Llega al cine la historia de Jesús Abad Colorado, fotógrafo antioqueño que se ha convertido en testigo del conflicto armado colombiano a través de sus fotografías e historias.
Las imágenes en blanco y negro del reportero gráfico, que ha recorrido el país por más de 25 años retratando la Colombia rural, campesina, negra e indígena y que ha dado protagonismo a las víctimas, estará en las salas desde el próximo 25 de octubre, gracias al trabajo de la directora británica Kate Horne.
“El testigo (Cain y Abel)“ es el nombre del documental que narra en voz del mismo Abad, de personas que han sido capturadas por su lente y de su archivo fotográfico, su vida, obra y compromiso con la memoria, las víctimas y el país.
Para Horne, el mensaje Abad es más que una mirada de país. “El suyo es un mensaje universal de la necesidad de perdonar como individuo y como sociedad”.
Sinopsis: Los asesinatos de su familia en la zona rural de Colombia podrían haber inspirado a un joven Jesús Abad Colorado a tomar las armas; en su lugar, compró una cámara fotográfica. Jesús dedicó los siguientes 25 años de su vida a documentar la guerra en Colombia y se convirtió en un fotoperiodista aclamado. Un año después de la firma de la paz en Colombia, Jesús va en busca de los protagonistas de sus fotografías más icónicas para explorar lo que significa perdonar los horrores del pasado. Durante este viaje, una reunión inesperada lo obligará a revivir sus pesadillas, pero también le dará un motivo para creer en una paz duradera.
El documental de 76 minutos es producido entre el Reino Unido, Perú y Colombia (Caracol Televisión) será proyectado en Cine Colombia los días 25, 26, 27 y 28 de octubre en Bogotá, Medellín, Cali, Bucaramanga, Barranquilla y Villavicencio. Manizales, Ibague, Montería, Pereira, Armenía y Cartagena.
Eduardo Segura, fotógrafo argentino, ha trabajado durante más de dos décadas en Paraná, provincia de Entre Ríos, donde dirige el Festival Internacional de Fotografía de esta ciudad. Su trabajo es una constante búsqueda a través de la fotografía por expresar sus sueños, pasiones y miedos. Días antes de que inauguré su exposición El Placer y el Dolor, tuvimos la oportunidad de hacerle esta entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo:
Fotógrafo No Fotógrafo: Cómo nace tu interés por la fotografía?
Eduardo Segura (E.S):Desde los años 80 cuando comencé a visualizar, entre otras artes, mi gusto y necesidad de observar al mundo, me formé como músico, como realizador de cine, como amante de la literatura y todas las artes. Estudié formalmente la carrera de fotografía en Córdoba con pocos recursos aunque con mucho interés. La fotografía para mí es un arte como otros; y como ya traía en mis células el arte, fue un recurso más en mi proceso de integrar todas las artes.
F.N.F:¿Qué significa la fotografía para Eduardo Segura?
E.S:La fotografía es poner todos los días el ojo en algo nuevo. Es una práctica diaria como método de registro personal. Dirijo mi propia escuela y sigo constantemente produciendo obras para exponer, para revisarme, para mirarme profundamente de dónde vengo, dónde estoy y hacia dónde voy.
F.N.F¿Cómo haces para elegir el tema que vas a desarrollar en cada serie?
E.S: Son procesos largos, como de cinco años cada uno. Comienzo con un shooting de prueba, algo así como un ensayo, y de allí trabajo arduamente unos años solo mirando ello. Los voy probando, voy poniendo y sacando cosas hasta que el tema se concluye, se diluye en otro más importante y allí me doy cuenta que ya está cerrado.
Comienzo como si fuera un disco a terminar, como un proyecto que debe ser concluido y en el mismo momento de no poder dar más me retiro y lo dejo solo.
F.N.F:La estética de tus series se diferencia una a otra, ¿cómo llegas a esa decisión (b&n, color, intervenciones)?
E.S: Por la misma relación con el tema. Hay cosas que en un momento me interesaban, muchos otros dejaron de ser míos y los dejo cerrados como temas, sin necesidad de volver a ellos. Durante un tiempo estoy disponible para el tema hasta que me salgo de allí. En algunos temas puedo intervenir más y en otros no. En algunas de mis obras hay mucha intervención y en otras dejo que el ojo decida el momento. Por necesidad o por carencia siempre miro a la fotografía como un hacer, como algo que uno siempre está construyendo con más o menos herramientas, según sea el caso.
F.N.F: ¿Cómo describes el trabajo que desarrollas?
E.S:Divulgar, comprender, intentar y lograr objetivos personales y de quienes deciden comenzar el estudio de sus intenciones. Trabajo para mí y para otros que están cerca mío. Digamos que puedo con la misma intención hacer mi propio camino y también darles la oportunidad a otros que crucen el charco, que se animen a exponer y a divulgar. Esto lo hago como gestor.
F.N.F: ¿Cómo surge la idea de desarrollar la serie ElPlacer y el Dolor?
E.S: Un proceso que se inició luego de mi trabajo anterior que se llamó Mom. Comencé a mirar el tatuaje como una elección de algo permanente en el cuerpo que luego desaparece con la muerte. Fue un tema muy fuerte porque yo no estoy tatuado ni tengo intenciones de hacerlo, fue un homenaje a quienes toman esa decisión.
F.N.F ¿Por qué el nombre El Placer y el Dolor?
E.S:Principalmente es eso, decidir el paso entre el placer de tatuarse y el dolor que requiere hacerlo. Muchas cosas que uno decide hacer en la vida primero son placenteras y luego dolorosas: un paso entre el juego y el músculo dolido; el paso entre el amor, el miedo y la muerte. De allí el significado del placer al dolor. Quizás el dolor es más permanente, quizás el placer es mas momentáneo. Un equilibrio entre las dos polaridades del tema.
F.N.F:¿Buscabas algún elemento particular en los tatuajes o en las personas que fotografiabas?
E.S: Solo buscaba personas tatuadas, no tanto el tatuaje como método sino como excusa. Trabajé haciendo muchas sesiones que quedaron fuera de esta serie. Fueron muchas fotografías y me quede con unas 50 o 60 que fui observando para elegir qué hacer con ellas y en qué formatos trabajarlas. Unas fueron a cianotipias, otras a lonas, otras a papel y otras a hojas de plantas expuestas a la luz del sol.
F.N.F:¿Durante cuánto tiempo has estado desarrollando esta serie?
E.S: Aproximadamente 5 años desde una base inicial hasta hoy. Ha sido un tiempo en donde sucedieron muchas cosas, muchos temas, viajes, exposiciones, clases, etc. Desde el año pasado ya sentía que debía soltarla y decidí hacerlo con formatos muy grandes y otros muy pequeños, así como ecléctica. Aun así la expo es móvil y está en varios formatos diferentes para ser expuesta en otros sitios, también fuera de Argentina.
La obra siempre la pienso como un compilado para llevar en maleta. Trabajo con formatos flexibles, con formatos mini y otros que me ayudan a continuar mi investigación, sobre todos los procesos antiguos y todo aquello que traiga la tecnología.
Fotógrafo No Fotógrafo estuvo en #Jornadas12, en Montevideo, Uruguay, que este año tuvo como título “Fotografía Latinoamericana. Confluencias y derivaciones 1978-2018”. Luego de asistir a tres días de charlas que pueden ver en el canal de YouTube del Centro de fotografía – CdF, te compartimos siete recomendaciones que surgieron durante el evento y creemos te van a cautivar.
Tres charlas imperdibles de #Jornadas12
Los asistentes a las jornadas tuvimos la oportunidad de participar en tres conferencias, ocho presentaciones, siete ponencias, dos entrevistas y una mesa larga. Todos los espacios fueron de gran nivel y los contenidos abordaron un amplio abanico temático: desde las propuestas más teóricas hasta los proyectos más intuitivos. De esta gran variedad les recomendamos tres imperdibles:
Foto: Andrés Cribari / CdF
“Liberar la visualización de las ataduras del lenguaje y reactualizar la memoria de la experiencia como un todo indisoluble: eso es la descolonización de la mirada”. Esta fue una de las afirmaciones en la conferencia “Imágenes indígenas y dominación colonial en Los Andes” de la socióloga Silvia Rivera Cusicanqui. Una reflexión acerca de la necesidad de resignificar las prácticas fotográficas y la mirada para contrarrestar la colonización, también en el arte.
Valentina Montero, investigadora postdoctoral Fondecyt-Conicyt, presentó la Ponencia “Intensificaciones y desplazamientos del poder de la imagen en la era transmedial”, donde abordó el lugar de la mirada artística desde América Latina en el marco de la excesiva producción y consumo de imágenes en la actualidad. Durante su charla presentó varios proyectos fotográficos que vale la pena conocer.
Entre tantos autores, citas y referencias que fueron mencionados en estas Jornadas, te recomendamos dos que seguro te resultarán interesantes para conocer más sobre la fotografía en América Latina.
“Sociología de la imagen: miradas ch’ixi desde la historia andina” (2015) de Silvia Rivera Cusicanqui es una lectura esencial para quienes tienen interés por la construcción cultural e histórica de las imágenes en los Andes. Este libro tiene licencia Creative Commons y lo puedes descargar completo en PDF.
El investigador y curador cultura José Antonio Navarrete presentó el libro “Escribiendo sobre fotografía en América Latina : Antología de textos 1925-1970”. Una antología de textos sobre fotografía que fueron escritos en todos los países de América Latina en un periodo de 45 años. Cada texto está acompañado por una nota introductoria que reseña los aspectos del contexto en que se produjo y divulgó.
Dos proyectos fotográficos que inspiran:
Decenas de proyectos fotográficos fueron expuestos durante las Jornadas, te recomendamos ver estas dos historias de Perú y Argentina y que nos invitan a construir, re-construir y deconstruir.
“97 empleadas domésticas” Daniela Ortiz (Perú). Esta fotógrafa descargó de Facebook 97 imágenes públicas que fueron compartidas por personas de la clase alta peruana. ¿Qué tienen en común? Las personas que “aparecen” sin “aparecer”, las 97 mujeres que están en el segundo plano o sólo por partes en la imagen. El proyecto controversial debido al uso de las imágenes obtenidas de esa red social.
“La ruta de Cortés” RES (Argentina). “El presente como historia”, así se define este proyecto en el que el fotógrafo recorrió la misma ruta que recorrió hace cinco siglos Hernán Cortés. “La cámara de RES retoma ese intinerario para narrar la impiedad de aquella conquista desde la ferocidad del presente.”, dice Dardo Castro en el intro de esta selección de imágenes.
¿Te gustaron nuestros recomendados de #Jornadas12? Cuéntanos tus impresiones y no olvides compartir esta publicación con más amantes de la fotografía.
lo-foto-gráfico, exposición colectiva que reúne en La Galería El Museo, 30 artistas latinoamericanos que experimentan diversos procesos digitales para desarrollar su obra. Ademas de esto, una sala de exhibición del trabajo del fotógrafo Jesús Abad Colorado, todo bajo la curaduría de Juanita Carrasco.
Para la curadora este espacio es una reflexión sobre el papel del fotógrafo en la actualidad, una exposición que explora en los cambios profundos que se han producido en el ámbito de la fotografía tanto en su lenguaje como en su conceptualización, técnicas y procesos de producción.
Fotografías intervenidas, propuestas que exploran nuevos significados, nuevos mundos, que escapan del precepto de fotografía clásica donde lo único que importa es la composición, la luz y el momento, una exposición que te pondrá a pensar y posiblemente te sacará de tu lugar de comodidad.
Carrasco señala que el título de la exposición “no tiene mayor intención que una simple fragmentación de la palabra que juega dentro de la idea de la foto misma y su componente gráfico”.
Muestra lo-foto-gráfico/ El Museo
Entre los artistas y fotógrafos se encuentran: Jesús Abad Colorado, Ana Adarve, William Aparicio, Mario Arroyave, Felipe Bedoya, Jonathan Chaparro, Juan Cristóbal Cobo, Alirio Cruz, Luciano Denver, Adriana Duque, Clemencia Echeverri, María Elvira Escallón, Santiago.
La exposición estará abierta al público hasta el próximo 30 de agosto en la Calle 81 # 11- 41 en Bogotá.
En Fotógrafo No Fotógrafo hicimos el top 7 de programas de Netflix que te sacarán del aburrimiento y en el que seguirás cultivando la pasión por la fotografía. También agregamos un bonus de YouTube, para un total de ocho historias que nos cuentan la vida de diferentes fotógrafos y diferentes ramas de la fotografía (Actualización julio 2018). Aquí van nuestros recomendados:
Hondros ( 2018)
Documental que recorre la vida del renombrado fotógrafo estadounidense Chris Hondros, fotoperiodista que cubrió durante más de 20 años conflictos sociales y guerras en diferentes lugares del mundo, entre ellos los ataques del 11 de septiembre en Estados Unidos, el conflicto en Afganistan, Liberia, Sierra Leona y finalmente el de Siria donde perdería la vida al lado del también reconocido fotoperiodista Tim Hetherington.
Un trabajo cinematográfico realizado a través de crowdfunding, dirigido Chris Greg Campbell, mejor amigo del fotógrafo y producida por Jake Gyllenhaal y Jamie Lee Curtis, en ella se destacan las impactantes fotografías de Hondros, la narración de Chris y las entrevista a amigos y editores.
La cinta fue lanzada en abril de 2017 en el Festival de Cine de Tribeca, donde ganó el Premio del Público como mejor documental, y desde el mes de abril de 2018 se encuentra en Netflix
2. Refugee (2018)
En este documental de 23 minutos, cinco fotógrafos entre los que se encuentran: Lynsey Addario, Omar Victor Diop, Martin Schoeller, Tom Stoddart y la mexicana Graciela Iturbide, recorren los cinco continentes para retratar historias de refugiados, personas que han tenido que abandonar sus hogares para proteger la vida.
Una de las historias se desarrolla en Colombia, en el espacio humanitario puente Nayero en Buenaventura.
El cortometraje hace parte de la exposición colectiva en “The Annenberg Space for Photography “ de la Fundación Annenberg del año 2016.
Dirigido por Clementine Malpas y Leslie Knott.
3.Tales by light
Esta serie patrocinada por Canon cuenta con dos temporadas y un total de doce capítulos. Cada uno tan atrapante como el otro. Creada por Abraham Joffe, director de fotografía galardonado internacionalmente y reconocido por sus espectaculares fotografías de naturaleza, Tales by light es un recorrido por las vidas de nueve fotógrafos y fotógrafas que se especializan en diversas disciplinas.
Cada capítulo de la serie tiene una duración de 20 a 25 minutos y encontrarás excelentes tips para tus propias fotografías.
ABSTRACT – Episodio 7: Platón
En primer lugar, te recomendamos ver los ocho episodios de Abstract: The art of design, porque estamos seguros que te encantará alimentarte de otras disciplinas que viven del diseño y el arte. Si quieres ir directo a la fotografía, en el episodio siete (Ep.7) encontrarás la fascinante historia de Platón, un fotógrafo griego especialista en retratos y cuyas imágenes han impactado la vida de millones de personas.
Esta serie original de Netflix es producida por Scott Dadich, Morgan Neville y Dave O’Connor y estamos seguros que despertará toda tu creatividad y te llenará de ideas.
La Sal de la Tierra
Un documental imperdible es “La sal de la tierra”. Vale la pena sacar una hora y 50 minutos de tu tiempo para acercarte al trabajo del fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño Sebastião Salgado. Este largometraje dirigido por Wim Wender y Juliano Ribeiro Salgado contiene las mejores imágenes del fotógrafo y su relato sobre sus 40 años de oficio.
Te recomendamos este documental que fue nominado a los Óscar como Mejor Largometraje Documental en 2014 y se ha proyectado en varios festivales de cine internacionales. Aquí descubrirás nuevos sentidos de la fotografía y quedarás cautivado con las imágenes de Salgado.
Este documental dirigido por Justin Bare y Matthew Miele, recorre la vida del fotógrafo escocés Harry Benson, reconocido durante décadas por su trabajo con artistas internacionales como The Beatles, deportistas como Mohamed Ali y líderes políticos como John F. Kennedy y Donald Trump. Un audiovisual que retoma las historias de las imágenes icónicas del fotógrafo a través de entrevistas a editores, amigos, familia y al propio Benson para conocer cómo ha desarrollado su trabajo y cómo ha logrado generar imágenes que, aunque pasen los años, siempre estarán presentes.
Con una duración de 60 minutos este documental revive momentos históricos de la política, la música, el entretenimiento y el periodismo, que no te puedes perder.
7. Chasing Ice
Chasing Ice, es una producción documental de 2012 dirigida por Jeff Orlowski y producido por la Sociedad Geográfica Nacional. En este documental seguimos al fotógrafo James Balog quien relata su aventura fotografiando el Ártico, Groenlandia, Islandia, Alaska y el Parque nacional de los Glaciares. ¿Para qué? Para mostrar los cambios climáticos en la Tierra desde el año 2005.
Si bien el centro de este documental de 75 minutos es el cambio climático, te invitamos a poner tu atención en las hazañas, propuestas y piruetas que hace James Balog para conseguir sus espectaculares imágenes. Una muestra de lo lejos que pueden llegar tus proyectos fotográficos.
Bonus: McCullin – Direção: Jacqui Morris e David Morris
Aunque este documental ya no está disponible en Netflix, puedes encontrarlo completo en YouTube. El fotoperiodista inglés Donald McCullin es el protagonista de este documental dirigido por Jacqui Morris y David Morris. Estrenado en el 2012, McCullin es un homenaje al trabajo de un hombre que ha inspirado a millones de fotógrafos en el mundo. Sin duda, este documental capta las razones por las cuales Don McCullin es un referente en la fotografía de guerra.
Te aseguramos que estarás totalmente atrapado durante los 90 minutos que dura este documental y tendrás una mirada más humana del fotógrafo, su cámara y todos los acontecimientos que pasan frente a su lente.
Estas son las recomendaciones que te traemos en Fotógrafo No Fotógrafo para seguir cultivando la pasión por la fotografía. También te damos un tip extra: varios de los documentales están disponibles en otras plataformas de vídeo como YouTube y Vimeo. ¡Esperamos que te guste esta selección! Y si tienes otras recomendaciones te invitamos publicarlas en los comentarios de este post y en nuestras redes sociales FotografoNoFotografo en Facebook, @NoFotografo en Twitter y en Instagram como @FotografoNoFotografo
¿Cuántos tipos de fotógrafos hay? no tenemos la respuesta, pero hemos hecho nuestro listado con 10 tipos de fotógrafos que nos hemos encontrado en diferentes lugares y que seguro tú también has conocido en tu carrera como fotógrafo o no fotógrafo.
Una lista que podría crecer con tú participación, por eso te pedimos que dejes en este post o en nuestras redes sociales esos tipos de fotógrafos que crees que nos hacen falta. Una lista colaborativa con una dosis de ironía que nos cuenta esos estereotipos que asumimos como fotógrafos o fotógrafas. (Ver: 10 Fotógrafas famosas que tienes que conocer)
10 tipos de fotógrafos según Fotógrafo No fotógrafo
A Walter Astrada nos los encontramos en la ciudad de Montevideo a finales del año 2017 cuando participaba en el festival de fotografía Errante, allí impartió un pequeño curso sobre “Metodologías de un reportaje” ése fue el momento donde pudimos hacerle la invitación a hablar con Fotógrafo No Fotógrafo.
En esta entrevista con Walter Astrada hablamos sobre el inicio de su vida como fotógrafo y su primer acercamiento a la fotografía. Un camino que ha sido largo y en el que se ha destacado por cubrir hechos de guerra, violaciones de derechos humanos y por mostrar realidades que viven diferentes sociedades en el mundo pero que en algunos momentos se entrelazan entre sí. Un ejemplo de ello es su trabajo sobre violencia contra la mujer al que ha dedicado varios años y por el que ha sido ampliamente reconocido.
Su dedicación y conocimiento por las historias que cubre lo han hecho ganador de varios reconocimientos, entre ellos el World Press Photo, en tres diferentes ediciones. ¿Qué significan estos premios para él? Astrada ve en estos reconocimientos el apoyo para seguir trabajando.
Un cambio en la forma de ver y de vivir historias lo llevó a cumplir un nuevo sueño: recorrer el mundo en una motocicleta, historia que planeó sin siquiera saber conducir una moto, pero que no lo detuvo en su afán de cumplir sus proyectos y que iniciaría un día como hoy, 1 de mayo del año 2015, hace tres años, en Barcelona.
Una charla llena de significados y en la que reconocemos qué impulsa a Walter Astrada a hacer una fotografía. Una conversación en la que nos habla del porqué decidió dejar de cubrir temas para agencias de noticias, cómo desarrolla sus trabajos de largo aliento y diversos consejos que nos da para fortalecer nuestro trabajo como fotógrafos que, como él lo explica, no es nada fácil pero en el que se puede avanzar si hay persistencia, compromiso e investigación.
Ya no escribimos más y los invitamos a que conozcan las historias de Walter Astrada, un fotógrafo que lleva más de 20 años como fotoperiodista y del que seguro tenemos mucho que aprender en este camino de la fotografía.
Los invitamos a compartir esta entrevista en sus redes sociales ya que es la única forma que otras personas conozcan el trabajo que hacemos en Fotógrafo No Fotógrafo y al que dedicamos toda nuestra energía para seguir cultivando entre todos y todas esta pasión por la fotografía.
