fotografía” se transporta con su producción hacia un pasado lejano en la historia, cuando el proceso fotográfico se esforzaba por mejorar su etapa inicial de copiado y reproducción. Y esto, precisamente en un momento en que, más que nunca antes, podemos contar con un riquísimo patrimonio artístico heredado de nuestros precursores y cuando más y mejores son la cantidad y la cualidad de los recursos, conocimientos, complementos, escuelas y posibilidades logradas por nuestra especialidad y su prodigiosa técnica.

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* Desnudo – © Annemarie Heinrich

Se debería indagar, de forma natural, a qué debe esto; si realmente existe ese “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte” expresado por la fotografía de Milán y cuáles fueron o son esos actores que según Photo Notes, llevaron y llevan a los eruditos de la fotografía en Estados Unidos a huir de sí mismo, a dejar de lado la búsqueda de los significados, etcétera. Conocer las causas de un mal constituyente, sin duda, una mejor posición, crítica o terapéutica, que hablar y registrar sus síntomas.

Sin embargo, es posible encontrar mucha similitud entre ese momento de la fotografía y aquel que sufrió, en su época, el viejo impresionismo pictórico. Y por semejantes, sobre todo por la experiencia que nos transmite y porque nos permite la obtención de elementos constructivos, me parece oportuno dar unos de los ejemplos: los primeros rebeldes del impresionismo, que se quejaban por este “era una parte pasivos, en el  cual el artista reflejaba únicamente las vibraciones de su impresión”, deseaba librarse de él por medio de un “arte activo, transmisor en vez de receptor, que creara dinámica y a priori”( haunsenstein, “Un siglo de evolución artistica,”). El impresionismo, regido hasta ese momento por el objeto, debía ser reemplazado por un trabajo de fondo y forma en el cual reinará completamente el tema. El que estaba conectado predominantemente con el paisaje y la naturaleza muerta no destacaba ningún detalle, huía de las grandes acciones, prefería los juegos de luz a los valores humanos, todas las partes, inclusive las figuras y los fondos, aparecieron en el conjunto nivelados por la “impresión” global, por un estilo que era anterior y obligaba a una sistémica factura de escuela; mientras que el nuevo arte que se proponían los rebeldes y que con el pasar del tiempo nos daría el expresionismo, inclusive con sus excesos, iba a subrayar los detalles y caracteres, exasperando las formas, el sentido y el color para proyectarlos en un significado cien por ciento sobresaliente en el conjunto, hasta alcanzar una aguda e hiperestesiada expresión.  El espíritu creador en suma debía tomar su lugar en la obra enfrente del copismo, de la reproducción y la repetición formal y sensual al infinito.

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*Annemarie Heinrich

La fotografía también debe hacerlo y, por supuesto, va a lograrlo.

Se entiende que el primer concepto que se debe revisar es el de los valores humanos: ningún arte será jamas importante si no los tiene en primer plano y desde sus fundamentos. Leyes históricas, también, nos afirman que, tarde o temprano, los infelices factores que perturban el progreso serán eliminados, entre los cuales se debe contar aquel que produce lo que parece “desinterés de los jóvenes por todo lo que es arte”. Por lo tanto, se deberán buscar todos los significados de las cosas, de los seres, de la vida, sin limitaciones, sin temblores: los medios estéticos, además de difundir sus conocimiento y su satisfacción en cada individuo, enriquecerán la sensibilidad y el desarrollo general. Y, al final, se deberán usar todos los recursos técnicos para expresar, sugerir, hacer, intuir, aún para aquello que no haya posibilidad de lenguaje, no digo solo fotográfico, sino también verbal. El fotomontaje, las sobreimpresiones, la solarización, los objetos especiales, los filtros y la ampliadora, usados con sabiduría, audacia, y modificados, serán también eficaces complementos. Sin embargo, cabe señalar que lo más importante es,  evidentemente, la conciencia siempre alerta de la vida.

Se puede percibir que incluso las fotografías menos maleables, para los fines de la creación, como son las de actualidad, las notas para reportajes, las experiencias científicas, investigaciones en sectores inesperados pueden gozar de ese “activismo” (una muestra de ello también en el campo de la creación nos ha sido dada por algunos nuevos italianos, a los que podríamos llamar, por extensión de su cine, neorrealistas). Es posible, al fin,  que el propio paisaje y la naturaleza muerta pueden ser tratados especulativamente, dinamización y llevados a una expresividad superior, mediante la combinación de recursos técnicos y la voluntad interesada del espíritu investigador.

Junto a estas líneas hay cinco fotografías obtenidas mediante el simple uso de un fácil recurso, el de la sobreimpresión sobre una misma lámina. A través de ellas sin sobreestimar su valor, naturalmente, podemos vislumbrar el inmenso campo abierto a nuestras posibilidades de producción, solamente agregándole, el riquísimo artesanal de medios y materiales con los que cuenta hoy la  fotografía, las ganas de expresar “algo más”. 

Annemarie Heinrich

* Las fotografías aquí expuestas no hicieron parte de la publicación original.

El concurso de fotografía documental POY Latam 2019 abre sus inscripciones (es gratuito)

Estamos a pocas horas de que se abra uno de los más reconocidos concursos de fotografía documental en Iberoaméricana, el POY Latam, concurso bianual que nació en el año 2011 y este año llega a su versión número cinco, un espacio que tiene por misión “conectar a los artistas visuales y construir comunidades a través de concursos, exhibiciones, publicaciones y oportunidades educativas”

El POY Latam 2019 que será juzgado en la ciudad de Quito, Ecuador, abre sus puertas para que fotógrafos participen con sus propuestas documentales en diferentes categorías y en diferentes formatos entre los que se encuentra multimedia y libros. Algo muy importante del certamen es que no tiene costo.  Las inscripciones se abren este lunes 18 e irán hasta el 21 de abril, y finalmente serán juzgados del 6 al 10 de mayo en Quito, Ecuador.

¿Cómo hacer la inscripción y qué tener en cuenta? 

  • Ser ciudadano de en un país de Iberoamérica
  • Crear una cuenta en https://www.picter.com/  (plataforma en ingles)
  • Incluya toda la información solicitada por Picter
  • Los trabajos presentados a concurso deben haber sido realizados en los últimos 24 meses.
  • Las imágenes sólo deben ser presentadas como archivos .jpg
  • El tamaño mínimo es de 3.000 pixeles de alto o ancho

Premios

Fotógrafo iberamericano del Año: Mil dólares pagados directamente por el POY de Estados Unidos y ganadores de las demás categorías: certificados envíados digitalmente

Categorías:

01 Vida cotidiana (individual) – Una imagen natural no posada, que refleje la experiencia humana, la cultura o celebre la vida. El respeto a la dignidad del sujeto es esencial.

02 Vida cotidiana (serie) – Hasta diez imágenes no posadas que reflejen la experiencia humana, la cultura o celebren la vida. El respeto a la dignidad del sujeto es esencial.

03 Noticias (individual) – Una fotografía de un hecho noticioso o de un tema social de actualidad.

04 Noticias (serie) – Una serie de hasta diez fotografías de un hecho noticioso o de tema social de actualidad.

05 Retrato (individual) – Una fotografía posada de una o varias personas que revelen su esencia o su personalidad.

06 Retrato (serie) – Una serie de hasta diez retratos de personas o grupos de personas que revelen su esencia o su personalidad.

07 Deportes (individual) – Una fotografía que capture un momento cumbre en un deporte individual o colectivo, que promueva el aprecio por el deporte o celebre el papel que juega el deporte en la vida de los deportistas profesionales, aficionados o el público.

08 Deportes (serie) – Una serie de hasta diez imágenes que capture un momento cumbre en un deporte individual o colectivo, que promueva el aprecio por el deporte o celebre el papel que juega el deporte en la vida de los deportistas profesionales, aficionados o el público.

09 Los jóvenes se expresan (serie) – Una serie de hasta diez fotos que documente las diversas maneras que tienen los jóvenes de expresar su cultura, sus deseos, sus sueños, y también sus frustraciones. Los jóvenes están buscando alternativas – la música, el arte urbano, la militancia, la protesta, la espiritualidad– ante una sociedad que no los comprende o integra plenamente.

10 Los movimientos migratorios (serie) Una historia o ensayo de hasta diez fotos que documente el impacto de las migraciones humanas entre países o regiones. Puede ser una historias sobre el drama de los desplazados o los refugiados, pero también un ensayo sobre algún aspecto positivo de la migración.

11 La fuerza de las mujeres (serie) Un ensayo de hasta diez imágenes que documente la situación de la mujer en Iberoamérica, en la época del #niunamas y el #metoo. Esta categoría está abierta solamente a mujeres fotógrafas.  Se incluye un amplio rango de temas como la igualdad, la violencia, las expectativa de belleza, los nuevos roles de la mujer, la celebración de lo femenino, la política, la espiritualidad, el feminismo, el liderazgo.

12 El futuro de las ciudades (serie) Una serie de hasta diez imágenes que trate sobre los procesos de urbanización en Iberoamérica y los retos que enfrentan las personas de todas las clases sociales que habitan las ciudades. Esta categoría incluye temas urbanos como el diseño del espacio público, el crecimiento, el desarrollo de las áreas rurales, el transporte público, como también temas sociales como la seguridad, la inclusión, la riqueza y la pobreza extremas, la situación de los niños y los adultos mayores, o los retos que amenazan a la clase media.

13 El premio Nuestra Mirada (serie) – Esta categoría especial de hasta diez imágenes premia a los trabajos documentales o artísticos que reflexionen sobre quiénes sómos y de dónde venimos. Esta categoría es la única en la que las fotos pueden haber sido tomadas en cualquier momento y también la única que acepta manipulaciones reales o digitales, siempre que estén justificadas conceptualmente. La creatividad, el concepto, la estética, la profundidad y el valor artístico o documental tendrán especial importancia. Está prohibido presentar ensayos que ya han sido presentados en ediciones anteriores del POY Latam.

14 Premio Carolina Hidalgo Vivar de Medio Ambiente (serie) – Esta categoría especial premia un ensayo fotográfico de hasta diez fotos que expanda nuestra comprensión o aprecio por la naturaleza. Una amplia gama de temas serán considerados, por ejemplo la devastación de la naturaleza causada por el hombre, las consecuencias de la minería o la industria, las múltiples maneras en las que el hombre se relaciona con su medio ambiente, la exaltación de la belleza de la naturaleza o la documentación de su poder destructivo. Este ensayo honra la memoria de Carolina Hidalgo Vivar, una joven arquitecta del paisaje que amaba profundamente la naturaleza.

15 El fotógrafo iberoamericano del Año (portafolio)- Esta categoría especial está abierta para todos los fotógrafos. Presente un máximo de cuarenta (40) fotografías. Un portafolio debe ser diverso y debe incluir al menos cuatro fotografías individuales y dos ensayos fotográficos. Las fotos individuales dentro de este portafolio no deben ser repetidas en los ensayos. Organice el portafolio con las fotos individuales primero, seguidas por los ensayos. Inserte una imagen negra (.jpg) al principio de cada ensayo para separarlos. No se debe incluir ningún texto en estos separadores. Los fotógrafos deben presentar las fotos sueltas y los ensayos en otras categorías para que los jueces se familiaricen con el trabajo. POY Latam no sacará fotos de una categoría para incluirla en otra. Si quiere participar en otras categorías tiene que presentar archivos duplicados. Este portafolio debe incluir trabajo publicado o creado en los últimos veinticuatro meses.

16 Multimedia (video corto).- una narrativa visual de menos de 5 minutos en video.

17 Multimedia (video de mediana duración).- una narrativa visual de 5’ a 20’ en video.

18 Multimedia (web) – Un sitio interactivo o una página web que ofrezca una potente narrativa visual, y que use video, fotografía, diseño o infografía en un contexto periodístico.

19 El mejor libro de fotografía (libro) – Los libros presentados a concurso deben contener fotografía documental y deben haber sido publicados en los 24 meses anteriores al cierre del concurso. Las imágenes pueden ser el trabajo de uno o varios fotógrafos.

Con información de poylatam, conozca toda la información aquí

Foto de portada:  Tomás Munita, fotógrafo del año 2013

“Hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados” Pedro Valtierra en #EntrevistaFNF

¡Seguimos conociendo la historia de fotógrafos y fotógrafas en el mundo! En esta ocasión llegamos hasta México para hablar con un maestro de la fotografía documental y de la reportería gráfica: Pedro Valtierra. Un hombre reconocido en Latinoamerica y el mundo por sus reportajes y por ser el fundador y director de la agencia y Revista Cuarto Oscuro.

Por más de 43 años este fotógrafo, nacido en Fresnillo, Zacatecas, ha visto a través de su lente los cambios sociales que han marcado la historia de los países centroamericanos, ha trabajado como director de fotografía en medios como La Jornada, y a través de su experiencia se ha convertido en un referente de la fotografía en México. También ha sido ganador del Premio Internacional de Periodismo Rey de España a la mejor fotografía del año. Con él tuvimos la oportunidad de hablar en esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

¿Qué es la fotografía para Pedro Valtierra?

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Pedro Valtierra, fotógrafo, director Revista Cuarto Oscuro – Foto: Gregorio Cortes

La fotografía para mí es un acto de comunicar, es una manera de informar. En mi caso particular como periodista informar de la vida, de los temas que aquejan, de los temas de la sociedad que le interesan a la sociedad, de todos los temas. El acto de fotografiar es guardar nuestros momentos para la posteridad: congelar parte de la vida. La fotografía tiene mucha significación porque forma parte de nuestra vida cotidiana como personas, como familia, pero también como sociedad, que es donde más estamos nosotros en el periodismo.

Manuel Madrigal, decía “El día que pierde el miedo a la luz ese día Pedrito va a ser fotógrafo” ¿ya perdió el miedo a la luz?

No, todavía no, ando en esas. Hay que darle el contexto a lo que Manuel Madrigal decía, y lo decía en el sentido de que uno tiene que estar aprendiendo constantemente y mientras tengas una cámara hay que aprender, en la foto a lo que más le tienes miedo a la luz, porque sin luz no hay foto.

Su trabajo durante más de 40 años se ha centrado en temas sociales, ¿cómo nace ese sentido por estas historias?

Surge de mi formación, de mi vida. Yo soy un fotógrafo que nació en Zacatecas, al norte del país, en el municipio de Fresnillo, en la sierra. Soy campesino y aprendí allí de la vida. Éramos muy acomodados, teníamos unas tierras en el norte del país y ese contacto con la naturaleza, con la gente, con los problemas, hace que uno tenga ese compromiso.

Siempre tuve interés por la política, por los temas sociales y trabajé desde muy niño. Desde los 12 años vendía periódicos en Fresnillo y pienso que eso hizo que yo tuviera interés en los temas sociales. Desde niño me dolía el tema de la marginación y de la pobreza porque en un tiempo determinado nosotros, cuando abandonamos el campo, quedamos en la miseria: nos quitaron el rancho y nos quedamos sin nada. Ocho hermanos somos, yo soy el tercero de la familia pero el primer hombre que tenía que trabajar. Pienso que de ahí puede venir el sentido.

Mujeres de X´oyep
Mujeres exigen a los soldados abandonar el campamento de X´oyep, donde se habían refugiado después de la matanza de Acteal /Ene-1998 ©Pedro Valtierra

¿Qué debe tener una foto para que Pedro Valtierra diga: “es una buena foto”?

En primer lugar que sea clara, precisa en el mensaje que está dando. Eso para mí es lo más importante, que técnicamente esté precisa y estar en el momento justo de lo que el fotógrafo quiere mostrar.

¿Qué busca Pedro Valtierra cuando hace una fotografía?

Yo siempre busco que la foto tenga los elementos que quiero transmitir, que cuente, que diga, que resulte una foto, no bonita, sino que nos cuente. Eso es lo que busco.

“Busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver”

Yo camino mucho, que esa es una de las necesidades de los fotógrafos: tienen que caminar, estar viendo por todos lado. Busco eso, busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver la foto, eso es lo que quiero. Pero no se logra fácil. Yo pienso que es muy complicado, sufre uno mucho como fotógrafo, además yo suelo ser duro conmigo, no siempre me gusta lo que hago.

Mineros desnudos
Huelga de minero – año 1985 ©Pedro Valtierra

¿Hay alguna foto que haya sufrido para hacerla y luego que la hizo, dijo: “esta es la foto”?

Sí, hay varias fotos. Por ejemplo hay unas fotos de unos mineros en Pachuca, en 1985, es una fotografía de una huelga, bueno, son varias fotos. Nosotros llegamos tarde con la reportera al evento: el evento empezaba a las 7:00 a.m y a la huelga llegamos a las 7:15 porque no conocíamos muy bien la ciudad. Llegamos tarde y entonces con la presión de que eran 3.000 mineros desnudos antes de entrar a la mina estaba muy preocupado de conseguir la foto que sintetizara el tema, y en aquellos años pues no la veías en la pantalla, tenías que regresar a revelar y todo ese tiempo se sufre mucho porque no sabes cómo va a salir la foto. Ya cuando ves el revelado y la foto que está bien, hay una enorme satisfacción.

La cotidianidad es un tema recurrente en la revista Cuarto Oscuro y en su fotografía, ¿por qué el interés?

A mí me encanta la calle, soy un hombre de la calle. Mi amigo Héctor García, maestro, decía que él era un “pata de perro”, era mi maestro para andar de un lado para el otro.

Me gusta ver a la gente en la calle, la expresión. No es fácil ahora hacer fotos en la calle, es complicado por la onda de la inseguridad y toda la violencia, pero me apasiona. Para mí, la vida está en la calle.

“Es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo”

¿De qué alimenta su cultura visual?

Una de las cosas que hago siempre es leer los periódicos, todavía soy de la vieja escuela que compra un periódico y lo lee todo hasta que se acaba, eso es muy importante. Otra de las maneras de alimentarte es leyendo, leyendo poesía, novela, temas de actualidad, la plática y la conversación con los amigos. Siempre estoy pensando en foto y casi todo cuando hablas con la gente lo traduces a qué foto puedes hacer. Yo me alimento de esa manera, pero también es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo.

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Portada Cuarto Oscuro – Dic 2018

Cuarto Oscuro: agencia y revista

¿Cómo nace Cuarto Oscuro? ¿De dónde surge la idea de crear la agencia y posteriormente la revista?

Primero tuve otro proyecto que fracasó, una agencia que se llamó Imagen Latina en 1984, la fundé el día que salí de 1+1, como una cosa simbólica. Esa agencia funcionó poco tiempo.

La idea de hacer una agencia nace en mis viajes a Centroamerica:  Nicaragua, El Salvador, Guatemala ,Honduras, Costa Rica, Panamá. Allí me tocó conocer a muchos periodistas, hoy famosos, como Susan Meiselas, James Nachtwey, Christopher Morris; muchos personajes que me tocó conocer jóvenes en esa época, eso ya hace 40 años. Empecé a conocer cómo trabajan ellos, casi todos eran de agencias independientes como Magnum, Sipa y otras agencias, y de ahí me surgió la idea de hacer una agencia. Aquí en México estaba la agencia de los hermanos Mayo y Héctor García tenía su propia agencia, él estaba sólo con su mujer, María.

Entonces a mí me surgió desde ahí la idea de hacerlo, un poco antes de que se fundara el diario La Jornada, así nace la idea de hacer una agencia con la finalidad de ser fotógrafo independiente. Osea, tú sabes que uno como fotógrafo siempre aspira a hacer sus reportajes, a tener toda la libertad de trabajar en temas que te interesen y así fue como surgió la idea de hacer Cuarto Oscuro. Primero fue la agencia, que no había en ese entonces mercado, era muy complicado. En ese momento los periódicos de México no tenían la cultura de comprarle fotos a una agencia. Empezamos con esta idea en 1984 con Imagen Latina y luego en 1986 con Cuarto Oscuro y afortunadamente se dieron condiciones políticas importantes: estaba la protesta aquella del ingeniero Cárdenas, el movimiento democrático, iniciaba un país distinto y eso dio pie a que nosotros tuviéramos fotografías importantes para los periódicos de los estados. Así fue como empezó, la idea original es haber convivido con los fotógrafos en Centroamérica, pero también tener relación con los Mayo y con el maestro Manuel Madrigal.

Han pasado 25 años del nacimiento de Cuarto Oscuro, ¿ha cambiado su objetivo o se ha transformado con el tiempo?

La agencia tiene 32 años y la Revista 25 años, ¿cómo ha cambiado?, primero, la revista nació con 24 páginas hoy tenemos 88 páginas; cuesta mucho trabajo hacerla, pero ya tenemos tantos años que, aunque estamos preocupados, no la podemos cerrar o no podemos hacer otra cosa. Tenemos que mantenernos ahí siempre y está saliendo bimestral, a cada dos meses.

Ciudad de México, septiembre de 1985.- Terremoto en la Ciudad de México.
Terremoto  México – Año 1985 / ©Pedro Valtierra

“Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares. “

La fotografía y los medios de comunicación

Los fotógrafos anteriormente tenían una posición política, algunos eran militantes de partidos o movimientos políticos, hoy se dice que el fotógrafo que entra a un medio tiene que ser objetivo o neutral, ¿qué piensa de eso en la reportería gráfica?

Yo creo que eso de ser objetivo es complicado, tienes que intentar ser objetivo y ser imparcial. Creo que no tienes que ser militante de ninguna organización, no puedes ser periodista militante, o bien lo haces en un periódico del partido o de la organización. Pero yo soy de los que creen que los periodistas tienen que estar absolutamente libres de estar en una organización política o social porque sino, de esa manera, tu trabajo se contamina. Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares.

La objetividad es un tema complicado, un tema difícil, pero yo sí creo, en principio, que tienes que ser lo más imparcial que puedas, sobre todo en el caso de los periodistas y nuestro trabajo tiene que estar libre de esa contaminación.

¿Qué lectura tiene de la fotografía de prensa al día de hoy? ¿ha mejorado, ha empeorado o sigue igual?

Yo pienso que ha mejorado para los medios mexicanos. Hay una un avance significativo en cuanto a la producción, se ha abierto un poco más el espacio, los mismos tiempos se lo piden; pero los medios mexicanos ponen poco interés en la calidad, están mucho sobre la nota del día, pero no trabajan con los fotógrafos en cuanto a la orientación, a la forma de retratar. Yo pienso que hay un avance importante en la calidad de los fotógrafos y un ligero retroceso en cuanto a la utilización de esas buenas fotografías de los fotógrafos mexicanos.

“El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto”

Durante varios años de su vida ha estado cercano a los diarios de prensa como editor y ahora en la revista, cuéntenos ¿qué hace a un buen editor? y ¿cuál es su tarea más allá de ver las fotografías?

El trabajo del editor es un trabajo de mucho sufrimiento. El trabajo es ver las mejores fotos, editar, tratar de contar con las fotos la historia, pero al mismo tiempo el trabajo del editor va más allá de hacer esta primera selección. Consiste en darle seguimiento a la publicación de las imágenes, al espacio donde van a ir en la página y todo eso.

Nosotros en La Jornada pusimos un nuevo criterio, una nueva forma de trabajar en la que el editor no solamente proponía las fotos sino que también le daba, en la medida de lo posible, el espacio y el lugar a la fotografía. Ahí tuvimos enormes problemas con los diseñadores porque tenemos puntos de vista diferentes. Yo creo que el editor debe estar sujeto a la calidad de la foto y hacerla lucir, y siento que muchos editores y muchos diseñadores en el caso de México no lucen las fotos, siempre las dañan porque el diseñador piensa de otra manera.

El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto.

Idalia
Idalia. Primer aniversario del triunfo de la Revolución Sandinista. Estelí, Nicaragua, Año 1980 / ©Pedro Valtierra

“La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón…”

Hace 40 años el único medio para mostrar el trabajo eran los periódicos o las revistas, hoy con las redes sociales y el internet eso ha cambiado ¿esto ha significado un avance o un retroceso para la fotografía?

Hay de las dos, un avance en el sentido de que la foto hoy está en más lugares, la ven más personas. Hoy es mucho más fácil mandar la fotografía, es mucho más fácil hacer la fotografía técnicamente, pero eso no significa que sean mejores imágenes. Sí hay que tener claro que la tecnología es una herramienta que nos ayuda a mejorar ciertas cosas, pero no es garantía de hacer buenas fotos.

La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón, la sigues haciendo con lo que traes en la cabeza, con tus ideas, con tus conceptos y la herramienta es un aparato solamente. Yo le puedo dar a un reportero un Montblanc y eso no significa que va hacer buenos reportajes. No debemos perder de rumbo que la tecnología es algo que no podemos despreciar, que tiene muchos avances importantes, pero aquí lo más importante para los que estamos más involucrados con la fotografía es procurar usar las herramientas para hacer buenas fotografías.

Hay ventajas que nos trae la tecnología, también muchas desventajas, una de las enormes desventajas y que a mí me duele, no porque quiera al pasado y añore el pasado, sino porque la historia se está perdiendo, la historia se va a perder. Nosotros en Cuarto Oscuro tenemos muchos negativos, los archivos del pasado fotográfico, y ahora con la foto digital los archivos de pronto desaparecen, no es fácil guardar las fotos o si se van a guardar con el tiempo no hay seguridad de que vayan a perdurar.

Para concluir, lo más importante de la foto, de la creación en general, es que lo hagas con el corazón, como lo dijo Bresson y como lo han dicho otras personas: hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados.

El balazo

Para finalizar…

La educación ha sido un espacio en el que Pedro Valtierra ha estado durante años. Hoy, por su trabajo y por su vida en la fotografía, se ha ganado el título de Maestro. ¿cuáles son los consejos o mensajes que quiere transmitir a través de la enseñanza de la fotografía?

En primer lugar que se autocritiquen. En segundo lugar que piensen ¿cuántos zapatos se acabó Cartier Bresson antes de ver las fotos? Tomar pocas fotos, caminar, no limitarse en cuanto a la creación, tener seguridad, ir al cine, sentirse los directores de cine en cada película que vean, ver la composición y ver las reglas. Pensar que nosotros somos los que estamos armando en la calle esos escenarios.

También invitarlos a la lectura, no solamente de los periódicos, hay necesidad de que lean otro tipo de cosas. Que trabajen con un lente 50mm., nosotros teníamos eso como una norma en Cuarto Oscuro: les pedimos que trabajen con un lente 50mm, eso los obliga a moverse mucho, porque si le das un gran angular facilitas el aprendizaje. Con un lente 50mm te va obligar a alejarte, a volverte más creativo.

Para finalizar, para las personas que no están en México, ¿cuáles son los tres fotógrafos o fotógrafas del país que nos recomiende ver?

Una de ellas es Graciela Iturbide, una de las fotógrafas más importantes mexicanas; Nacho López, un fotógrafo que para mí es fundamental en la historia del país; y el maestro Enrique Metinides, un fotógrafo que trabajó 50 años en la policía y hoy es muy famoso en Europa.

República Árabe Saharahuí Democrática

¿Cuál es su consejo para los Fotógrafos No Fotógrafos?

Que salgan a la calle, que observen, que hagan pocas fotos. Sí es necesario, tomar algunas clases de fotografía, pero básicamente trabajar mucho. En cualquier oficio si se quiere ser bueno hay que dedicar mucho tiempo, mucha dedicación para poder destacar, se requiere de un trabajo y de una autocrítica permanente.

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Entrevista por Gabriel Galindo/fundador FNF

Carta de Sergio Larraín para quienes inician en la fotografía

En 1982 Sergio Larraín, fotógrafo chileno, escribió esta carta a su sobrino, en ella le daba algunos consejos para iniciar en la fotografía. Con el pasar de los años el escrito se ha convertido en un manifiesto, un documento que goza de la poesía, la sencillez y la pasión que solo un maestro como Larraín podría escribir.💥 #VideoFNF 

Viviana Peretti en entrevista con Fotógrafo No fotógrafo

Nuestra tarea por seguir conociendo historias de fotógrafos y fotógrafas no se detiene, en esta ocasión entramos a la casa de Viviana Peretti, fotógrafa y antropóloga italiana que durante más de 10 años ha vivido y recorrido Colombia para desarrollar sus trabajos.

“Ser fotógrafo es desnudarse uno y a menudo no es un trabajo que tiene que ver con el cerebro, sino que tiene que ver con otro tipo de emociones que están ubicadas en otro lugar del cuerpo”

En la primera parte de este diálogo conoceremos cómo llega Viviana a la fotografía, una historia que inicia con un poco de suerte y mucha pasión por aprender e ir mejorando la técnica y el concepto en su fotografía.

Colombia Diversa
©Dancing like a woman -Viviana Peretti
Desde sus primeros años como fotógrafa hasta hoy, Viviana Peretti,  ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos el 1er puesto en la categoría Arte y Cultura del “Sony World Photography Awards“, el “American Photography 30″; y ha sido seleccionada en el “Taylor Wessing Photographic Portrait Prize”. Al tiempo que su nombre resuena en estos importantes espacios internacionales, Viviana se ha desempeñado como docente en varias universidades en Colombia. Asimismo, sus trabajos han sido expuestos en Nueva York, Roma, México y Colombia entre otros lugares.
 
“Me estoy contando, llevo años en tratar de descubrirme… Hay mucho intento de descubrir los demonios que tenemos” Viviana Peretti
Hands
Hands – Viviana Peretti

En esta nueva entrega de #EntrevistasFNF, tendremos una  encantadora charla en la que nos conoceremos el sentido de los trabajos de Peretti y la opinión que tiene sobre diversos temas como el papel de las fotógrafas en la actualidad y la critica que mantiene sobre la fotografía en los medios impresos en Colombia. Y al final nos dejará un excelente mensaje para seguir cultivando nuestra pasión por la fotografía.

No escribimos más y te invitamos a dar play y dejar tus comentarios sobre esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

Web:  vivianaperetti.com

Instagram: Viviana Peretti 

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