Stefan Draschan, fotógrafo radicado en Francia, tomo su cámara y se fue a los museos más visitados en París, Viena y Berlín, ¿su trabajo? esperar pacientemente durante largas horas para capturar el momento perfecto. Y lo logró. Así lo podemos ver en su reciente proyecto titulado “People Matching Artworks”.
By Stefan Draschan
El resultado de este proyecto es un encuentro entre grandes obras de arte de la humanidad con sus visitantes. Allí quien mira la obra también parece ser observado por ella. El visitante se hace parte del cuadro que admira.La gran paciencia de Draschan es recompensada con una serie de imágenes cargadas de humor, sorpresa y complicidad.
By Stefan Draschan
Además de este proyecto, en la página web de Draschan se encuentran otros dos proyectos realizados en los mismos museos, el primero “People Slepping in Museums” y el segundo “The Three Graces”. Ambos con un tono divertido y con situaciones que nos han ocurrido o hemos visto decenas de veces. Estamos seguros que estas fotografías te inspirarán para tus próximos proyectos y las recordarás en tu próxima visita a un museo. (Ver 70 años de Bod Gruen, el fotógrafo de las estrellas del Rock )
Desde Fotógrafo No Fotógrafo compartimos las fotografías de “People Matching Artworks” y te invitamos a conocer su trabajo en su página web https://stefandraschan.com/
¿En Semana santa y sin ningún plan? En Fotógrafo No Fotógrafo hicimos el top 5 de programas de Netflix que te sacarán del aburrimiento sino tienes nada que hacer, cinco historias que nos cuentan la vida de diferentes fotógrafos y diferentes ramas de la fotografía. Aquí van nuestros recomendados:
Tales by light
Esta serie patrocinada por Canon cuenta con una temporada y un total de seis capítulos. Cada uno tan atrapante como el otro. Creada por Abraham Joffe, director de fotografía galardonado internacionalmente y reconocido por sus espectaculares fotografías de naturaleza, Tales by light es un recorrido por las vidas de seis fotógrafos y fotógrafas que se especializan en diversas disciplinas.
Cada capítulo de la serie tiene una duración 23 minutos y encontrarás excelentes tips para tus propias fotografías.
ABSTRACT – Episodio 7: Platón
En primer lugar, te recomendamos ver los ocho episodios de Abstract: The art of design, porque estamos seguros que te encantará alimentarte de otras disciplinas que viven del diseño y el arte. Si quieres ir directo a la fotografía, en el episodio siete (Ep.7) encontrarás la fascinante historia de Platón, un fotógrafo griego especialista en retratos y cuyas imágenes han impactado la vida de millones de personas.
Esta serie original de Netflix es producida por Scott Dadich, Morgan Neville y Dave O’Connor y estamos seguros que despertará toda tu creatividad y te llenará de ideas.
La Sal del Mundo
Un documental imperdible es “La sal de mundo”. Vale la pena sacar 1 hora y 50 minutos de tu tiempo para acercarte al trabajo del fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño Sebastião Salgado. Este largometraje dirigido por Wim Wender y Juliano Ribeiro Salgado contiene las mejores imágenes del fotógrafo y su relato sobre sus 40 años de oficio.
Te recomendamos este documental que fue nominado a los Óscar como Mejor Largometraje Documental en 2014 y se ha proyectado en varios festivales de cine internacionales. Aquí descubrirás nuevos sentidos de la fotografía y quedarás cautovado con las imágenes de Salgado.
Chasing Ice, es una producción documental de 2012 dirigida por Jeff Orlowski y producido por la Sociedad Geográfica Nacional. En este documental seguimos al fotógrafo James Balog quien relata su aventura fotografiando el Ártico, Groenlandia, Islandia, Alaska y el Parque nacional de los Glaciares. ¿Para qué? Para mostrar los cambios climáticos en la Tierra desde el año 2005.
Si bien el centro de este documental de 75 minutos es el cambio climático, te invitamos a poner tu atención en las hazañas, propuestas y piruetas que hace James Balog para conseguir sus espectaculares imágenes. Una muestra de lo lejos que pueden llegar tus proyectos fotográficos.
McCullin – Direção: Jacqui Morris e David Morris
El fotoperiodista inglés Donald McCullin es el protagonista de este documental dirigido por Jacqui Morris y David Morris. Estrenado en el 2012, McCullin es un homenaje al trabajo de un hombre que ha inspirado a millones de fotógrafos en el mundo. Sin duda, este documental capta las razones por las cuales Don McCullin es un referente en la fotografía de guerra.
Te aseguramos que estarás totalmente atrapado durante los 90 minutos que dura este documental y tendrás una mirada más humana del fotógrafo, su cámara y todos los acontecimientos que pasan frente a su lente.
Estas son las recomendaciones que te traemos en Fotógrafo No Fotógrafo para seguir cultivando la pasión por la fotografía. También te damos un tip extra: varios de los documentales están disponibles en otras plataformas de vídeo como YouTube y Vimeo. ¡Esperamos que te guste esta selección! Y si tienes otras recomendaciones te invitamos publicarlas en los comentarios de este post y en nuestras redes sociales @NoFotografo en Twitter y FotografoNF en Facebook.
Iniciamos el 2017 con nuevas historias de hombres y mujeres detrás del lente. Personas que han decidido encaminar su vida en la fotografía. Charlas que indagan en la vida de los fotógrafos y fotógrafas lejos del afán que vivimos a diario y nos llevan a conocer el sentido de sus imágenes.
En esta ocasión nuestro invitado es Juan Arredondo, un joven fotógrafo que abandonó la comodidad de su trabajo como químico en Estados Unidos para recorrer con su cámara las veredas, los pueblos y las ciudades de América Latina, especialmente de Colombia.
Fotógrafo de trabajos de largo aliento, metódico como en su profesión de químico a la hora de obturar e interesado en temas sociales. Aprendiz de Eugene Richard y Lori Grinker, reconocidos fotógrafos estadounidenses, de quienes aprendió sobre la honestidad a la hora de fotografiar y el gusto por los lentes gran angulares.
Sus reportajes gráficos lo han llevado a trabajar con reconocidos medios de comunicación como The New York Times, organizaciones como el Comité Internacional de la Cruz Roja y ha sido galardonado en múltiples ocasiones por sus historias, el más reciente es ICRC Humanitarian Visa d’or award en 2016. Con él hablamos sobre la relación fotógrafo-editor, su opinión sobre la fotografía en los medios de comunicación colombianos y sus reportajes más reconocidos como BarrioTriste y Nacidos en el conflicto: los niños soldados en Colombia.
Pag 58 Segunda Calle Real – Libro Bogotá 1900 publicado por Villegas Editores
Viajar en el tiempo, ir al pasado más de 110 años, reconocer que las calles que hoy caminamos tuvieron una historia que muchos desconocemos, revivir la historia a través de fotografías. Esto es lo que hacemos con Bogotá 1900, una publicación de colección que llegó a nuestras manos gracias a Villegas Editores.
Un libro que narra visual y textualmente el desarrollo de la capital colombiana a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, y que fue recientemente galardonado con el Primer lugar como Mejor Libro de Arte de los International Latino Book Awards 2016.
Dirigido por Benjamín Villegas,esta publicación recoge más de 100 imágenes realizadas por el fotógrafo Henri Duperly, un viaje fascinante por la memoria visual de la ciudad de Bogotá. El libro Bogotá 1900, nos lleva a recorrer el camino de este hombre por plazas, parques y lugares donde se desarrolla la vida de la ciudad.
Antes de iniciar este viaje visual es necesario saber quién es Henry Duperly: la historia del apellido Duperly nace en Francia y recorre varios países entre ellos Jamaica, Panamá y finalmente Colombia, donde llegaría en 1894 Henri Louis Duperly con el negocio de la fotografía y fundaría el estudio fotográfico Duperly & Son, convirtiéndose en representante de Kodak en la ciudad de Bogotá.
Portada y contraportada Libro Bogotá 1900 publicado por Villegas Editores
Duperly, quien podría haberse quedado con el trabajo bien remunerado de su estudio, decidió ir más allá y salir a capturar fotografías de una capital que, como se reseña en libro, “era una ciudad en mutación” y en la que prefirió hacer un esfuerzo adicional para dejar una historia del acelerado cambio que iba teniendo la metrópoli.
Hoja tras hoja de este viaje por la historia nos acompañan las reseñas y comentarios de Fabio Roberto Zambrano, quien enriquece con sus palabras el contenido de las imágenes. Así, leer este libro es como encontrarse ante un álbum fotográfico narrado página por página.
Observar la carrera séptima o en ese momento La Calle Real del Comercio, ver los inicios en la construcción del Congreso de la República, las plazas de mercado, ver la cotidianidad de hombres y mujeres que portaban ruana y sombrero o algunos frac, reconocer el pasado y tratar de encontrar sus similitudes con el presente son una tarea que podemos realizar en Bogotá 1900.
Duperly caminó la Bogotá que iba floreciendo económica y socialmente, una ciudad de no más de 100 mil habitantes que empezaba a crear empresas, a mejorar sus sistemas de servicios públicos y el transporte. Fue un hombre que documentó el incendio de las Galerías de Arrubla o el episodio del primer hombre que atravesó el salto del Tequendama sobre una cuerda floja. Su fotografía responde a la de un observador que dejó huella de la historia bogotana.
Pag 45 –iglesia o Ermita de Las Nieves – Libro Bogotá 1900 publicado por Villegas Editores
Quienes viven o han pasado alguna vez por Bogotá se podrán identificar en estos espacios fotografiados hace más de 110 años. De allí la importancia de la herencia de Duperly y la reflexión sobre la necesidad de cuidar y preservar el papel, los archivos y el legado fotográfico que construimos día a día. Te puede interesar Efraín Gómez: el artesano de la fotografía
Sus imágenes en duotono son principalmente planos generales, fotos espontáneas donde la emotividad no tiene cabida, composiciones precisas en las que predomina su trabajo de calle. Duperly fue reconocido por ser un pionero en la técnica fotográfica y estar a la vanguardia, así nos lo deja ver en la impresionante fotografía panorámica de los barrios Egipto y Belén realizada en 1895, un trabajo difícil de lograr en ese momento.
Pag 80,81 y 82 vista panorámica de Bogotá, barrios Egipto y Belén, 1895 – Libro Bogotá 1900 publicado por Villegas Editores
Al llegar a la última hoja de este recorrido encontramos un retrato de Henry Duperly, un fotógrafo que no imaginó que sus imágenes cautivarían hoy, luego de más de de 110 años, a fotógrafos, historiadores, sociólogos, arquitectos y a todas las personas que quieran conocer el pasado bogotano. Ver: Revuelta(s), un recorrido visual por la fotografía latinoamericana
Desde Fotógrafo No Fotógrafo, les recomendamos que continúen con su colección de imágenes y que inicien el año con Bogotá 1900, un documento fascinante y entretenido que seguramente cautivará su atención y les dará una mirada más amplia sobre la historia de la fotografía, de la ciudad y de la familia Duperly.
¡Esperamos que les guste y nos compartan sus opiniones!
La fotografía de bodas ha evolucionado con el pasar de los días, atrás ha quedado la fotografía grupal en las que todos sonreían porque el fotógrafo lo pedía, o la foto de la familia delante de la torta de bodas haciendo caras fingidas o posturas incomodas.
Ahora la fotografía de bodas es toda una profesión en el mundo, al punto que se crean seminarios, grupos, especializaciones y un sin fin de cursos y asociaciones para trabajar este tema que ha tenido un boom importante en nuestro país.
Esta evolución y por petición de varios de nuestros lectores hemos decidido abordar el tema con uno de los fotógrafos más destacados en este tipo de fotografía, su nombre es Johnny García, nacido en Extremadura España, galardonado como Fotógrafo del Año 2016, premiado en elWedding Photography Selecten Reino Unido y en el Fearless Awarden Estado Unidos.
“Solo hay que ver su trabajo para ver que ya estamos ante un nuevo cambio en la fotografía de boda en España apostando por unas fotografías de boda mas impactantes y mucho mas artísticas” palabras de la Asociación deFotógrafos de Boda España sobre Johnny García
Johnny García – Fotógrafo internacional de boda
Esto nos contó el fotógrafo de Extremadura quien con su creatividad y pasión ha logrado posicionarse como uno de los más destacados en la fotografía de bodas.
Fotógrafo No Fotógrafo: ¿Hace cuánto tiempo te dedicas a la fotografía de bodas?
Johnny García: Pues en agosto de este año, 2016, ha hecho 16 años que me dedico profesionalmente a la fotografía y con ello a la fotografía de bodas.
F.N.F : ¿Qué te atrajo de este tipo fotografía? ¿Por qué te dedicas a ella?
Pues al principio hacía de todo, boda, publicidad, prensa, moda, estudio…. el paso de los años haciendo de todo me pasó factura porque me llegué a acomodar demasiado, y quería abarcar todas las áreas fotográficas, así que la manera más fácil era hacer lo mismo siempre, es decir, no experimentaba nada nuevo, no hacía nada que saliera de mi normalidad, de mi zona de confort. Esto con el paso del tiempo me llegó a quemar, me aburría, no encontraba ningún aliciente y todo se convirtió en mera rutina. Pasé una crisis de creatividad muy grande, por un tiempo llegué a odiar la fotografía de bodas y pensé muy seriamente en dejar de hacerla. Pero una serie de circunstancias hicieron que me encontrase con compañeros por el camino que me aportaron cosas diferentes y que me animaron a seguir, haciendo que me planteara de una forma diferente el tipo de fotografía que estaba realizando. Junto a estas circunstancias se unió una formación diferente a la que había optado anteriormente y todo en conjunto me sirvió para darle prioridad a fotografiar historias de personas, que es realmente lo que me gusta. Empecé a realizar un trabajo mucho más mío, mucho más fresco, que fue lo que me apasionó de la fotografía en mis inicios, y experimentando día a día. Y ahí fue cuando empecé a darle más prioridad a las bodas. Me gusta fotografiar personas, me gusta fotografiar historias y por eso me gustan las bodas, todas ellas son historias propias llenas de personas.
F.N.F: Cuando eres contratado para hacer las fotografías de una boda ¿Cuál es el mensaje qué quieres dejar?
J.G: Las personas que me contratan me dan la posibilidad de contar desde mi mirada uno de los días más importantes de sus vidas, solo les pido que confíen en mi y que sean ellos mismos. Con mi trabajo quiero transmitir todo lo que pasa en ese gran día. Todas las historias que ese día trae consigo, las historias de cada pareja.
F.N.F: ¿Cómo es tu interacción con las parejas antes, durante y después de la boda?
J.G: Pues antes de la boda suelo hablar mucho con la pareja, intento conocerlos y que me conozcan para que el día de la boda pueda pasar lo más desapercibido posible. Ese día intento no intervenir en nada y ser un mero espectador captando lo que ocurre con mi cámara. Después de la boda la mayoría de las parejas acaban convirtiéndose en buenos amigos.
F.N.F: ¿Qué te hace diferente de otros fotógrafos de bodas?
J.G: Ufff, pues no lo se, esto lo deberían contestar las parejas que se deciden por mi y no por otros compañeros. Solo te puedo decir que le pongo mucha pasión a cada reportaje, lo doy todo con cada una de mis parejas e intento superarme día a día.
F.N.F: ¿Fue eso lo que te hizo merecedor del Premio de Fotógrafo de bodas del año en España?
Pues eso fue lo que decidió el jurado. Cuando lo recibí pensé si realmente me lo merecía con el buen trabajo que están realizando los demás compañeros, y aún lo sigo pensando. La verdad es que lo comparto con todos ellos, entre todos creo que estamos haciendo que esta profesión poco a poco se vea más reconocida.
F.N.F: ¿Trabajas solo o en equipo?
J.G: Desde hace dos años trabajamos en equipo. Anteriormente trabajaba solo, pero las cosas en equipo siempre se realizan mucho mejor.
F.N.F: ¿Qué equipo utiliza para tus fotografías de bodas?
J.G: La verdad es que no me obsesiona el tema marcas, ahora mismo utilizo Canon, que es con la que me encuentro cómodo, siempre voy con dos cuerpos y desde hace un par de años con lentes fijas, 35mm, 50mm, 85mm y 135mm, el 75% de mis fotografías están realizadas con el 35mm. Uno o dos flash de mano siempre fuera de cámara y disparador via radio.
F.N.F: ¿Qué crees que ha evolucionado y cambiado en la fotografía de bodas?
J.G: Pues creo que ahora se hace un tipo de fotografía más “creible”, más real, es decir, antes el 98% de las fotografías eran posados, ahora los posados han pasado a ser sólo los de la sesión de pareja, y además es un posado mucho más natural. El resto, la mayor parte, es totalmente documental. Creo que ahora nos importa mucho más la historia de esa pareja, somos mucho más cercanos a ellas.
F.N.F: ¿Qué elementos hacen que una fotografía de bodas sea buena?
J.G: Momento, luz y composición… los tres elementos clásicos de ahora.
F.N.F: ¿Qué otros fotógrafos sigues y recomiendas ver a quienes les interesa la fotografía de bodas?
J.G: Podría dar una lista interminable, hay muchos compañeros con un nivel extraordinario ahora mismo, es imposible nombrarlos a todos. Que me hayan aportado personalmente de una manera más directa en los últimos años, bien sea por workshops, por experiencias con ellos o por empaparme de su gran trabajo recomiendo seguir a Víctor Lax, Pedro Cabrera, Mauricio Arias, Fer Juaristi, Brett Butterstien, Kevin Mullins,…. creo que soy tremendamente injusto con todos los grandes que no voy a nombrar y que merecen estar aquí. Ahora mismo hay un nivel muy muy alto en la fotografía de boda. También recomiendo seguir a grandes documentalistas, aunque no realicen bodas, a mi personalmente me aportan muchísimo con su trabajo para aplicarlo a las bodas.
F.N.F: ¿Cuál sería tu consejo para las personas que se quieren dedicar o hacer este tipo de fotografía?
J.G: Mi consejo es que sean ellos mismos, que disfruten de lo que hacen. Que se formen de la manera que sea, pero que estén aprendiendo continuamente, que no se acomoden, que experimenten, que sean honestos y humildes siempre, y a la vez que trabajen mucho mucho, este es uno de los géneros más difíciles de realizar y dominar.
Cuando alguien se encuentra frente a una fotografía de Andrés Serrano no sabe muy bien cómo apreciarlas, cómo entenderlas. Algunos críticos lo han considerado el artista que ve lo hermoso en todo aquello que pareciera ya no lo es, otros lo definen como irreverente, otros no le hayan sentido, muchos dicen que es un transgersor de lo establecido, de las normas, del discurso. De familia hondureña y puertorriqueña, pero criado en Estados unidos, este hombre ha realizado producciones fotográficas que van desde integrantes del Ki Klux Klan, pasando por imágenes de víctimas quemadas y personas fallecidas.
Adicionalmente, las fotografías de Serrano cuentan con la presencia de otros elementos que las hace más “intensas”. Sangre, leche materna, semen, entre otras, hacen que para muchos espectadores, este fotógrafo transgrede las normas de producción fotográfica y en algunos casos, ha sido denunciado por producir “arte ofensivo”.
Las fotos de Andrés, también han recogido otros elementos como instrumentos de tortura medievales que parecieran nada atractivas para muchos, así como retratos de víctimas de violaciones a los derechos humanos.
Serrano es famoso por capturar temas perturbadores con una reverencia sorprendente. Andrés hace que sus exposiciones estén cargadas de desafío y a su vez que quienes ven estas imágenes se sientan por un lado atraídos, por otro alterados y disgustados, pues toca temas sensibles, llenos de contenido político, religioso y social.
Aunque muchas personas lo han considerado un antireligioso, el personaje detrás de estas producciones se ha catalogado como un cristiano “a veces incomprendido”, pero que al final también es artista.
Este hombre detrás del lente que ha sido acusado de hereje y catalogado como vulgar y pervertido, ha logrado hacer exposiciones en diversos lugares del mundo, que han abierto la posibilidad a varios espectadores de encontrarse con sus fotografías de frente, en una cruda realidad plasmada sin modificaciones ni manipulación digital alguna.
Como dato final, dos de sus producciones han sido usadas en las portadas de discos de la banda Metallica. Una de ellas fue “Blood and Semen III” que está en el disco llamado Load y la segunda es la obra “Piss and Blood” se usó en ReLoad.
Efraín Gómez es un hombre que a través de los años se ha convertido en un defensor de la fotografía análoga, amante del cuarto oscuro, del negativo y de los carretes. Este laboratorista y artesano de la imagen conversó desde su lugar de creación con Fótografo No Fotógrafo.
Por más de 30 años Efraín a entregado su vida al cuarto oscuro – Foto: Gabriel Galindo
Con tan solo 12 años de edad inició su trabajo en la fotografía, primero como mensajero y después, de la mano de una de sus jefes, conoció el cuarto oscuro, ese lugar en el que se enamoraría del laboratorio químico hasta el día de hoy.
Efraín recuerda con melancolía los días que por su tienda ‘Poder Fotográfico’, ubicada en el centro de la ciudad de Bogotá, no había tiempo para descansar pues allí llegaban decenas de trabajos encargados por revistas, ministerios, fotógrafos aficionados y profesionales que lo buscaban por la perfección de su labor: “si el cliente pagó por algo hay que hacerlo muy bien”, nos dice mientras estamos bajo la luz roja del cuarto oscuro donde rememora esos días de trabajo desmedido. Sin embargo, hoy pocas personas llegan a la tienda que pasó de tener 14 empleados a sólo uno, él, quien se encarga de todos los trabajos.
Por las manos de este artesano de la imagen han pasado las fotografías de grandes fotógrafos nacionales e internacionales como Leo Matiz, Manuel H, Carlos Caicedo y Nereo López, entre otros. Recientemente el fotógrafo estadounidense Stephen Ferry, trabajó de la mano de Efraín en el revelado de ‘Violentología’, libro que documenta el conflicto interno armado en Colombia.
Efraín nos enseña la foto de uno de sus amigos, Leo Matiz – Foto: Gabriel Galindo
Efraín Gómez también es un critico de la inmediatez de la fotografía digital y de las escuelas de la imagen: “las academias no quieren hacer nada, no quieren comprar químicos, no quieren comprar equipos y no le quieren pagar a fotógrafos buenos. Y no van a tener fotógrafos buenos en las universidades porque los grandes fotógrafos no fueron a la academia, ellos se hicieron solos… trabajando”, sostiene con firmeza.
Al taller de Efraín llegan los amigos a hablar de fotografía y tomarse un café – Foto: Gabriel Galindo
“Con una cámara de película hay que pensar, hay que exponer, hay que encuadrar, hay que medir y sobre todo, hay que pensar”, es una de las enseñanzas que nos regala Efraín y con la cual les invitamos a ver este corto documental sobre el trabajo de un hombre que a través de los años, y pese a las grandes dificultades económicas, le apuesta su vida entera a la fotografía análoga.
