Montañero, nace de una inquietud del fotógrafo por retratar la Bogotá periférica, una búsqueda de la ciudad que se levanta en lo alto de las montañas, historias que reflejan la cotidianidad de los habitantes y el entornó de los barrios. Cristiam David logra transmitir a través de esta historia la cercanía con los personajes fotografiados y la belleza de una capital que también es rural.
En una salida de practica surge la inquietud de hacer un retrato de Bogotá en su intimidad más profunda, esa Bogotá anónima, periférica, los barrios, las esquinas calientas como el pan de la mañana, eso que está más allá de la visión central a la que estamos acostumbrados los fotógrafos; Las uñas y el mugre, cada pelo, las rodillas y los pies cansados de subir montañas todos los días; el páramo, los miradores y el horizonte infinito como la cotidianidad de mucha gente de la ciudad.
Es una exploración, un descubrir incesante en el fondo de sus calles, una encrucijada que voy descifrando a través del lente, quitar el estigma de inseguridad que poseen muchas zonas de la ciudad y mostrar su belleza, la cotidianidad de sus habitantes, la naturaleza que rodeo la urbe.
Caminar la montaña me ha abierto muchos caminos viendo los procesos que la gente está llevando en las periferias en busca de una mejor convivencia, gracias a este proyecto empece a apasionarme por la docencia barrial, llevar el conocimiento a la gente del común, el medio para que ellos puedan expresar lo que sientan.
Mi nombres es Cristiam David Estupiñan Rodríguez, tengo 23 años, soy Fotógrafo hace unos ocho años, hace tres años soy técnico en el arte del lente y desde ahí me he venido enriqueciendo empíricamente con procesos
artísticos más plásticos: pintura, graffiti, grabado. Apasionado por la alquimia fotográfica y el aprendizaje voluntario.
¿Quieres presentar tus trabajos en FNF? escríbenos a fotografonofotografo@gmail.com
En septiembre la capital del estado de Tiwanacota, ubicada a 15 km al sudeste del lago Titicaca en Bolivia, se viste de fiesta con la famosa “Balseada” actividad que se desarrolla sobre las ancestrales balsas de Totora en la Laguna Verde.
Esta festividad que reúne a pobladores y visitantes, se realiza en honor al Señor de la Exaltación, patrono de “Preste Mayor” en Tiwanacu. En este día los “pasantes”, es decir, los encargados de la fiesta, realizan el paseo por la laguna al son de la “morenada”, una danza folclórica representativa de la cultura boliviana.
Miles de creyentes, como es el caso de don René “Cuchillo” Ríos, quien a sus 85 años sigue siendo participante de esta celebración, llega para mantener viva esta tradición.
Carlos Héctor Sánchez Navas, nacido en Chuquisaca, Bolivia, fotógrafo y Comunicador Social, dedicado al área del fotoperiodismo. Es graduado de la carrera de Comunicación Social de la Universidad Católica Boliviana (UCB). Hizo especializaciones en “Fotografía de autor” con una beca de la escuela SubCooperativa (Argentina) y en “Fotoperiodismo y reportaje” en la escuela EFTI (España). Ha ganado premios organizados por el Goethe institut “Valor de la imagen” (2012), Freddy Alborta (2013, 2014) y la Embajada Francesa (2016).
Ha trabajado siete años en medios nacionales. Inicialmente en los matutinos La Prensa, Alarma y El Alteño. Posteriormente forma parte de la Agencia AFKA publicando su trabajo a nivel nacional. Colaboraciones en agencias APG (local) y Reuters (Internacional). Y apariciones en Revistas: Jiwaki, Bolivian Express, BEX Magazine, Demotix, VICE Colombia, Ampolleta Roja, LacraZine, Phmuseum.
Miembro de la Agencia Prismo (Bolivia), integra el Colectivo Fotográfico “SinMotivo” y el movimiento fotográfico “Que Rato Me Hayan Sacado Foto”.
Actualmente enfocado a encargos fotoperiodísticos y a proyectos personales con interés en la fotografía social.
En el año 2016 Colombia firmaba el Acuerdo Final entre la guerrilla de las FARC y el Gobierno nacional, un hecho histórico para el país y el mundo. Miles de hombres y mujeres pasaban de la lucha armada a lucha con la palabra y los argumentos. En ese escenario, Malcolm Linton, fotógrafo británico-estadounidense, decide adentrarse a los campamentos donde los integrantes de la guerrilla esperaban el final de los diálogos y el cumplimiento de este Acuerdo.
Metamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz, es el título que Malcom dio a su libro. Un nombre que nace del relato de Franz Kafka y de la búsqueda de una palabra que se escribiera y tuviera un significado similar en inglés y en español. Esta publicación busca presentar a los excombatientes como lo que son: personas con sentimientos y emociones, que aman, que lloran, que tienen un anhelo de paz. Sus imágenes cuentan la cotidianidad en los campamentos y ese tránsito hacia la vida civil.
Sin fotos posadas y con gran respeto por la persona fotografiada, Malcom logró ganarse la confianza de estos hombres y mujeres. Se trata de un trabajo sincero que revela la cercanía con los sujetos y que solo se consigue con el tiempo y el diálogo constante.
“Es un trabajo que pretende modificar las preconcepciones de los opositores de la paz” señala el autor en la introducción que acompaña el libro y que busca mostrar que los “únicos monstruos son criaturas de la retórica y no de la realidad“.
La esperanza de la paz y el optimismo porque el Acuerdo de Paz se cumpliera, lograron contagiar al autor del libro. Sin embargo, hoy estos sentimientos se desmoronan debido a las situaciones que han venido viviendo los excombatientes: en menos de tres años, 130 de estos hombres y mujeres que entregaron las armas y buscaban la reconciliación, han sido asesinados.
Portada Metamorfosis: Guerrilleros en busca de paz
En esta entrevista de Fotógrafo No Fotógrafo recorremos fragmentos de la vida de Malcom Linton como fotógrafo, sus búsquedas, su apuesta por los temas sociales en sus historias y cómo realizó el libroMetamorfosis: Guerrilleros en busca de la paz,publicación editada e impresa por Villegas y Editores.
Le damos la bienvenida a una nueva historia en FNF
Estamos a pocas horas de que se abra uno de los más reconocidos concursos de fotografía documental en Iberoaméricana, el POY Latam, concurso bianual que nació en el año 2011 y este año llega a su versión número cinco, un espacio que tiene por misión “conectar a los artistas visuales y construir comunidades a través de concursos, exhibiciones, publicaciones y oportunidades educativas”
El POY Latam 2019 que será juzgado en la ciudad de Quito, Ecuador, abre sus puertas para que fotógrafos participen con sus propuestas documentales en diferentes categorías y en diferentes formatos entre los que se encuentra multimedia y libros. Algo muy importante del certamen es que no tiene costo. Las inscripciones se abren este lunes 18 e irán hasta el 21 de abril, y finalmente serán juzgados del 6 al 10 de mayo en Quito, Ecuador.
Los trabajos presentados a concurso deben haber sido realizados en los últimos 24 meses.
Las imágenes sólo deben ser presentadas como archivos .jpg
El tamaño mínimo es de 3.000 pixeles de alto o ancho
Premios
Fotógrafo iberamericano del Año: Mil dólares pagados directamente por el POY de Estados Unidos y ganadores de las demás categorías: certificados envíados digitalmente
Categorías:
01 Vida cotidiana (individual) – Una imagen natural no posada, que refleje la experiencia humana, la cultura o celebre la vida. El respeto a la dignidad del sujeto es esencial.
02 Vida cotidiana (serie) – Hasta diez imágenes no posadas que reflejen la experiencia humana, la cultura o celebren la vida. El respeto a la dignidad del sujeto es esencial.
03 Noticias (individual) – Una fotografía de un hecho noticioso o de un tema social de actualidad.
04 Noticias (serie) – Una serie de hasta diez fotografías de un hecho noticioso o de tema social de actualidad.
05 Retrato (individual) – Una fotografía posada de una o varias personas que revelen su esencia o su personalidad.
06 Retrato (serie) – Una serie de hasta diez retratos de personas o grupos de personas que revelen su esencia o su personalidad.
07 Deportes (individual) – Una fotografía que capture un momento cumbre en un deporte individual o colectivo, que promueva el aprecio por el deporte o celebre el papel que juega el deporte en la vida de los deportistas profesionales, aficionados o el público.
08 Deportes (serie) – Una serie de hasta diez imágenes que capture un momento cumbre en un deporte individual o colectivo, que promueva el aprecio por el deporte o celebre el papel que juega el deporte en la vida de los deportistas profesionales, aficionados o el público.
09 Los jóvenes se expresan (serie) – Una serie de hasta diez fotos que documente las diversas maneras que tienen los jóvenes de expresar su cultura, sus deseos, sus sueños, y también sus frustraciones. Los jóvenes están buscando alternativas – la música, el arte urbano, la militancia, la protesta, la espiritualidad– ante una sociedad que no los comprende o integra plenamente.
10 Los movimientos migratorios (serie) Una historia o ensayo de hasta diez fotos que documente el impacto de las migraciones humanas entre países o regiones. Puede ser una historias sobre el drama de los desplazados o los refugiados, pero también un ensayo sobre algún aspecto positivo de la migración.
11 La fuerza de las mujeres (serie) Un ensayo de hasta diez imágenes que documente la situación de la mujer en Iberoamérica, en la época del #niunamas y el #metoo. Esta categoría está abierta solamente a mujeres fotógrafas. Se incluye un amplio rango de temas como la igualdad, la violencia, las expectativa de belleza, los nuevos roles de la mujer, la celebración de lo femenino, la política, la espiritualidad, el feminismo, el liderazgo.
12 El futuro de las ciudades (serie) Una serie de hasta diez imágenes que trate sobre los procesos de urbanización en Iberoamérica y los retos que enfrentan las personas de todas las clases sociales que habitan las ciudades. Esta categoría incluye temas urbanos como el diseño del espacio público, el crecimiento, el desarrollo de las áreas rurales, el transporte público, como también temas sociales como la seguridad, la inclusión, la riqueza y la pobreza extremas, la situación de los niños y los adultos mayores, o los retos que amenazan a la clase media.
13 El premio Nuestra Mirada (serie) – Esta categoría especial de hasta diez imágenes premia a los trabajos documentales o artísticos que reflexionen sobre quiénes sómos y de dónde venimos. Esta categoría es la única en la que las fotos pueden haber sido tomadas en cualquier momento y también la única que acepta manipulaciones reales o digitales, siempre que estén justificadas conceptualmente. La creatividad, el concepto, la estética, la profundidad y el valor artístico o documental tendrán especial importancia. Está prohibido presentar ensayos que ya han sido presentados en ediciones anteriores del POY Latam.
14 Premio Carolina Hidalgo Vivar de Medio Ambiente (serie) – Esta categoría especial premia un ensayo fotográfico de hasta diez fotos que expanda nuestra comprensión o aprecio por la naturaleza. Una amplia gama de temas serán considerados, por ejemplo la devastación de la naturaleza causada por el hombre, las consecuencias de la minería o la industria, las múltiples maneras en las que el hombre se relaciona con su medio ambiente, la exaltación de la belleza de la naturaleza o la documentación de su poder destructivo. Este ensayo honra la memoria de Carolina Hidalgo Vivar, una joven arquitecta del paisaje que amaba profundamente la naturaleza.
15 El fotógrafo iberoamericano del Año (portafolio)- Esta categoría especial está abierta para todos los fotógrafos. Presente un máximo de cuarenta (40) fotografías. Un portafolio debe ser diverso y debe incluir al menos cuatro fotografías individuales y dos ensayos fotográficos. Las fotos individuales dentro de este portafolio no deben ser repetidas en los ensayos. Organice el portafolio con las fotos individuales primero, seguidas por los ensayos. Inserte una imagen negra (.jpg) al principio de cada ensayo para separarlos. No se debe incluir ningún texto en estos separadores. Los fotógrafos deben presentar las fotos sueltas y los ensayos en otras categorías para que los jueces se familiaricen con el trabajo. POY Latam no sacará fotos de una categoría para incluirla en otra. Si quiere participar en otras categorías tiene que presentar archivos duplicados. Este portafolio debe incluir trabajo publicado o creado en los últimos veinticuatro meses.
16 Multimedia (video corto).- una narrativa visual de menos de 5 minutos en video.
17 Multimedia (video de mediana duración).- una narrativa visual de 5’ a 20’ en video.
18 Multimedia (web) – Un sitio interactivo o una página web que ofrezca una potente narrativa visual, y que use video, fotografía, diseño o infografía en un contexto periodístico.
19 El mejor libro de fotografía (libro) – Los libros presentados a concurso deben contener fotografía documental y deben haber sido publicados en los 24 meses anteriores al cierre del concurso. Las imágenes pueden ser el trabajo de uno o varios fotógrafos.
Con información de poylatam, conozca toda la información aquí
Foto de portada: Tomás Munita, fotógrafo del año 2013
¡Seguimos conociendo la historia de fotógrafos y fotógrafas en el mundo! En esta ocasión llegamos hasta México para hablar con un maestro de la fotografía documental y de la reportería gráfica: Pedro Valtierra. Un hombre reconocido en Latinoamerica y el mundo por sus reportajes y por ser el fundador y director de la agencia y Revista Cuarto Oscuro.
Por más de 43 años este fotógrafo, nacido en Fresnillo, Zacatecas, ha visto a través de su lente los cambios sociales que han marcado la historia de los países centroamericanos, ha trabajado como director de fotografía en medios como La Jornada, y a través de su experiencia se ha convertido en un referente de la fotografía en México. También ha sido ganador del Premio Internacional de Periodismo Rey de España a la mejor fotografía del año. Con él tuvimos la oportunidad de hablar en esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.
¿Qué es la fotografía para Pedro Valtierra?
Pedro Valtierra, fotógrafo, director Revista Cuarto Oscuro – Foto: Gregorio Cortes
La fotografía para mí es un acto de comunicar, es una manera de informar. En mi caso particular como periodista informar de la vida, de los temas que aquejan, de los temas de la sociedad que le interesan a la sociedad, de todos los temas. El acto de fotografiar es guardar nuestros momentos para la posteridad: congelar parte de la vida. La fotografía tiene mucha significación porque forma parte de nuestra vida cotidiana como personas, como familia, pero también como sociedad, que es donde más estamos nosotros en el periodismo.
Manuel Madrigal, decía “El día que pierde el miedo a la luz ese día Pedrito va a ser fotógrafo” ¿ya perdió el miedo a la luz?
No, todavía no, ando en esas. Hay que darle el contexto a lo que Manuel Madrigal decía, y lo decía en el sentido de que uno tiene que estar aprendiendo constantemente y mientras tengas una cámara hay que aprender, en la foto a lo que más le tienes miedo a la luz, porque sin luz no hay foto.
Su trabajo durante más de 40 años se ha centrado en temas sociales, ¿cómo nace ese sentido por estas historias?
Surge de mi formación, de mi vida. Yo soy un fotógrafo que nació en Zacatecas, al norte del país, en el municipio de Fresnillo, en la sierra. Soy campesino y aprendí allí de la vida. Éramos muy acomodados, teníamos unas tierras en el norte del país y ese contacto con la naturaleza, con la gente, con los problemas, hace que uno tenga ese compromiso.
Siempre tuve interés por la política, por los temas sociales y trabajé desde muy niño. Desde los 12 años vendía periódicos en Fresnillo y pienso que eso hizo que yo tuviera interés en los temas sociales. Desde niño me dolía el tema de la marginación y de la pobreza porque en un tiempo determinado nosotros, cuando abandonamos el campo, quedamos en la miseria: nos quitaron el rancho y nos quedamos sin nada. Ocho hermanos somos, yo soy el tercero de la familia pero el primer hombre que tenía que trabajar. Pienso que de ahí puede venir el sentido.
¿Qué debe tener una foto para que Pedro Valtierra diga: “es una buena foto”?
En primer lugar que sea clara, precisa en el mensaje que está dando. Eso para mí es lo más importante, que técnicamente esté precisa y estar en el momento justo de lo que el fotógrafo quiere mostrar.
¿Qué busca Pedro Valtierra cuando hace una fotografía?
Yo siempre busco que la foto tenga los elementos que quiero transmitir, que cuente, que diga, que resulte una foto, no bonita, sino que nos cuente. Eso es lo que busco.
“Busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver”
Yo camino mucho, que esa es una de las necesidades de los fotógrafos: tienen que caminar, estar viendo por todos lado. Busco eso, busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver la foto, eso es lo que quiero. Pero no se logra fácil. Yo pienso que es muy complicado, sufre uno mucho como fotógrafo, además yo suelo ser duro conmigo, no siempre me gusta lo que hago.
¿Hay alguna foto que haya sufrido para hacerla y luego que la hizo, dijo: “esta es la foto”?
Sí, hay varias fotos. Por ejemplo hay unas fotos de unos mineros en Pachuca, en 1985, es una fotografía de una huelga, bueno, son varias fotos. Nosotros llegamos tarde con la reportera al evento: el evento empezaba a las 7:00 a.m y a la huelga llegamos a las 7:15 porque no conocíamos muy bien la ciudad. Llegamos tarde y entonces con la presión de que eran 3.000 mineros desnudos antes de entrar a la mina estaba muy preocupado de conseguir la foto que sintetizara el tema, y en aquellos años pues no la veías en la pantalla, tenías que regresar a revelar y todo ese tiempo se sufre mucho porque no sabes cómo va a salir la foto. Ya cuando ves el revelado y la foto que está bien, hay una enorme satisfacción.
La cotidianidad es un tema recurrente en la revista Cuarto Oscuro y en su fotografía, ¿por qué el interés?
A mí me encanta la calle, soy un hombre de la calle. Mi amigo Héctor García, maestro, decía que él era un “pata de perro”, era mi maestro para andar de un lado para el otro.
Me gusta ver a la gente en la calle, la expresión. No es fácil ahora hacer fotos en la calle, es complicado por la onda de la inseguridad y toda la violencia, pero me apasiona. Para mí, la vida está en la calle.
“Es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo”
¿De qué alimenta su cultura visual?
Una de las cosas que hago siempre es leer los periódicos, todavía soy de la vieja escuela que compra un periódico y lo lee todo hasta que se acaba, eso es muy importante. Otra de las maneras de alimentarte es leyendo, leyendo poesía, novela, temas de actualidad, la plática y la conversación con los amigos. Siempre estoy pensando en foto y casi todo cuando hablas con la gente lo traduces a qué foto puedes hacer. Yo me alimento de esa manera, pero también es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo.
Portada Cuarto Oscuro – Dic 2018
Cuarto Oscuro: agencia y revista
¿Cómo nace Cuarto Oscuro? ¿De dónde surge la idea de crear la agencia y posteriormente la revista?
Primero tuve otro proyecto que fracasó, una agencia que se llamó Imagen Latina en 1984, la fundé el día que salí de 1+1, como una cosa simbólica. Esa agencia funcionó poco tiempo.
La idea de hacer una agencia nace en mis viajes a Centroamerica: Nicaragua, El Salvador, Guatemala ,Honduras, Costa Rica, Panamá. Allí me tocó conocer a muchos periodistas, hoy famosos, como Susan Meiselas, James Nachtwey, Christopher Morris; muchos personajes que me tocó conocer jóvenes en esa época, eso ya hace 40 años. Empecé a conocer cómo trabajan ellos, casi todos eran de agencias independientes como Magnum, Sipa y otras agencias, y de ahí me surgió la idea de hacer una agencia. Aquí en México estaba la agencia de los hermanos Mayo y Héctor García tenía su propia agencia, él estaba sólo con su mujer, María.
Entonces a mí me surgió desde ahí la idea de hacerlo, un poco antes de que se fundara el diario La Jornada, así nace la idea de hacer una agencia con la finalidad de ser fotógrafo independiente. Osea, tú sabes que uno como fotógrafo siempre aspira a hacer sus reportajes, a tener toda la libertad de trabajar en temas que te interesen y así fue como surgió la idea de hacer Cuarto Oscuro. Primero fue la agencia, que no había en ese entonces mercado, era muy complicado. En ese momento los periódicos de México no tenían la cultura de comprarle fotos a una agencia. Empezamos con esta idea en 1984 con Imagen Latina y luego en 1986 con Cuarto Oscuro y afortunadamente se dieron condiciones políticas importantes: estaba la protesta aquella del ingeniero Cárdenas, el movimiento democrático, iniciaba un país distinto y eso dio pie a que nosotros tuviéramos fotografías importantes para los periódicos de los estados. Así fue como empezó, la idea original es haber convivido con los fotógrafos en Centroamérica, pero también tener relación con los Mayo y con el maestro Manuel Madrigal.
Han pasado 25 años del nacimiento de Cuarto Oscuro, ¿ha cambiado su objetivo o se ha transformado con el tiempo?
La agencia tiene 32 años y la Revista 25 años, ¿cómo ha cambiado?, primero, la revista nació con 24 páginas hoy tenemos 88 páginas; cuesta mucho trabajo hacerla, pero ya tenemos tantos años que, aunque estamos preocupados, no la podemos cerrar o no podemos hacer otra cosa. Tenemos que mantenernos ahí siempre y está saliendo bimestral, a cada dos meses.
“Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares. “
La fotografía y los medios de comunicación
Los fotógrafos anteriormente tenían una posición política, algunos eran militantes de partidos o movimientos políticos, hoy se dice que el fotógrafo que entra a un medio tiene que ser objetivo o neutral, ¿qué piensa de eso en la reportería gráfica?
Yo creo que eso de ser objetivo es complicado, tienes que intentar ser objetivo y ser imparcial. Creo que no tienes que ser militante de ninguna organización, no puedes ser periodista militante, o bien lo haces en un periódico del partido o de la organización. Pero yo soy de los que creen que los periodistas tienen que estar absolutamente libres de estar en una organización política o social porque sino, de esa manera, tu trabajo se contamina. Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares.
La objetividad es un tema complicado, un tema difícil, pero yo sí creo, en principio, que tienes que ser lo más imparcial que puedas, sobre todo en el caso de los periodistas y nuestro trabajo tiene que estar libre de esa contaminación.
¿Qué lectura tiene de la fotografía de prensa al día de hoy? ¿ha mejorado, ha empeorado o sigue igual?
Yo pienso que ha mejorado para los medios mexicanos. Hay una un avance significativo en cuanto a la producción, se ha abierto un poco más el espacio, los mismos tiempos se lo piden; pero los medios mexicanos ponen poco interés en la calidad, están mucho sobre la nota del día, pero no trabajan con los fotógrafos en cuanto a la orientación, a la forma de retratar. Yo pienso que hay un avance importante en la calidad de los fotógrafos y un ligero retroceso en cuanto a la utilización de esas buenas fotografías de los fotógrafos mexicanos.
“El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto”
Durante varios años de su vida ha estado cercano a los diarios de prensa como editor y ahora en la revista, cuéntenos ¿qué hace a un buen editor? y ¿cuál es su tarea más allá de ver las fotografías?
El trabajo del editor es un trabajo de mucho sufrimiento. El trabajo es ver las mejores fotos, editar, tratar de contar con las fotos la historia, pero al mismo tiempo el trabajo del editor va más allá de hacer esta primera selección. Consiste en darle seguimiento a la publicación de las imágenes, al espacio donde van a ir en la página y todo eso.
Nosotros en La Jornadapusimos un nuevo criterio, una nueva forma de trabajar en la que el editor no solamente proponía las fotos sino que también le daba, en la medida de lo posible, el espacio y el lugar a la fotografía. Ahí tuvimos enormes problemas con los diseñadores porque tenemos puntos de vista diferentes. Yo creo que el editor debe estar sujeto a la calidad de la foto y hacerla lucir, y siento que muchos editores y muchos diseñadores en el caso de México no lucen las fotos, siempre las dañan porque el diseñador piensa de otra manera.
El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto.
“La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón…”
Hace 40 años el único medio para mostrar el trabajo eran los periódicos o las revistas, hoy con las redes sociales y el internet eso ha cambiado ¿esto ha significado un avance o un retroceso para la fotografía?
Hay de las dos, un avance en el sentido de que la foto hoy está en más lugares, la ven más personas. Hoy es mucho más fácil mandar la fotografía, es mucho más fácil hacer la fotografía técnicamente, pero eso no significa que sean mejores imágenes. Sí hay que tener claro que la tecnología es una herramienta que nos ayuda a mejorar ciertas cosas, pero no es garantía de hacer buenas fotos.
La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón, la sigues haciendo con lo que traes en la cabeza, con tus ideas, con tus conceptos y la herramienta es un aparato solamente. Yo le puedo dar a un reportero un Montblanc y eso no significa que va hacer buenos reportajes. No debemos perder de rumbo que la tecnología es algo que no podemos despreciar, que tiene muchos avances importantes, pero aquí lo más importante para los que estamos más involucrados con la fotografía es procurar usar las herramientas para hacer buenas fotografías.
Hay ventajas que nos trae la tecnología, también muchas desventajas, una de las enormes desventajas y que a mí me duele, no porque quiera al pasado y añore el pasado, sino porque la historia se está perdiendo, la historia se va a perder. Nosotros en Cuarto Oscuro tenemos muchos negativos, los archivos del pasado fotográfico, y ahora con la foto digital los archivos de pronto desaparecen, no es fácil guardar las fotos o si se van a guardar con el tiempo no hay seguridad de que vayan a perdurar.
Para concluir, lo más importante de la foto, de la creación en general, es que lo hagas con el corazón, como lo dijo Bresson y como lo han dicho otras personas: hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados.
Para finalizar…
La educación ha sido un espacio en el que Pedro Valtierra ha estado durante años. Hoy, por su trabajo y por su vida en la fotografía, se ha ganado el título de Maestro. ¿cuáles son los consejos o mensajes que quiere transmitir a través de la enseñanza de la fotografía?
En primer lugar que se autocritiquen. En segundo lugar que piensen ¿cuántos zapatos se acabó Cartier Bresson antes de ver las fotos? Tomar pocas fotos, caminar, no limitarse en cuanto a la creación, tener seguridad, ir al cine, sentirse los directores de cine en cada película que vean, ver la composición y ver las reglas. Pensar que nosotros somos los que estamos armando en la calle esos escenarios.
También invitarlos a la lectura, no solamente de los periódicos, hay necesidad de que lean otro tipo de cosas. Que trabajen con un lente 50mm., nosotros teníamos eso como una norma en Cuarto Oscuro: les pedimos que trabajen con un lente 50mm, eso los obliga a moverse mucho, porque si le das un gran angular facilitas el aprendizaje. Con un lente 50mm te va obligar a alejarte, a volverte más creativo.
Para finalizar, para las personas que no están en México, ¿cuáles son los tres fotógrafos o fotógrafas del país que nos recomiende ver?
Una de ellas es Graciela Iturbide, una de las fotógrafas más importantes mexicanas; Nacho López, un fotógrafo que para mí es fundamental en la historia del país; y el maestro Enrique Metinides, un fotógrafo que trabajó 50 años en la policía y hoy es muy famoso en Europa.
¿Cuál es su consejo para los Fotógrafos No Fotógrafos?
Que salgan a la calle, que observen, que hagan pocas fotos. Sí es necesario, tomar algunas clases de fotografía, pero básicamente trabajar mucho. En cualquier oficio si se quiere ser bueno hay que dedicar mucho tiempo, mucha dedicación para poder destacar, se requiere de un trabajo y de una autocrítica permanente.
Nuestra tarea por seguir conociendo historias de fotógrafos y fotógrafas no se detiene, en esta ocasión entramos a la casa de Viviana Peretti, fotógrafa y antropóloga italiana que durante más de 10 años ha vivido y recorrido Colombia para desarrollar sus trabajos.
“Ser fotógrafo es desnudarse uno y a menudo no es un trabajo que tiene que ver con el cerebro, sino que tiene que ver con otro tipo de emociones que están ubicadas en otro lugar del cuerpo”
En la primera parte de este diálogo conoceremos cómo llega Viviana a la fotografía, una historia que inicia con un poco de suerte y mucha pasión por aprender e ir mejorando la técnica y el concepto en su fotografía.
Desde sus primeros años como fotógrafa hasta hoy, Viviana Peretti, ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos el 1er puesto en la categoría Arte y Cultura del “Sony World Photography Awards“, el “American Photography 30″; y ha sido seleccionada en el “Taylor Wessing Photographic Portrait Prize”. Al tiempo que su nombre resuena en estos importantes espacios internacionales, Viviana se ha desempeñado como docente en varias universidades en Colombia. Asimismo, sus trabajos han sido expuestos en Nueva York, Roma, México y Colombia entre otros lugares.
“Me estoy contando, llevo años en tratar de descubrirme… Hay mucho intento de descubrir los demonios que tenemos” Viviana Peretti
Hands – Viviana Peretti
En esta nueva entrega de #EntrevistasFNF, tendremos una encantadora charla en la que nos conoceremos el sentido de los trabajos de Peretti y la opinión que tiene sobre diversos temas como el papel de las fotógrafas en la actualidad y la critica que mantiene sobre la fotografía en los medios impresos en Colombia. Y al final nos dejará un excelente mensaje para seguir cultivando nuestra pasión por la fotografía.
No escribimos más y te invitamos a dar play y dejar tus comentarios sobre esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.
Llega al cine la historia de Jesús Abad Colorado, fotógrafo antioqueño que se ha convertido en testigo del conflicto armado colombiano a través de sus fotografías e historias.
Las imágenes en blanco y negro del reportero gráfico, que ha recorrido el país por más de 25 años retratando la Colombia rural, campesina, negra e indígena y que ha dado protagonismo a las víctimas, estará en las salas desde el próximo 25 de octubre, gracias al trabajo de la directora británica Kate Horne.
“El testigo (Cain y Abel)“ es el nombre del documental que narra en voz del mismo Abad, de personas que han sido capturadas por su lente y de su archivo fotográfico, su vida, obra y compromiso con la memoria, las víctimas y el país.
Para Horne, el mensaje Abad es más que una mirada de país. “El suyo es un mensaje universal de la necesidad de perdonar como individuo y como sociedad”.
Sinopsis: Los asesinatos de su familia en la zona rural de Colombia podrían haber inspirado a un joven Jesús Abad Colorado a tomar las armas; en su lugar, compró una cámara fotográfica. Jesús dedicó los siguientes 25 años de su vida a documentar la guerra en Colombia y se convirtió en un fotoperiodista aclamado. Un año después de la firma de la paz en Colombia, Jesús va en busca de los protagonistas de sus fotografías más icónicas para explorar lo que significa perdonar los horrores del pasado. Durante este viaje, una reunión inesperada lo obligará a revivir sus pesadillas, pero también le dará un motivo para creer en una paz duradera.
El documental de 76 minutos es producido entre el Reino Unido, Perú y Colombia (Caracol Televisión) será proyectado en Cine Colombia los días 25, 26, 27 y 28 de octubre en Bogotá, Medellín, Cali, Bucaramanga, Barranquilla y Villavicencio. Manizales, Ibague, Montería, Pereira, Armenía y Cartagena.
Blog de fotografía en Colombia| Un lugar para una de nuestra pasiones, la fotografía!
Miles de creyentes, como es el caso de don René “Cuchillo” Ríos, quien a sus 85 años sigue siendo participante de esta celebración, llega para mantener viva esta tradición.
Desde sus primeros años como fotógrafa hasta hoy, Viviana Peretti, ha recibido múltiples reconocimientos, entre ellos el 1er puesto en la categoría Arte y Cultura del “
