A Walter Astrada nos los encontramos en la ciudad de Montevideo a finales del año 2017 cuando participaba en el festival de fotografía Errante, allí impartió un pequeño curso sobre “Metodologías de un reportaje” ése fue el momento donde pudimos hacerle la invitación a hablar con Fotógrafo No Fotógrafo.
En esta entrevista con Walter Astrada hablamos sobre el inicio de su vida como fotógrafo y su primer acercamiento a la fotografía. Un camino que ha sido largo y en el que se ha destacado por cubrir hechos de guerra, violaciones de derechos humanos y por mostrar realidades que viven diferentes sociedades en el mundo pero que en algunos momentos se entrelazan entre sí. Un ejemplo de ello es su trabajo sobre violencia contra la mujer al que ha dedicado varios años y por el que ha sido ampliamente reconocido.
Su dedicación y conocimiento por las historias que cubre lo han hecho ganador de varios reconocimientos, entre ellos el World Press Photo, en tres diferentes ediciones. ¿Qué significan estos premios para él? Astrada ve en estos reconocimientos el apoyo para seguir trabajando.
Un cambio en la forma de ver y de vivir historias lo llevó a cumplir un nuevo sueño: recorrer el mundo en una motocicleta, historia que planeó sin siquiera saber conducir una moto, pero que no lo detuvo en su afán de cumplir sus proyectos y que iniciaría un día como hoy, 1 de mayo del año 2015, hace tres años, en Barcelona.
Una charla llena de significados y en la que reconocemos qué impulsa a Walter Astrada a hacer una fotografía. Una conversación en la que nos habla del porqué decidió dejar de cubrir temas para agencias de noticias, cómo desarrolla sus trabajos de largo aliento y diversos consejos que nos da para fortalecer nuestro trabajo como fotógrafos que, como él lo explica, no es nada fácil pero en el que se puede avanzar si hay persistencia, compromiso e investigación.
Ya no escribimos más y los invitamos a que conozcan las historias de Walter Astrada, un fotógrafo que lleva más de 20 años como fotoperiodista y del que seguro tenemos mucho que aprender en este camino de la fotografía.
Los invitamos a compartir esta entrevista en sus redes sociales ya que es la única forma que otras personas conozcan el trabajo que hacemos en Fotógrafo No Fotógrafo y al que dedicamos toda nuestra energía para seguir cultivando entre todos y todas esta pasión por la fotografía.
Augusto De Luca, fotógrafo italiano, inició su incursión en la fotografía a mitad de los años sesenta, influenciado por fotógrafos como Bill Brandt, Irving Penn, Richard Avedon y Annie Leibovitz.
“La gran fotografía está realizada en el momento justo, pero necesita también de un corte justo que valorice ese momento… La fotografía tiene que vivir del contenido y de la forma, la que vive solo de uno de los dos no permanece… Yo tengo muchas almas, que salen fuera en ciertos meses o en años alternos. Soy fotógrafo, artista-interprete, abogado, coleccionista, músico. Todo esto forma parte de mí, no elimino nada, simplemente permito a mis diferentes almas de alternarse… Si fotografías para los demás, no vendrá fuera tu esencia, terminaras por hacer cosas que han hecho todos, solo porque sabes que gustan… A través de mis fotografías salen mis ideas, mis pasiones, mis monstruos, qué soy y qué pienso.”
De Luca, de formación en estudios clásicos y licenciado en jurisprudencia, no se ha quedado fijo en un tipo de fotografía, su trabajo se mezcla entre la fotografía tradicional y experimental, en la incursión de diversos procesos y materiales para conseguir sus fotografías que se destacan por las formas y trazos, que el describe como un proceso de uniones inspirado en la metafísica.
Enzo Avitabile – Augusto De Luca
“La geometría me sirve como gramática de lenguaje expresivo en la imagen. El esqueleto estructural, la composición y el corte geométrico sirven para dar una llave de lectura a la imagen; si no se hace como los dadaístas, que ponían las palabras en un saco y después las sacaban fuera una por una para componer una poesía.”
Sus retratos en formato cuadrado y un proceso en blanco y negro con un pequeño virado hacia el sepia destaca a las fotografías de Augusto De Luca, que tienen gran fuerza en la composición y la expresión del retratado.
Ha expuesto en galerías italianas y extranjeras, además en Museos y sedes institucionales como la Cámara de Diputados (Italia) en Roma, en diferentes Institutos de Cultura Italiana y en Sedes Universitarias en el extranjero.
James Senese – por Augusto De Luca
”Cada una de mis fotografías está filtrada por la EMOCIÓN, de la relación que se crea entre el lugar a retratar y mi mismo. Cuando veo algo que me atrae, empiezo a darle vuelta para encontrar mi encuadre. Es un trabajo sobre mí y sobre la ciudad al mismo tiempo.”
Sus fotografías aparecen en diferentes colecciones públicas y privadas como las de la Biblioteca Nacional de París, las del Archivo Fotográfico del Ayuntamiento de Roma, las de Internacional Polaroid Collection (EUA), las de la Galería Nacional de Artes Estéticas de China (Pekín) y las del Museo de la Fotografía de Charleroi (Bélgica).
Compartimos el trabajo de Augusto De Luca, quien quiso compartir con Fotógrafo No Fotógrafo una parte de su obra de más de 45 años de trabajo.
Erik Arellana Bautista, ha dedicado gran parte de su vida a la literatura, especialmente a la poesia, pero la búsqueda en expresar sus pensamientos e ideas no se quedan allí, por eso ha recurrido a la fotografía para narrar esta historia que lleva por título “Desarraigo”.
Erik Arellana – Barca de la Esperanza
Un trabajo que nace de su vivencia como exiliado en Alemania, lugar al que llegó para salvaguardar su vida y la de su familia. Hijo de Nydia Érika Bautista, militante de la guerrilla del M-19, desaparecida y asesinada por agentes del estado colombiano el 30 de agosto de 1987.
Erik, ha comprometido su vida en la defensa de los derechos humanos, en la búsqueda de verdad y justicia, ese compromiso se expresa en sus poemas y en esta ocasión en este trabajo fotografico en el que ha estado inmerso durante cuatro años.
“Tenemos como desterrados una nueva posición frente a la sociedad de acogida, frente al país, frente al mundo. Estamos en un lugar al que muchos quisieran llegar. Alemania es el sueño europeo para los refugiados de muchos países en guerra, pero que significa eso para un colombiano, un latinoamericano”.
Compartimos con ustedes las palabras de Erik Arellana sobre su trabajo.
¿Qué es Desarraigo?
Es el desprendimiento forzado de un ser vivo del lugar al que pertenece, le prosigue un camino incierto y ajeno, en donde siempre será foráneo, no importa cuánto tiempo transcurra, este fenómeno deja huellas profundas en el paisaje y en la mirada.
¿Cómo surge la idea de desarrollar esta serie fotográfica?
La idea surge de la experiencia propia de ir buscando a través de sombras y reflejos algunos referentes de los lugares por donde experimenté el exilio, la migración y el refugio. La imagen fija de los lugares por donde fueron transportados seres humanos que iban directo a campos de concentración o donde en la actualidad llegan cientos y miles de seres humanos en busca de refugio procedentes de diferentes orígenes. Este paralelismo me llevó en busca de personajes que sobreviven a las consecuencias de múltiples conflictos bélicos. Busco reflejar Humanidad tras el peso de los acontecimientos.
¿Durante cuánto tiempo ha estado desarrollando la serie “Desarraigos”?
La serie la empecé a concebir hace 4 años y nació en una estación de tren. Leí que durante el nazismo fueron deportados miles de seres a campos de concentración distribuidos en Europa mientras en las noticias se hablaba de la “crisis de refugiados”. Eso me motivo a encontrar paralelismos para a través de la imagen que congela el tiempo como lo es la fotografía cuestionar que tanto hemos evolucionado.
La poesía ha sido otra ventana para expresar su sentido de vida, ¿por qué en este trabajo prefiere la fotografía? ¿Deja de lado la poesía?
La poesía es mi vida, no puedo dejarla en ella encuentro el sentido de mi existencia. Para este trabajo recurrí a la fotografía como un lenguaje que me posibilita y me permite desde otra perspectiva dejar una huella de lo que he sido testigo – el acontecimiento- y que merece ser contado. Finalmente, la fotografía es un lenguaje universal y cuando se es extranjero o migrante el lenguaje verbal no es tan preciso y efectivo como la imagen.
¿La forma de ver del fotógrafo cambia cuando se llega a una ciudad o a un país que no es propio?
Si, definitivamente, aún recuerdo como veía a Europa durante mi primer exilio, cómo veía sus ciudades y sus habitantes, la misma tonalidad de la luz, los horarios de la luz y sus mutaciones durante las estaciones del año. Como fotógrafo si sentí y experimenté una especie de cambio en la forma de ver.
La obra parece tener un hilo conductor, inicia con fotografías de espacios en blanco y negro y posteriormente son imágenes a color con más personas en ellas ¿Cuál es la intención detrás de estos cambios?
El paso del blanco y negro al color es una metáfora del paso mismo del tiempo. Es una misma realidad en la que cambia es quien la percibe y en sus protagonistas.
Algunas de las fotografías transmiten la sensación de soledad, no hay personas en ellas, ¿es una forma de expresión del sentimiento viviendo fuera?
Es precisamente eso, no hay nadie con quien conversar, con quien dialogar, a quién pedirle orientación. Ese sentimiento de soledad es el que más fuerza tiene cuando se experimenta el desarraigo. Es la ausencia de interlocutores, de amigos, de conocidos la que va más allá del paisaje la que obliga al silencio.
En las fotografías a color de la serie la mayoría de personas que protagonizan la imagen están en la calle manifestándose ¿Cómo se relacionan estas acciones con el “desarraigo”?
Esas manifestaciones son de personas que cuestionan las condiciones que se imponen a los refugiados, a los extranjeros, en ella se ven letreros como Ninguna persona es ilegal, pues los migrantes y refugiados que no obtienen un permiso de residencia oficial son considerados Ilegales. Otras cuestionan las causas que les han obligado a abandonar sus países por las guerras en las que los gobiernos de países europeos son co-responsables por vender armamento a esos gobiernos que participan en conflictos bélicos. El desarrraigo de estas personas se expresa en las multitudes que coinciden en la reivindicación de causas justas como el derecho al refugio.
¿Por qué “Desarraigos” deja de lado los espacios privados y privilegia las fotografías de y en espacios públicos?
El espacio público es el lugar de encuentro, de tránsito y donde circulan las personas para habitar con otros seres, a una casa que representa la esfera privada e íntima de las personas se le puede negar el acceso a alguien, en la calle debería ser al contrario, pero no lo es. Muchas personas que son solicitantes de refugio tienen la movilidad restringida y no pueden habitar ni ocupar esos lugares, por esta razón es que elegí la calle y los lugares de tránsito para representar mi trabajo.
Al volver a Colombia y ver nuevamente las imágenes ¿Cuál es su sensación? ¿Cambió en algo el significado de este trabajo para usted?
Recuerdo que en el libro de Peter Weiss la estética de la resistencia, en la que dice “Yo también era extranjero en el lugar de donde provengo” y después de tres exilios, regreso a Colombia con la sensación de que internamente hay como lo afirmó García Márquez miles de personas en el exilio interno, lo que aquí llaman desplazamiento forzado, migrantes internos, desarraigados. Veo las imágenes con nostalgia y las traigo como un Souvenir para mostrar una capa de la realidad europea más profunda y dolorosa de lo que reflejan los medios. Algo así como lo que sucede en la escena de la película Los carabineros de Jean Luc Godard, en la que la experiencia se ve representada en el cúmulo de imágenes que se comparten y se conservan.
¿Cree que es una serie acabada o seguirá trabajando con “Desarraigos”?
Si, en los pocos meses desde que he regresado a Colombia he podido observar como estando dentro de estas fronteras se vive ese desarraigo y creo que seguiré alimentando la serie.
Se acerca el día en que fotógrafos, artistas, curadores, amateurs y una ciudad completa se unen para ver y vivir la fotografía, este encuentro que se realiza cada dos años en la población de San José, Uruguay, ya tiene todo listo para empezar la fiesta.
Su nombre es Festival Internacional San José Foto, evento que ha venido dando grandes pasos en la unidad de la fotografía latinoamericana y en el que este año participan fotógrafos de diversos países, entre ellos Luisa Dörr de Brasil, Federico Ríos de Colombia, Martín Bolatti de Argentina, Stephen Ferry de Estados Unidos, entre muchas y muchos más artistas destacados.
El encuentro será del 6 al 8 de abril y tendrá como tema “Vínculos“. Desde esta palabra girarán todas las actividades: revisión de portafolios, workshops, acciones educativas y feria de fotolibros, que se articularán gracias al trabajo del curador de esta 3ra edición, Nicolás Janowski. Es un evento que tiene por objetivo “llevar la fotografía al interior del Uruguay y acercarla al ciudadano de a pie, apostando por la utilización de formatos y espacios no convencionales” para conocer un poco más sobre está versión 2018 hablamos con el director del festival, Federico Estol, esto nos dijo para Fotógrafo No Fotógrafo:
Durante 10 años el fotógrafo Michael O’Neil ha hecho una inmersión completa en el mundo del yoga. Su trabajo y su pasión por esta forma de vida lo han llevado a recorrer países como la India y Estados Unidos en la búsqueda de esta disciplina ancestral.
Un proyecto que surgió luego de largos años de trabajo como retratista, consolidándose como uno de los fotógrafos más reconocidos en los años 60, a la altura Avedon, Irving Penn y Yousuf Karsh. Así mismo, sus imágenes llegaron a reconocidas publicaciones y fueron portadas de Life, The New Yorker, Esquire y Vanity Fair.
Michael O’Neill Double Bow 2007 TASCHEN
Pero esto cambió en 2005 cuando, debido a un problema en su cuerpo, empezó su inmersión en el universo del yoga, tema que se convirtió en una pasión y en una búsqueda en su forma de ver y entender la fotografía. Este trabajo fue publicado en el año 2015 de la mano de la editorial Taschen, en el libro “Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz“
Al iniciar este proyecto O’neil manifestó que se “concentraría en fabricar fotografía, en lugar de hacerlas“. Esto cambió totalmente su trabajo y desde ese momento incrementó su búsqueda por fotografías que documentaran la meditación y conexión de hombres y mujeres que practican yoga. Las fotografías se destacan por la composición, la luz y la destreza de los cuerpos de los yoguis. También el trabajo que se centra en cinco elementos: aire, fuego, tierra, agua y espíritu. (Ver: Los 5 programas en Netflix que ningún fotógrafo puede perderse)
“Buscar una conexión emocional y espiritual con todos mis temas”
Esta es una de las frases que encontraremos en este documental emitido por Netflix, con la dirección del cineasta brasileño Heitor Dhalia y basado en el libro”Acerca del Yoga: La arquitectura de la paz” de Michael O’Neil. Una historia que nos sumerge a través de la música y los diálogos en un viaje de relajación en el que aprenderemos mucho más que fotografía.
Te invitamos a ver el documental y no olvides dejar tus comentarios y ayudarnos a divulgar esta entrada.
Por más de 40 años Alberto García-Alix ha estado en constante evolución en su forma de ver. Con él tuvimos la posibilidad de hablar en la ciudad de Montevideo luego de la inauguración de su exposición “El expresionimo feroz“
Alberto García-Alix, es uno de los referentes de la fotografía contemporánea, su trabajo ha sido recocido con el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español en 1999, premio PhotoEspaña en 2012 y en último año fue invitado con carta blanca para llevar el trabajo de seis fotógrafos que expondrían en el aniversario número 20 del festival PhotoEspaña.
Su trabajo ha tenido una transformación en el tiempo pero sus temas han sido constantes, motos, mujeres, drogas, la vida y la muerte. Uno de sus amores ha sido el retrato, además de esto ha incursionado en el mundo audiovisual, entre sus producciones se encuentra “De donde no se vuelve” una película autobiográfica que recorre a través de la narración de Alix la poesía escrita y la imagen del autor.
Fundador de la revista cultural “El Canto de la Tripulación” (1989 a 1997), y más recientemente cofundador de la editorial Cabeza de Chorlito, en las que ha colaborado como editor. (Ver: Erika Diettes en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo)
“Una forma de ser, es una forma de ver. Una forma de ver, es una forma de ser.” dice Alberto Garcia Alix en esta charla que recorre sus inicios en la fotografía y cómo a través de los años ha construido y fortalecido su forma de ver.
No te pierdas esta conversación que realizamos en colaboración con Foto Club Uruguayo y Fotógrafo No Fotógrafo, no olvides compartirla en tus redes sociales y como siempre quedamos atentos a tus comentarios.
Hoy Fotógrafo No Fotógrafo te trae las tres nuevas aplicaciones que ha lanzado el gigante Google: experimentos fotográficos que cada día van tomando más fuerza. Ya hemos visto algunos adelantos que ha traído Instagram y Facebook, pero Google no se podía quedar a atrás y lanza tres apps que nos permitirán seguir divirtiéndonos con nuestro teléfono móvil, aplicaciones que ellos han clasificado como “appsperimental”, una mezcla de fotografía y video.
Tecnología inspirada en Motion Stills, una aplicación desarrollada por Google que convierte videos cortos en CinemaGraf (una imagen animada que resulta de la combinación de fotografía con vídeo).
Las tres aplicaciones son:
Storyboard: esta aplicación, disponible para Android, permite transformar los videos cortos en un comic de una página que se guarda en tu dispositivo. ¿Cómo funciona? Grabas un video y los cargas en la App Storyboard. La aplicación selecciona automáticamente marcos de video interesantes, los establece y aplica uno de los seis estilos visuales que están disponibles. Google asegura que hay aproximadamente 1,6 billones de posibilidades diferentes.
Selfissimo!: Para los amantes de las selfies, esta aplicación utiliza la tecnología experimental de Google. Se trata de una selfie automática que toma una fotografía en blanco y negro cada vez que posas. ¿Cómo funciona? Abres la App y tocas la pantalla para comenzar una sesión de fotos. Según google, la aplicación te anima a posar y va a captura una foto cada vez que dejes de moverte. Para finalizar la sesión tocas nuevamente la pantalla y podrás revisar la “hoja de contactos resultante”, guardar imágenes individuales o la sesión completa. Esta App está disponible para IOS y Android.
Scrubbies: disponible únicamente para IOS, esta aplicación te permite manipular la velocidad y la dirección de la reproducción de video para producir bucles de video que generan efectos muy interesantes. ¿Cómo funciona? Se graba un video en la aplicación y luego se “remezcla” como lo haría un DJ con un disco. Deslizando con un dedo se reproduce el video, con dos dedos capturas la reproducción para que puedas guardarla o compartirla.
Ahora anímate a descargar estas novedades de Google y cuéntanos qué te parecen. Si te gustó esta nota compártela a través de tus redes sociales y suscríbete a nuestro blog. (No olvides dejar tus comentarios).
