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Incentivar la expresión creadora en la fotografía: Annemarie Heinrich

Annemarie Heinrich, fue una consagrada artista Argentina, nacida en  Alemania, pero radicada desde la adolescencia en este país latinoamericano, destacada por su singular manera de fotografiar, entre sus trabajos se destacan los retratos y desnudos, e igualmente su mirada critica frente al arte y a la fotografía que expresaba a través de sus escritos. Fundadora del Foto Club Argentino.

El siguiente texto fue escrito en 1951 para el Boletín de Foto Cine Clube Bandeirante de San Pablo y tomado de la antología 1925-1970 “Escribiendo sobre fotografía en America Latina” de José Antonio Navarrete. 

El arte fotográfico vive hoy un momento que es denominado, por algunos, de espera y, por otros, de transición, no pudiendo ocultar que sea, en realidad, de crisis. Al intenso y extenso progreso de la expresión creadora alcanzada por la fotografía, entre la primera y la Segunda Guerra Mundial, en virtud, principalmente, de los numerosos aportes de los que se podría llamar el genio o espíritu europeo, se incorporó seguidamente consecuente y complementariamente un rápido y notable desarrollo de aportes técnicos obtenidos también, y sin duda, por la activa requisición de las industrias y las ciencias que veían en el nuevo proceso un complemento de valor inapreciable. Esta superación en la eficiencia del “service” fotográfico se extendió, en mayor escala, en los Estados Unidos y no fue ajeno a esta la “época de oro” de su cine.

De forma contraria, en todas partes se percibe hoy un notorio estancamiento o retroceso en el nivel de expresión, en las investigaciones y en la creación, por mucho que se le disimule bajo una técnica brillante, y una desorientación general sobre las posibles salidas, más allá de lo que las investigaciones técnicas permanezcan paralizadas en todo aquello que ya se conocía. De nuestra parte, podríamos decir que se perciben en el mundo dos líneas de producción en las cuales los adeptos a la fotografía han trabajado pacientemente y laboriosamente, sin sobresalir mucho. Una de ellas es el sector llamado americano, volcado predominantemente al exterior, a la nota pintoresca o curiosa, a lo espectacular a lo decorativo, a la sensación y a lo vistoso; la otra es la del  campo europeo especialmente, esperándose en las gamas, la riqueza de la materia, en el enfoque más preciso y definido y en el encuadre más perfecto, geométrico, de lo que fuera fotografiado. El espíritu creador, salvo muy raramente, ¡se encuentra ausente en ambas tendencias!

Photo-Notes, órgano oficial de Photo League americana, en su edición de 1950 denunciando los diferentes aspectos del fenómeno en su país, entre los cuales se encuentra la “falta de fantasía”, “pereza de imaginar”, “exceso de comercialismo”, expresa que no hay un significado, que hay una ausencia “en la búsqueda de un contenido consciente, manifestado por el fotógrafo a través de una visión del propio mundo interior”. La revista Fotografía (Milán septiembre- octubre de 1950) intenta ampliar la investigación cuando al señalar “la decadencia de una forma que quiere definirse convencionalmente como en impersona” atribuye el hecho al “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte”. Un excelente álbum suizo (Photo 49), a su vez, destaca en sus palabras de presentación lo que las fotografías incluidas después confirman la “nueva fotografía” se valora por “su objetividad, el sentido de las cosas materiales más que los valores de las humanos, el gusto por la técnica y precisión de los dentalles, la riqueza de la sustancia, la luz modelando los objetos”, etcétera. (Quiere esto decir que además de volver un mérito una desviación  fundamental como la que significa la subestimación o el desinterés de los valores humanos, la “nueva fotografía” se transporta con su producción hacia un pasado lejano en la historia, cuando el proceso fotográfico se esforzaba por mejorar su etapa inicial de copiado y reproducción. Y esto, precisamente en un momento en que, más que nunca antes, podemos contar con un riquísimo patrimonio artístico heredado de nuestros precursores y cuando más y mejores son la cantidad y la cualidad de los recursos, conocimientos, complementos, escuelas y posibilidades logradas por nuestra especialidad y su prodigiosa técnica.

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* Desnudo – © Annemarie Heinrich

Se debería indagar, de forma natural, a qué debe esto; si realmente existe ese “desinterés de las nuevas generaciones por todo lo que es arte” expresado por la fotografía de Milán y cuáles fueron o son esos actores que según Photo Notes, llevaron y llevan a los eruditos de la fotografía en Estados Unidos a huir de sí mismo, a dejar de lado la búsqueda de los significados, etcétera. Conocer las causas de un mal constituyente, sin duda, una mejor posición, crítica o terapéutica, que hablar y registrar sus síntomas.

Sin embargo, es posible encontrar mucha similitud entre ese momento de la fotografía y aquel que sufrió, en su época, el viejo impresionismo pictórico. Y por semejantes, sobre todo por la experiencia que nos transmite y porque nos permite la obtención de elementos constructivos, me parece oportuno dar unos de los ejemplos: los primeros rebeldes del impresionismo, que se quejaban por este “era una parte pasivos, en el  cual el artista reflejaba únicamente las vibraciones de su impresión”, deseaba librarse de él por medio de un “arte activo, transmisor en vez de receptor, que creara dinámica y a priori”( haunsenstein, “Un siglo de evolución artistica,”). El impresionismo, regido hasta ese momento por el objeto, debía ser reemplazado por un trabajo de fondo y forma en el cual reinará completamente el tema. El que estaba conectado predominantemente con el paisaje y la naturaleza muerta no destacaba ningún detalle, huía de las grandes acciones, prefería los juegos de luz a los valores humanos, todas las partes, inclusive las figuras y los fondos, aparecieron en el conjunto nivelados por la “impresión” global, por un estilo que era anterior y obligaba a una sistémica factura de escuela; mientras que el nuevo arte que se proponían los rebeldes y que con el pasar del tiempo nos daría el expresionismo, inclusive con sus excesos, iba a subrayar los detalles y caracteres, exasperando las formas, el sentido y el color para proyectarlos en un significado cien por ciento sobresaliente en el conjunto, hasta alcanzar una aguda e hiperestesiada expresión.  El espíritu creador en suma debía tomar su lugar en la obra enfrente del copismo, de la reproducción y la repetición formal y sensual al infinito.

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*Annemarie Heinrich

La fotografía también debe hacerlo y, por supuesto, va a lograrlo.

Se entiende que el primer concepto que se debe revisar es el de los valores humanos: ningún arte será jamas importante si no los tiene en primer plano y desde sus fundamentos. Leyes históricas, también, nos afirman que, tarde o temprano, los infelices factores que perturban el progreso serán eliminados, entre los cuales se debe contar aquel que produce lo que parece “desinterés de los jóvenes por todo lo que es arte”. Por lo tanto, se deberán buscar todos los significados de las cosas, de los seres, de la vida, sin limitaciones, sin temblores: los medios estéticos, además de difundir sus conocimiento y su satisfacción en cada individuo, enriquecerán la sensibilidad y el desarrollo general. Y, al final, se deberán usar todos los recursos técnicos para expresar, sugerir, hacer, intuir, aún para aquello que no haya posibilidad de lenguaje, no digo solo fotográfico, sino también verbal. El fotomontaje, las sobreimpresiones, la solarización, los objetos especiales, los filtros y la ampliadora, usados con sabiduría, audacia, y modificados, serán también eficaces complementos. Sin embargo, cabe señalar que lo más importante es,  evidentemente, la conciencia siempre alerta de la vida.

Se puede percibir que incluso las fotografías menos maleables, para los fines de la creación, como son las de actualidad, las notas para reportajes, las experiencias científicas, investigaciones en sectores inesperados pueden gozar de ese “activismo” (una muestra de ello también en el campo de la creación nos ha sido dada por algunos nuevos italianos, a los que podríamos llamar, por extensión de su cine, neorrealistas). Es posible, al fin,  que el propio paisaje y la naturaleza muerta pueden ser tratados especulativamente, dinamización y llevados a una expresividad superior, mediante la combinación de recursos técnicos y la voluntad interesada del espíritu investigador.

Junto a estas líneas hay cinco fotografías obtenidas mediante el simple uso de un fácil recurso, el de la sobreimpresión sobre una misma lámina. A través de ellas sin sobreestimar su valor, naturalmente, podemos vislumbrar el inmenso campo abierto a nuestras posibilidades de producción, solamente agregándole, el riquísimo artesanal de medios y materiales con los que cuenta hoy la  fotografía, las ganas de expresar “algo más”. 

Annemarie Heinrich

* Las fotografías aquí expuestas no hicieron parte de la publicación original.
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“Hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados” Pedro Valtierra en #EntrevistaFNF

¡Seguimos conociendo la historia de fotógrafos y fotógrafas en el mundo! En esta ocasión llegamos hasta México para hablar con un maestro de la fotografía documental y de la reportería gráfica: Pedro Valtierra. Un hombre reconocido en Latinoamerica y el mundo por sus reportajes y por ser el fundador y director de la agencia y Revista Cuarto Oscuro.

Por más de 43 años este fotógrafo, nacido en Fresnillo, Zacatecas, ha visto a través de su lente los cambios sociales que han marcado la historia de los países centroamericanos, ha trabajado como director de fotografía en medios como La Jornada, y a través de su experiencia se ha convertido en un referente de la fotografía en México. También ha sido ganador del Premio Internacional de Periodismo Rey de España a la mejor fotografía del año. Con él tuvimos la oportunidad de hablar en esta nueva entrevista en Fotógrafo No Fotógrafo.

¿Qué es la fotografía para Pedro Valtierra?

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Pedro Valtierra, fotógrafo, director Revista Cuarto Oscuro – Foto: Gregorio Cortes

La fotografía para mí es un acto de comunicar, es una manera de informar. En mi caso particular como periodista informar de la vida, de los temas que aquejan, de los temas de la sociedad que le interesan a la sociedad, de todos los temas. El acto de fotografiar es guardar nuestros momentos para la posteridad: congelar parte de la vida. La fotografía tiene mucha significación porque forma parte de nuestra vida cotidiana como personas, como familia, pero también como sociedad, que es donde más estamos nosotros en el periodismo.

Manuel Madrigal, decía “El día que pierde el miedo a la luz ese día Pedrito va a ser fotógrafo” ¿ya perdió el miedo a la luz?

No, todavía no, ando en esas. Hay que darle el contexto a lo que Manuel Madrigal decía, y lo decía en el sentido de que uno tiene que estar aprendiendo constantemente y mientras tengas una cámara hay que aprender, en la foto a lo que más le tienes miedo a la luz, porque sin luz no hay foto.

Su trabajo durante más de 40 años se ha centrado en temas sociales, ¿cómo nace ese sentido por estas historias?

Surge de mi formación, de mi vida. Yo soy un fotógrafo que nació en Zacatecas, al norte del país, en el municipio de Fresnillo, en la sierra. Soy campesino y aprendí allí de la vida. Éramos muy acomodados, teníamos unas tierras en el norte del país y ese contacto con la naturaleza, con la gente, con los problemas, hace que uno tenga ese compromiso.

Siempre tuve interés por la política, por los temas sociales y trabajé desde muy niño. Desde los 12 años vendía periódicos en Fresnillo y pienso que eso hizo que yo tuviera interés en los temas sociales. Desde niño me dolía el tema de la marginación y de la pobreza porque en un tiempo determinado nosotros, cuando abandonamos el campo, quedamos en la miseria: nos quitaron el rancho y nos quedamos sin nada. Ocho hermanos somos, yo soy el tercero de la familia pero el primer hombre que tenía que trabajar. Pienso que de ahí puede venir el sentido.

Mujeres de X´oyep
Mujeres exigen a los soldados abandonar el campamento de X´oyep, donde se habían refugiado después de la matanza de Acteal /Ene-1998 ©Pedro Valtierra

¿Qué debe tener una foto para que Pedro Valtierra diga: “es una buena foto”?

En primer lugar que sea clara, precisa en el mensaje que está dando. Eso para mí es lo más importante, que técnicamente esté precisa y estar en el momento justo de lo que el fotógrafo quiere mostrar.

¿Qué busca Pedro Valtierra cuando hace una fotografía?

Yo siempre busco que la foto tenga los elementos que quiero transmitir, que cuente, que diga, que resulte una foto, no bonita, sino que nos cuente. Eso es lo que busco.

“Busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver”

Yo camino mucho, que esa es una de las necesidades de los fotógrafos: tienen que caminar, estar viendo por todos lado. Busco eso, busco que a los lectores que van a ver la foto, mi foto les diga algo, les cuente, que los que los invité a ver la foto, eso es lo que quiero. Pero no se logra fácil. Yo pienso que es muy complicado, sufre uno mucho como fotógrafo, además yo suelo ser duro conmigo, no siempre me gusta lo que hago.

Mineros desnudos
Huelga de minero – año 1985 ©Pedro Valtierra

¿Hay alguna foto que haya sufrido para hacerla y luego que la hizo, dijo: “esta es la foto”?

Sí, hay varias fotos. Por ejemplo hay unas fotos de unos mineros en Pachuca, en 1985, es una fotografía de una huelga, bueno, son varias fotos. Nosotros llegamos tarde con la reportera al evento: el evento empezaba a las 7:00 a.m y a la huelga llegamos a las 7:15 porque no conocíamos muy bien la ciudad. Llegamos tarde y entonces con la presión de que eran 3.000 mineros desnudos antes de entrar a la mina estaba muy preocupado de conseguir la foto que sintetizara el tema, y en aquellos años pues no la veías en la pantalla, tenías que regresar a revelar y todo ese tiempo se sufre mucho porque no sabes cómo va a salir la foto. Ya cuando ves el revelado y la foto que está bien, hay una enorme satisfacción.

La cotidianidad es un tema recurrente en la revista Cuarto Oscuro y en su fotografía, ¿por qué el interés?

A mí me encanta la calle, soy un hombre de la calle. Mi amigo Héctor García, maestro, decía que él era un “pata de perro”, era mi maestro para andar de un lado para el otro.

Me gusta ver a la gente en la calle, la expresión. No es fácil ahora hacer fotos en la calle, es complicado por la onda de la inseguridad y toda la violencia, pero me apasiona. Para mí, la vida está en la calle.

“Es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo”

¿De qué alimenta su cultura visual?

Una de las cosas que hago siempre es leer los periódicos, todavía soy de la vieja escuela que compra un periódico y lo lee todo hasta que se acaba, eso es muy importante. Otra de las maneras de alimentarte es leyendo, leyendo poesía, novela, temas de actualidad, la plática y la conversación con los amigos. Siempre estoy pensando en foto y casi todo cuando hablas con la gente lo traduces a qué foto puedes hacer. Yo me alimento de esa manera, pero también es importante estar más tiempo contigo mismo y pensar en tu trabajo.

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Portada Cuarto Oscuro – Dic 2018

Cuarto Oscuro: agencia y revista

¿Cómo nace Cuarto Oscuro? ¿De dónde surge la idea de crear la agencia y posteriormente la revista?

Primero tuve otro proyecto que fracasó, una agencia que se llamó Imagen Latina en 1984, la fundé el día que salí de 1+1, como una cosa simbólica. Esa agencia funcionó poco tiempo.

La idea de hacer una agencia nace en mis viajes a Centroamerica:  Nicaragua, El Salvador, Guatemala ,Honduras, Costa Rica, Panamá. Allí me tocó conocer a muchos periodistas, hoy famosos, como Susan Meiselas, James Nachtwey, Christopher Morris; muchos personajes que me tocó conocer jóvenes en esa época, eso ya hace 40 años. Empecé a conocer cómo trabajan ellos, casi todos eran de agencias independientes como Magnum, Sipa y otras agencias, y de ahí me surgió la idea de hacer una agencia. Aquí en México estaba la agencia de los hermanos Mayo y Héctor García tenía su propia agencia, él estaba sólo con su mujer, María.

Entonces a mí me surgió desde ahí la idea de hacerlo, un poco antes de que se fundara el diario La Jornada, así nace la idea de hacer una agencia con la finalidad de ser fotógrafo independiente. Osea, tú sabes que uno como fotógrafo siempre aspira a hacer sus reportajes, a tener toda la libertad de trabajar en temas que te interesen y así fue como surgió la idea de hacer Cuarto Oscuro. Primero fue la agencia, que no había en ese entonces mercado, era muy complicado. En ese momento los periódicos de México no tenían la cultura de comprarle fotos a una agencia. Empezamos con esta idea en 1984 con Imagen Latina y luego en 1986 con Cuarto Oscuro y afortunadamente se dieron condiciones políticas importantes: estaba la protesta aquella del ingeniero Cárdenas, el movimiento democrático, iniciaba un país distinto y eso dio pie a que nosotros tuviéramos fotografías importantes para los periódicos de los estados. Así fue como empezó, la idea original es haber convivido con los fotógrafos en Centroamérica, pero también tener relación con los Mayo y con el maestro Manuel Madrigal.

Han pasado 25 años del nacimiento de Cuarto Oscuro, ¿ha cambiado su objetivo o se ha transformado con el tiempo?

La agencia tiene 32 años y la Revista 25 años, ¿cómo ha cambiado?, primero, la revista nació con 24 páginas hoy tenemos 88 páginas; cuesta mucho trabajo hacerla, pero ya tenemos tantos años que, aunque estamos preocupados, no la podemos cerrar o no podemos hacer otra cosa. Tenemos que mantenernos ahí siempre y está saliendo bimestral, a cada dos meses.

Ciudad de México, septiembre de 1985.- Terremoto en la Ciudad de México.
Terremoto  México – Año 1985 / ©Pedro Valtierra

“Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares. “

La fotografía y los medios de comunicación

Los fotógrafos anteriormente tenían una posición política, algunos eran militantes de partidos o movimientos políticos, hoy se dice que el fotógrafo que entra a un medio tiene que ser objetivo o neutral, ¿qué piensa de eso en la reportería gráfica?

Yo creo que eso de ser objetivo es complicado, tienes que intentar ser objetivo y ser imparcial. Creo que no tienes que ser militante de ninguna organización, no puedes ser periodista militante, o bien lo haces en un periódico del partido o de la organización. Pero yo soy de los que creen que los periodistas tienen que estar absolutamente libres de estar en una organización política o social porque sino, de esa manera, tu trabajo se contamina. Evidentemente tú tienes una posición como persona ante los temas, te duelen los temas, no somos insensibles, no somos militares.

La objetividad es un tema complicado, un tema difícil, pero yo sí creo, en principio, que tienes que ser lo más imparcial que puedas, sobre todo en el caso de los periodistas y nuestro trabajo tiene que estar libre de esa contaminación.

¿Qué lectura tiene de la fotografía de prensa al día de hoy? ¿ha mejorado, ha empeorado o sigue igual?

Yo pienso que ha mejorado para los medios mexicanos. Hay una un avance significativo en cuanto a la producción, se ha abierto un poco más el espacio, los mismos tiempos se lo piden; pero los medios mexicanos ponen poco interés en la calidad, están mucho sobre la nota del día, pero no trabajan con los fotógrafos en cuanto a la orientación, a la forma de retratar. Yo pienso que hay un avance importante en la calidad de los fotógrafos y un ligero retroceso en cuanto a la utilización de esas buenas fotografías de los fotógrafos mexicanos.

“El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto”

Durante varios años de su vida ha estado cercano a los diarios de prensa como editor y ahora en la revista, cuéntenos ¿qué hace a un buen editor? y ¿cuál es su tarea más allá de ver las fotografías?

El trabajo del editor es un trabajo de mucho sufrimiento. El trabajo es ver las mejores fotos, editar, tratar de contar con las fotos la historia, pero al mismo tiempo el trabajo del editor va más allá de hacer esta primera selección. Consiste en darle seguimiento a la publicación de las imágenes, al espacio donde van a ir en la página y todo eso.

Nosotros en La Jornada pusimos un nuevo criterio, una nueva forma de trabajar en la que el editor no solamente proponía las fotos sino que también le daba, en la medida de lo posible, el espacio y el lugar a la fotografía. Ahí tuvimos enormes problemas con los diseñadores porque tenemos puntos de vista diferentes. Yo creo que el editor debe estar sujeto a la calidad de la foto y hacerla lucir, y siento que muchos editores y muchos diseñadores en el caso de México no lucen las fotos, siempre las dañan porque el diseñador piensa de otra manera.

El periodismo se sigue haciendo con los fotógrafos, con los reporteros, y la presentación siempre tiene que estar sujeta a la calidad de la foto.

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Idalia. Primer aniversario del triunfo de la Revolución Sandinista. Estelí, Nicaragua, Año 1980 / ©Pedro Valtierra

“La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón…”

Hace 40 años el único medio para mostrar el trabajo eran los periódicos o las revistas, hoy con las redes sociales y el internet eso ha cambiado ¿esto ha significado un avance o un retroceso para la fotografía?

Hay de las dos, un avance en el sentido de que la foto hoy está en más lugares, la ven más personas. Hoy es mucho más fácil mandar la fotografía, es mucho más fácil hacer la fotografía técnicamente, pero eso no significa que sean mejores imágenes. Sí hay que tener claro que la tecnología es una herramienta que nos ayuda a mejorar ciertas cosas, pero no es garantía de hacer buenas fotos.

La foto esencialmente se sigue haciendo igual, o sea, la foto la sigues haciendo con tu corazón, la sigues haciendo con lo que traes en la cabeza, con tus ideas, con tus conceptos y la herramienta es un aparato solamente. Yo le puedo dar a un reportero un Montblanc y eso no significa que va hacer buenos reportajes. No debemos perder de rumbo que la tecnología es algo que no podemos despreciar, que tiene muchos avances importantes, pero aquí lo más importante para los que estamos más involucrados con la fotografía es procurar usar las herramientas para hacer buenas fotografías.

Hay ventajas que nos trae la tecnología, también muchas desventajas, una de las enormes desventajas y que a mí me duele, no porque quiera al pasado y añore el pasado, sino porque la historia se está perdiendo, la historia se va a perder. Nosotros en Cuarto Oscuro tenemos muchos negativos, los archivos del pasado fotográfico, y ahora con la foto digital los archivos de pronto desaparecen, no es fácil guardar las fotos o si se van a guardar con el tiempo no hay seguridad de que vayan a perdurar.

Para concluir, lo más importante de la foto, de la creación en general, es que lo hagas con el corazón, como lo dijo Bresson y como lo han dicho otras personas: hacer la foto con el corazón y respetando a los fotografiados.

El balazo

Para finalizar…

La educación ha sido un espacio en el que Pedro Valtierra ha estado durante años. Hoy, por su trabajo y por su vida en la fotografía, se ha ganado el título de Maestro. ¿cuáles son los consejos o mensajes que quiere transmitir a través de la enseñanza de la fotografía?

En primer lugar que se autocritiquen. En segundo lugar que piensen ¿cuántos zapatos se acabó Cartier Bresson antes de ver las fotos? Tomar pocas fotos, caminar, no limitarse en cuanto a la creación, tener seguridad, ir al cine, sentirse los directores de cine en cada película que vean, ver la composición y ver las reglas. Pensar que nosotros somos los que estamos armando en la calle esos escenarios.

También invitarlos a la lectura, no solamente de los periódicos, hay necesidad de que lean otro tipo de cosas. Que trabajen con un lente 50mm., nosotros teníamos eso como una norma en Cuarto Oscuro: les pedimos que trabajen con un lente 50mm, eso los obliga a moverse mucho, porque si le das un gran angular facilitas el aprendizaje. Con un lente 50mm te va obligar a alejarte, a volverte más creativo.

Para finalizar, para las personas que no están en México, ¿cuáles son los tres fotógrafos o fotógrafas del país que nos recomiende ver?

Una de ellas es Graciela Iturbide, una de las fotógrafas más importantes mexicanas; Nacho López, un fotógrafo que para mí es fundamental en la historia del país; y el maestro Enrique Metinides, un fotógrafo que trabajó 50 años en la policía y hoy es muy famoso en Europa.

República Árabe Saharahuí Democrática

¿Cuál es su consejo para los Fotógrafos No Fotógrafos?

Que salgan a la calle, que observen, que hagan pocas fotos. Sí es necesario, tomar algunas clases de fotografía, pero básicamente trabajar mucho. En cualquier oficio si se quiere ser bueno hay que dedicar mucho tiempo, mucha dedicación para poder destacar, se requiere de un trabajo y de una autocrítica permanente.

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Entrevista por Gabriel Galindo/fundador FNF

Olga Lucia Jordán en entrevista con Fotógrafo No Fotógrafo

Fotógrafo No Fotógrafo llegó  a  casa de Olga Lucia Jordán, “la fotógrafa de los artistas”  mujer que durante 30 años ha entregado su vida a las imágenes, reconocida por su trabajo como retratista de hombres y mujeres que han dedicado su vida al arte.

La visitamos en la ciudad de Bogotá, lugar en el que vive de paso, debido a sus constantes viajes. Allí, en su lugar de habitación convive con el arte, cada una de sus paredes se cubre de obras de diversos artistas que le han entregado un cuadro o una escultura como muestra de agradecimiento por haberlos retratado, pero también como muestra de su amistad.

Olga, un ser humano cálido, cordial y de corazón sincero, como buena quindiana nos invitó a tomar un café antes de iniciar la entrevista. Nos habló un poco de su vida, de su tiempo en la zona cafetera, lugar donde nació y en el cual le gusta pasar sus días fotografiando. También  nos habló de  los animales, los cuales ocupan un lugar importante en su corazón, en especial “La niña”, una perrita pug, la cual murió y de la que tiene mil recuerdos en casa.

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Santiago Cardenas – ©Olga lucia Jordán

Son más de 35 libros los que ha realizado Olga Lucía  Jordán y abordan diferentes temáticas; desde los reconocidos retratos de artistas, o las fincas cafeteras de Quindío, hasta un libro con fotos de huevos. Una fotógrafa que saca el mayor provecho a la luz natural, utilizándola con total perfección, ejemplo de ello son sus más de 300 fotografías de artistas dónde el único flujo luminoso es la luz natural.

Estudiante de bellas artes en la Universidad Nacional, lugar donde inicio su amor por la fotografía en los años 70, exprofesora de la Universidad Distrital,  mujer de mil historias, que ve la fotografía como un acto que va más allá de lo estético, que entiende la imagen como un transcurrir de la vida con múltiples colores y encuadres.

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Olga Lucia Jordán junto a “la niña” – ©Gabriel Galindo

Bienvenidos a esta charla con “La fotógrafa de los artistas“, un recorrido por la vida Olga Lucia Jordán, por los inicios en la fotografía, por su obra como retratista, por su forma de ver y entender las imágenes, por el futuro de la fotografía, por sus nuevos proyectos y por sabios consejos para los que empiezan a pintar con la luz.

Revuelta(s), un recorrido visual por la fotografía latinoamericana

Revuelta(s), documental de la Fundación Cartier para el arte contemporáneo, largometraje que recorre las obras de 29 artistas latinoamericanos  que han encontrado en la fotografía una forma de plasmar su arte.  Dirigido por el paraguayo Fredi Casco y la documentalista Renate Costa.

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© Graciela Sacco

Historias cortas narradas por sus protagonistas, entre los artistas encontramos a Marco López, argentino,  que a través de la fotografía ha hecho una resignificación de los cárteles, o Facundo de Zuviria, quien expresa; “para mi sacar fotografías es como respirar”, así como ellos 27 artistas más  que han basado sus obras en diversos temas, entre ellos: la política, la cultura, la memoria, problemas sociales y  otros más.

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©Ever Astudillo

Por Colombia los fotógrafos invitados son Oscar Muñoz, quien explora a través de la fotografía temas de memoria, y Ever Astudillo, que  basa su obra en cárteles callejeros.

El documental de 140 minutos de duración se basa en entrevistas cortas,  acompañadas de planos largos y fotografías de los trabajos de los diferentes artistas, el nombre de la producción viene de la palabra “revoltosos” (personas que se revelan contra la autoridad, que nunca están quietos)

La Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo fue creada en 1984. Se dedica a la promoción y subvención de la creación artística contemporánea internacional, con especial énfasis en el descubrimiento de nuevos talentos.

Fotógrafo No Fotógrafo los invita a dar play a este documental.

Artistas:

Marcos Lopez
Facundo de Zuviria
Juan Carlos Romero
Marcelo Brodsky
Luis Pazos
Gracila Sacco
Luis Camnitzer
Carlos Altamirano
Eugenio Dittborn
Antonio Manuel
Anna Bella Geiger
Rosangela Renno
Arthur Barrio
Miguel Rio Branco
Claudi Andular
Felipe Ehrenberg
Eduardo Villanes
Flavia Gandolfo
Luz Maria Bedoya
Oscar Muños & Ever Astudillo
Paolo Gasparini
Vladimir Sersa
José Figueroa
Carlos Garaicoa
Pablo Lopez Luz
Jonathan Hernandez
Graciela Iturbide
Pablo Ortiz Monasteri

Los 20 lugares turísticos más fotografiados en el mundo

Hace pocas semanas circula a través de las redes sociales la infografía realizada por Parrot Print donde analiza a través de la aplicación  Sightsmap  los veinte lugares turísticos del mundo más fotografiados, en la gráfica vemos una descripción del sitio y las veces que ha sido usado el hashtag de la atracción turística  en Instagram.

El lugar más fotografiado según el mapa de calor es  el museo Guggenheim en Nueva York, seguido de  la iglesia Trinità dei Monti, ubicada en Roma  y en tercer lugar El Park Güell, en   la ciudad de Barcelona, declarado Patrimonio Mundial de la Unesco.

¿Cuál de estos lugares has fotografiado?

los lugares mas fotografiados

 

Che Guevara, el fotógrafo revolucionario

Hace 48 años en la pequeña localidad de La Higuera, Bolivia, murió el hombre que se convertiría en el revolucionario más conocido, su nombre, Ernesto Guevara, o Che Guevara, líder cubano del que hablaremos el día de hoy en Fotógrafo No Fotógrafo por su pasión por la fotografía.

Che con camara fotografica el 2 de Enero de 1964 en la Plaza de la Revolucion, La Habana, Cuba
Che con camara fotografica el 2 de Enero de 1964 en la Plaza de la Revolucion, La Habana, Cuba

El Che fue un aficionado a la fotografía, con su cámara recorrió diferentes países y durante algunos años de su vida se dedicó a la fotografía y vivió de ella. Según narra el fotógrafo español Gervasio Sanchez, el Che junto a un amigo venezolano trabajaron para una agencia argentina durante los juego panamericanos de 1955 en México, allí hicieron fotos de las diferentes competencia deportivas que se realizaron durante varios días, el revelado y las ampliaciones de estas imágenes la realizaban en un cuarto oscuro que improvisaron en el lugar que vivían, según cuenta Gervasio, luego de haber realizado el trabajo para la agencia fueron por la paga y la agencia había cerrado su oficina, lo que significó para ellos la perdida del dinero y de las fotografías.

Fotos del Che

Las calles de México también fueron recorridas por el Che, no para hacer la revolución sino para buscar personas que compraran una de sus fotos, el trabajo consistía en fotografiar personas que encontraba en la calle, entre ellas parejas y familias a las que pedía una dirección para después llevar las fotografías ya reveladas a sus casas, algunas fotografías eran compradas y otras tenían que ser regaladas porque los clientes no las pagaban.

Con la cámara colgada al cuello el Che realizó autorretratos, fotografío amigos y diferentes ciudades  del mundo que visitó en su puesto como embajador itinerante de Cuba; igualmente fotografías de su recorrido en motocicleta por países de Latinoamérica e imágenes de Sierra Maestra, lugar donde nació el movimiento guerrillero de Fidel Castro que derrocaría a la dictadura de Fulgencio Batista en 1959.

autoretrato che
Autoretrato del Che

El trabajo que desarrollo el Che como fotógrafo fue conocido en 1990 en la Casa de las Américas en la Habana, Cuba, y luego se convirtió en una exposición itinerante, visitando 16 ciudades en 10 países.  La muestra fotográfica fue desarrollada por  Josep Vicent Monzó Huertas,  con el apoyo del archivo del Centro Che Guevará y de la familia Guevara, entre ellos Camilo, hijo  y Aleida March, esposa.
el che fotografo
Ernesto “Che” Guevara, además de médico, escritor y político fue sin duda un apasionado por la fotografía, un hombre que  se consideraba fotógrafo antes que comandante y para quien la fotografía formaba parte integral de su vida.

La fotografía surrealista de Paul Biddle

El fotógrafo recomendado el día de hoy  es Paul Biddle, artista visual que inicio estudiando pintura pero con el tiempo daría  un salto a la fotografía y en especial a la fotografía surrealista.

Paul Biddle

Biddle, lleva más de 22 años trabajando y creando un estilo que viene inspirado del arte renacentista, el  dadaismo y el surrealismo; sobre la forma de realizar su trabajado expresa lo siguiente: “Muchas de las fotos surgen en mi cabeza inicialmente de forma simple y concreta. Pero en su mayoría, la imagen acaba por desarrollarse a partir de la inspiración que me generan los mismos objetos. Estos suelen ser cosas que descubro en negocios de segunda mano, o algo que encuentro casualmente en la playa junto a mi casa, o recuerdos de mi pasado como partes de juguetes o la paleta que usaba en la época en que estaba en la escuela de arte. Normalmente combino y ensamblo estos objetos, experimentando hasta encontrar una composición perfecta, la armonía entre las formas y los colores” .

Paul Biddle

Cuidar minuciosamente los objetos ,  la composición y la luz a la hora de fotografiar es vital  para el fotógrafo ingles quien busca en cada imagen la perfección.  El trabajo de Biddle se caracteriza por  una alta saturación de colores,   la combinación de formas  y un estilo que se acerca a reconocidas obras de pintores destacados, entre ellos Piccaso y Dalí.

Paul BiddleHa ganado más de 15 premios internacionales y ha expuesto en diferentes galerías de mundo entre ellas la Asociación de Fotógrafos de Inglaterra,  en El Banco de Imágenes (Getty Images), en el museo  Leonardo da Vinci, entre otros.

Paul Biddle

Sus trabajos más destacados han sido “The archipelago of fantasy islands”, “The Cabinet of curiosities”, “The paranoia of fruit and vegetables”.

Paul Biddle

Desde Fotógrafo No Fotógrafo los invitamos a conocer más de la obra de este fotógrafo en paulbiddle.com.

“Una pintura es una fotografía hecha a mano.” Dalí